Recortada y desfigurada adaptación de la novela de Maupassant, uno de los escritores más penetrantes del realismo-naturalismo francés, maestro de una agudeza flaubertiana para disecciones del alma humana y que, más allá de la concreción de su época, alcanzan validez atemporal. Ahí está "Bola de cebo".

Lamentablemente la película adolece de tal profundidad quedándose en la peripecia, amena pero escamoteadora de matices esenciales en relación al juego de intereses, intríngulis y dobleces de los personajes, resultando el más perjudicado el protagonista, Duroy, reducido a un intrigante narcisista que produce el (falso) efecto de trocar en víctimas a los de su círculo cuando en realidad resultan tan insidiosos como él.

Se puede argumentar aquello de “basada libremente”, pero seamos coherentes; para eso, se escribe una historia original y luego se guioniza.

No obstante, Lewin desenvuelve bien la historia (insisto, alejada del origen) donde destaca George Sanders que llena la pantalla, aún haciendo de sí mismo.

Un apunte. Tal vez Ophüls…pero Visconti jamás de los jamases hubiese usado las transparencias paisajísticas que nos endiña Lewin.

Álvaro

“Acabas de conocer a una mujer, estás a un paso del mejor sexo de tu vida, pero después de seis semanas de conocer a la mujer, te culparán por un crimen que no cometiste y terminarás en la cámara de gas y mientras te atan las correas y esperas respirar el cianuro estarás agradecido por las semanas que pasaste con ella y por tu propia muerte”.

Esa puntera y socarrona definición de James Ellroy basta para cribar la médula del cine negro de toda la filmografía periférica que se le asocia, film gris, cine gangsteril, suspense, cine de tribunal, subgéneros honrosos y fértiles en sus fusiones con el noir y, desde luego, proveedores de títulos mayores, pero que deslustran los cánones intocables que han hecho del film noir el cine con mas obras maestras por metro de rollo (incluida alguna de la entrañable serie B).

Y esto porque la quintaesencia del asunto son los cuatro escaques en los que bailan todos los personajes: la ciudad, la noche, el destino y la fatal (nada más, hasta la pistola de Godard sobra); los tres primeros, paisaje de fondo, y la última, protagonista absoluta y absolutista. Una criatura de doblez misándrica provista con la ambigüedad de una sensualidad frígida y viperina y un porte de inaccesibilidad que solo parece capaz de doblegar el canalla de Dan Duryea. La lista es larga, pero la esencia permanece: las Phyllis, kathie, Alice, Ellen…pero entre ellas no está Billie Nash.

Billie no es una mantis, es una buscona de estación con el aire, entre despampanante y desamparado, que le confiere la cheesecake Beverly Michaels apenas con estrategia de carterista dispuesta a engatusar a viajeros palurdos en las kilométricas trailways. Le falta casta y le faltan artes, porque la mantis no viaja, no incurre en la servidumbre de la deambulación ni de la persecución; al contrario, posee una residencia arácnida desde donde expande las redes de sus tejemanejes y adonde entrará entregado su abnegado admirador. La Billie de estación de autobuses, inquilina de cuchitril, seductora de babosos, camarera de rijosos es un retrato espurio de la hembra bífida, ofidia y glacial que te diría “Bésame, antes de morir”. Dicho cual, la película entretiene, con pocas pretensiones y menos presupuesto, y con el que Russell Rouse escenifica más que filma un melodrama (falta noche, claroscuro y fatalidad para ser noir) casi amable.

Pierre Chenal, desconocido, por injustamente olvidado, pese a ser el realizador de un puñado de títulos del mejor negro francés, entre ellos la primera adaptación cinematográfica en 1939 de “El cartero siempre llamada dos veces” de M. Cain, además de ser capaz de conciliar una modesta producción con un resultado interesante como lo demuestra en esta “Feria de las quimeras”. Con aires del denostado realismo poético y ecos de la Bella y la Bestia y del mito de Eros y Psique, la película rezuma esa atmósfera insana e irreal que solo en los cuentos posibilita el entrecruce de la ingenuidad y lo perverso, ambiente muy logrado por Chenal a través de una iluminación expresionista y encuadres wellesianos -en particular en el tramo final-, donde Von Stroheim clava su papel de monstruo patético, redentor de una feriante lisiada encarnada por la gélida Madeleine Sologne. En una suerte de corte de los milagros, nadie es quien parece: los benefactores, los indefensos, los inocentes, los ciegos y los videntes juegan un lance ambiguo a favor de sus intereses que en sí mismos se tornan equívocos y fatídicos para ellos mismos. Tan interesante descubrirla como difícil de encontrar.

Vaya por delante que “Aves de rapiña” resulta mucho mejor como guion que como historia, porque la historia es tramposa y avanza a cuenta de algunos comodines hilvanados con alfileres que no impiden, sobre todo al final, incurrir en el descosido.

Pero como decía Godard, basta una chica y una pistola para hacer cine y aquí palpamos cine -serie B- del bueno, de aquel que ya se nos ha olvidado, cuando una película duraba ochenta minutos, de cuando en los primeros cinco se nos había plantado el marco y definido los personajes, de los diálogos mordaces a la velocidad de un ping-pong punzante, de las nenas que recibían y soltaban guantadas con la misma mueca que recibían y repartían los besos.

La vertiginosidad de la historia, la mudanza de los escenarios y la irrupción de personajes no logran, sin embargo, transmitir toda la credibilidad que la historia requiere y no por imposible –los anales reales de lo fraudulento superan lo ficticio- sino más bien por la ligereza de los personajes más asemejados caricaturescamente al hard boiled de papel que al cine, pero falta ese calado psicológico entre la fatalidad y la perdición que posee la negrura de los Chandler y los Hammett.

De lo mejor, los replicantes diálogos de sarcasmo entre (el soso) Payne y la impagable Winters. Si bien Dureya cumple siempre como magnífico canalla reconozcamos que ofrece más como truhan de relleno que de cerebro criminal.
No tan mejor. La precipitación, tan común a la serie B, en despachar un conflicto, que se enrevesa en los últimos cinco minutos, en el minuto final y que, en este caso, lo hace con un desenlace abierto que rebaja el empaque de film de cine negro a mero cine de hampones.
Pero entretiene.

Mediocre suspense, tanto en contenido como en factura, no solo atribuible a una modestísima producción ya que tal limitación no justifica la falta imaginativa y de oficio en la medianía del resultado.

Conocida es la característica loable del indigente cine B para recomponer con estrategia tramoyista y arte figurativo productos infumables que alcanzan, contracorriente, las categorías de artísticos y de culto (véase al respecto el topic “Serie B” de Filmaffinity), pero ni asomo de tal creatividad en esta Bewitched que se despacha entre lo rutinario y la desgana.

Pretextada en el reclamo de un psicoanálisis tan en boga en esos días como acomodaticio en su interpretación, el guion se enfrasca, y también se atasca, en un episodio tan retorcido como pueril de desdoblamiento de personalidad que es representado en una escenificación con más de guiñolesco que de psicología.

Todo el elenco se contagia de esta ambientación, incluido el solvente Edmund Gwenn (al que luego veríamos en “Calabuch”, 1956), donde las interpretaciones, la trama y la puesta en escena no nos hechizan precisamente.
Regular y prescindible.