Mantícora trata un tema tabú en la sociedad, y reflexiona sobre la necesidad de ser amado que todo el mundo experimenta, incluidos los monstruos. Perturba y emociona.

Cuarto film del director Carlos Vermut, el film es impecable en la construcción de sus personajes, sus diálogos y en su progresión dramática. Con un tono naturalista y unas interpretaciones notables, Vermut hace avanzar su trama sin prisa, dejando que el espectador se posicione. El film plantea una love story que choca contra el rechazo social de las oscuras perversiones de la mente humana. Esa aproximación a un tema tabú en nuestra sociedad, conecta de alguna manera el film con Tras el Cristal (1986) de Agustí Villaronga.

Ahí es donde Mantícora es dura. El monstruo es humano. Lucha por no ser monstruo, quiere ser amado y necesita amar. El espectador se incomoda ante su imposibilidad por empatizar con el protagonista, cuando en el fondo entiende su sufrimiento. El film tensa la cuerda al máximo sin romperla, y consigue momentos muy incómodos, a la vez que verosímiles y coherentes con toda la trama.

La película plantea un molesto dilema moral al espectador (por qué condenar a alguien que no ha hecho nada malo en el mundo real) aprovechando la supuesta libertad que ofrece la realidad virtual. Pero más allá de posicionamientos morales, es un film honesto, notable y confirma (por si alguien tenía alguna duda) la filmografía de Carlos Vermut como una de las más estimulantes del cine español actual.

El Páramo practica el relato atmosférico, el terror cocido a fuego lento, pero no despega.

Ambientada en el siglo XIX, localización sombría con un diseño de producción muy cuidado. Una magnífica fotografía y brillantes interpretaciones (a destacar el niño Asier Flores). Con una paleta de colores muy marcada y un ritmo pausado, el film desprovecha un arranque prometedor, que va perdiendo interés conforme avanza la trama.

O le sobra metraje o le faltan ideas. El resultado es que se hace predecible, lenta y reiterativa, sobretodo en su tramo final.

Top Gun: Maverick da lo que promete. Es el paradigma del Blockbuster made in Hollywood: entertaiment palomitero.

Es interesante como Tom Cruise (productor y estrella absoluta del film) construye un film autoconsciente a partir del film original, jugando con sus mismos ingredientes (adrenalina+testosterona), incorporando la nostalgia (más de 3 décadas después) y consigue un producto que funciona como un trueno en su público objetivo.

No plantea alternativa o relevo (como otros revivals de films ochenteros: Indiana Jones, Star Wars), ni tiene ningún interés en actualizar una mirada de género (que sigue anclada en los ochenta). Utiliza inteligentemente todos sus recursos: aparición estelar de Val Kilmer, emulación del estilo visual que Tony Scott supo dotar al film inicial, utilización máxima de tecnología y ópticas del cine de acción que evita al máximo el CGI para ganar en espectacularidad. Su trama es totalmente accesoria, construida ad-hoc para potenciar la presencia de la super-star Tom Cruise y la adrenalina de las escenas de acción.

Interesante como el film ha conseguido conectar automáticamente con los fans del film original y cumplir sobradamente sus objetivos de blockbuster palomitero a nivel planetario, con ingredientes tan obvios, y (hay que reconocerlo) ejecución técnica impecable.

Beyond the infinite two minutes es una muestra de cómo con mucho ingenio y poco presupuesto se puede hacer un producto digno, divertido. Un humilde film de 66 minutos sobre bucles temporales en clave de comedia frenética.

Rodada con iphones. 2 espacios y 5 personajes. La película recuerda al film One Cut Of the Dead (2017) por su ajustadísimo presupuesto, su tono fresco de comedia y su premisa fantástica. No será una obra maestra, y tiene algunos problemas de verosimilitud (esos cables infinitos, alguna paradoja temporal), pero la originalidad de la propuesta, la planificación milimétrica del falso plano secuencia, el ritmo vertiginoso y la frescura y histrionismo de sus actores (miembros todos de una compañía de teatro) hacen the Beyond the infinite, una curiosidad singular que bien merece un visionado para disfrutar de 66 ajustados minutos de metraje.

Bucles temporales, comedia y tanto talento como poco presupuesto.

La Vampira de Barcelona es un cuento gótico ambientado en una Barcelona victoriana, y una arriesgada apuesta estética que bascula entre el artificio y la teatralidad con resultados dispares.

Opera prima de su director Lluís Danés que proviene del teatro y la televisión, estamos ante una propuesta que por decisión estética y/o limitación presupuestaria recrea los barrios bajos de la ciudad desde una arriesgada artificilidad en su puesta en escena que la coloca en un nivel de producción buscadamente "arty" (la sombra de Dogville (2003) es alargada), jugando con una magistral fotografía de blanco y negro hipercontrastado y rojo saturado. La iluminación, decorados y vestuario contribuyen a dotar al film de un aspecto irreal, anacrónico que le viene muy bien a la hora de plantear los horribles crímenes que sucedieron en el Raval. El film utiliza la leyenda de la vampira como excusa para denunciar el abuso de poder de una burguesía sin escrúpulos a la hora de utilizar niños para satisfacer sus perversiones en los prostíbulos de los bajos fondos.

El trabajo de Nora Navas como Enriqueta Martí es impresionante. Lástima que la excesiva teatralidad de los diálogos, la falta de profundidad de muchos personajes, lastre el resultado final. Un exceso de metraje y una cierta confusión de un guión que abre muchas subtramas sin una conclusión dramática adecuada tampoco ayudan a la hora de hacer avanzar la acción. El film presenta una narrativa excesivamente plana para una premisa argumental potente, que podía haber convertido el film en algo más arriesgado a nivel dramático más allá de la apuesta estética.

Entre la Tv movie o el film "arty" estamos ante un producto muy digno estéticamente pero irregular en su narrativa. Una lástima.