Pocas veces un rodaje tan caótico, tenso, improvisado y lleno de dudas ha cristalizado en una de las obras maestras más incontestables y reconocidas de la historia del cine.
Melodrama romántico por excelencia, es una de las cimas culminantes salidas de la fabrica de sueños del Hollywood dorado. Expresión máxima del “studio system”, se ha convertido en un icono de la mítica de nuestra cultura, y de la del cine en particular, y en una referencia de obligada visión para todos aquellos que son capaces de sentirse vivos y de emocionarse con las imágenes que surgen de una pantalla. Un guión milagrosamente bien construido, con diálogos, frases y replicas memorables, que son ya historia, y con un preciso y magistral dibujo de personajes se convierte -junto a una extraordinaria puesta en escena- en la sólida base en la que se sustenta esta obra cumbre del séptimo arte. El Rick endurecido y desencantado, pero profundamente idealista, de un H. Bogart memorable -en el papel más carismático de su carrera- y la Ilsa llena de sensibilidad de una maravillosa y bellísima I. Bergman protagonizan una de las más bellas, apasionantes y románticas historias de amor que guarda el celuloide en sus más de 100 años de historia. Una ilustre galería de actores irrepetibles, que dan lo mejor de si mismos, con especial mención para, el cínico Renault de un impagable C. Rains, el entrañable Sam de D. Wilson y el Ferrari del gran S. Greenstreet, y la magnifica e inmortal adaptación que hizo M. Steiner del tema compuesto para piano por H. Hupfeld, “As time goes by”, con la brillante dirección de un veterano “artesano” como M. Curtiz, convirtieron a “Casablanca” en un film intemporal y sublime, y en la más brillante sucesión de secuencias inolvidables que probablemente se haya visto jamás en una pantalla, culminada con la magistral -todo un master de planificación y montaje- secuencia final en el aeropuerto. Cine en estado puro elevado a la categoría de leyenda, sencillamente irrepetible.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona a 29 de septiembre de 2005

Pocas veces un film consigue aunar de forma tan brillante calidad y comercialidad, gustar por igual a público y critica, y ver reconocidos sus méritos con la concesión de los premios más prestigiosos que el mundo del cine otorga a un film.
Basada en una premisa argumental sin ninguna pretensión de fidelidad historicista, el maravilloso guión de “Shakespeare in love”, uno de los puntales fundamentales en que se apoya la arquitectura del film de J. Madden, pleno de hallazgos que explora a fondo todas las posibilidades que permite la historia, transformándose en un estudio profundo sobre el amor y el proceso de creación de la obra de arte, bascula progresivamente, de forma inexorable, desde un registro de comedia romántica de época hacia otro hermosísimo, pero profundamente triste, y dolorosamente romántico. Un joven William Shakespeare inmerso en una profunda crisis de inspiración busca desesperadamente una musa que le permita recuperar su capacidad creativa. Su repentino enamoramiento de Lady Viola nos permitirá no solo ser espectadores, sino también implicarnos emocionalmente en los entresijos de una historia de amor maravillosa, y nos abrirá de par en par la puerta que nos va a permitir asistir al milagro de la génesis de la obra de arte. Jugando con increíble habilidad con el paralelismo entre realidad y ficción, nos veremos inmersos de lleno en la creación de una de las cumbres de la literatura universal de todos los tiempos, “Romeo y Julieta “. Asistiremos atónitos como lo real y lo ficticio con frecuencia están separados por una delgada línea que a menudo se confunde, y como la realidad a menudo condiciona la ficción. Con una dirección brillante de Madden y una puesta en escena impecable, la complicidad de una cámara nerviosa que utiliza con frecuencia el travelling circular como instrumento al servicio de la historia, y una excelente labor de montaje, en “Shakespeare in love” sobresalen aspectos tan cuidados como la dirección artística, el vestuario y una banda sonora de S. Warbeck que fueron galardonados justamente con el Oscar de la Academia. De las interpretaciones poco hay que decir, nunca G. Paltrow estará más bella y mejor como actriz como en este papel de Lady Viola que parece escrito expresamente para ella y recompensado con un Oscar merecidísimo. El Will Shakespeare pleno de registros y de expresividad de J. Fiennes merecía mejor suerte, por no hablar de la extensa galería de secundarios de lujo que brillan, todos ellos, a un altísimo nivel. En definitiva, una extraordinaria película que se erige en una conmovedora historia de amor y en un sentido homenaje al talento creativo del artista, y que quizás nos depara, sin pretenderlo, con la mejor versión fílmica de la inmortal obra de Shakespeare. Cine moderno de calidad, para ser vista con frecuencia.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 28 de septiembre de 2005

Poderoso melodrama que desafía impertérrito el paso del tiempo. Cumbre absoluta, y jamás igualada, de una forma de entender y de hacer cine, “Lo que el viento se llevó” sigue siendo el mayor monumento erigido a un concepto del espectáculo cinematográfico, que el viento se llevó junto con el Viejo Sur americano, y que desgraciadamente no volverá jamás. Mítica e irrepetible, se ha ido convirtiendo con el paso de los años en un referente absoluto del Hollywood de la época dorada y en icono incontestable, no solo, del séptimo arte sino de la cultura occidental del último siglo.
Película más vista de la historia, ejerce un poderoso influjo sobre los espectadores que generación tras generación se sienten fascinados por esta historia inmortal de pasiones desatadas, de amores y odios, con la Guerra Civil americana como telón de fondo.
Película de productor, con una gestación tan turbulenta y mítica como la propia película, “Lo que el viento se llevó” es el milagroso resultado del encaje perfecto del inspirado trabajo de los mejores talentos de la época, bajo el férreo control del productor David O. Selznick, el hombre que hizo realidad su sueño, y auténtico artífice de la película. Incontestable obra maestra intemporal “Lo que el viento se llevó” se convirtió en pura leyenda del cine desde el mismo día de su estreno. Para la historia nos queda además de algunas de las mejores secuencias de la historia del cine, el extraordinario diseño de producción de W. C. Menzies, responsable de la estética visual del film y pieza fundamental en la asombrosa unidad de estilo que mantiene la película a lo largo de todo el metraje, la absolutamente maravillosa Scarlata O’Hara de V. Leigh, con una interpretación sublime que ha pasado justamente al Olimpo de los dioses, el magistral Rhett Butler de un C. Gable que firma la interpretación de su vida, y el inolvidable tema de Tara compuesto por un inspirado M. Steiner que se erige en síntesis y resumen del espíritu del film, y que representa, no solo, a la roja tierra de Tara sino al CINE con mayúsculas. Una obra maestra total y absoluta que nos transporta a un tiempo pasado donde se podía soñar despierto con solo mirar una pantalla en medio de la oscuridad de una sala de cine. Absolutamente imprescindible.


Francesc Chico jaimejuan

Barcelona 27 de septiembre de 2005

Pocos directores tienen la capacidad de “crear arte” y Coppola es, sin duda, uno de ellos, quizás el último gran creador que ha dado el cine. Como toda obra de arte “Corazonada” ha sido y es un film discutido, “cult movie” para unos, película fallida para otros, apasiona o genera rechazo sin término medio, se entiende o no, pero jamás deja indiferente a nadie.
Como plasmación fílmica de un sueño largamente acariciado, un sincero y sentido homenaje de Coppola al sistema de estudios que hizo grande a Hollywood, “Corazonada” se nos presenta como un fascinante y arriesgadísimo ejercicio de estilo que solo la imaginación de un visionario como Coppola podía acometer. Nadie como el podía atreverse a realizar en un estudio esta extraordinaria recreación de la ciudad de Las Vegas, con esa catarata de luz y de color que inunda la pantalla de forma casi permanente. Historia de amor en apariencia convencional, un Coppola que destila pasión y romanticismo por todos sus poros va mucho más allá de lo que nadie jamás se había atrevido y nos ofrece una personal, lírica y melancólica visión de la relación de pareja. Un guión trasgresor e imaginativo, una fotografía fascinante, irreal y preciosista del gran V. Storaro, una cámara que se desliza de forma precisa en amplios y deslumbrantes movimientos de grúa, trufada de secuencias inolvidables, y con la maravillosa y envolvente banda sonora de Tom Waits como telón de fondo hacen de “Corazonada” una experiencia visual y anímica inolvidable para todos aquellos que aman la belleza.

En el panorama cinematográfico actual, con guiones-basura que no tienen detrás nada más que la “nada más absoluta” y sometido a la tiranía de los efectos especiales, encontrar un film honesto como “Los fabulosos Baker boys” con una dirección competente que utiliza una narrativa clásica, sustentada en un excelente guión, se transforma en todo un estimulante hallazgo que nos devuelve la ilusión por una forma de hacer cine que creíamos desaparecida para siempre.
Partiendo de una premisa atractiva, -dos hermanos que actúan en salas de fiesta como pianistas contratan a una cantante para que revitalice y relance su espectáculo-, que pudo acabar una vez más en un producto vació de contenido, el film se eleva con facilidad y nos ofrece un interesante estudio sobre la condición humana. La delgada línea que separa el éxito del fracaso, los sueños que perdemos a jirones a lo largo del camino, la dificultad para comunicarnos y la imposibilidad de alcanzar la felicidad son los ejes básicos de su discurso. Con unas interpretaciones memorables de los hermanos Jeff y Beau Bridges destaca, sin embargo, la deslumbrante “performance” de una Michelle Pfeiffer pletórica que firma su mejor interpretación hasta el momento. Dando un autentico recital como actriz, valiente a la hora de asumir el riesgo de cantar, aún le quedan agallas para ofrecernos un numero fascinante -su sensual actuación cantando con un precioso vestido rojo sobre el piano que toca J. Bridges- que ha pasado por derecho propio a la iconografía del cine. Sencillamente inolvidable.
Profundamente triste y romántico, cáustico y agridulce a partes iguales, sin hacer concesiones gratuitas a la galería es, sin duda, uno de los films más interesantes y bellos del cine americano de los últimos años, y deja en evidencia a aquellos que opinan que las buenas historias no interesan a nadie, olvidando que lo clásico es siempre lo más moderno. Imprescindible para cinéfilos nostálgicos.


Francesc Chico Jaimejuan

Barcelona 23 de septiembre de 2005