Posiblemente, a gran parte del público cuando le ofrecen la posibilidad de elegir entre ver una comedia, un drama o un trhiller españoles, lo último que escogería sería el thriller. Estamos tan acostumbrados a las producciones estadounidenses con su marca de fábrica, sus arquetipos tan reconocibles, que cualquier filme policíaco “made in Spain” nos parecía hasta ahora una burda imitación. Es cierto que es un género difícil de abordar, pues necesita siempre de un guión complejo y bien elaborado, una puesta en escena original, pero que a la vez cumpla con los códigos del género, una gran tensión narrativa e interpretaciones que no sean caricaturas de los modelos clásicos.
Precisamente, uno de los aciertos de El alquimista impaciente es no imitar a los detectives americanos de sombrero y gabardina o a policías desahuciados del Servicio y resentidos con el mundo. El acierto ha sido optar por una pareja de la Guardia Civil como motor investigador del crimen que ocupa la trama. Esta pareja, encarnada por Ingrid Rubio y Roberto Enríquez da vida a unos personajes creíbles porque encajan en la España que ilustra la película. No son sólo instrumentos al servicio de la investigación que vertebra el relato, sino que sus circunstancias personales y profesionales, tienen que ver con la situación social, política y cultural del país en que vivimos. El alquimista impaciente es más que un filme policíaco; Patricia Ferreira ha querido, de nuevo, servirse de este género cinematográfico para denunciar a una sociedad en la que el principal valor es el dinero, y conseguirlo con extrañas y rápidas alquimias es su objetivo prioritario.
No es frecuente utilizar el thriller como cine de contenido social; esta directora ya lo hizo en su primer largometraje Se quien eres donde se aproximó a la memoria histórica más reciente,la Transición, a través de una historia de intriga.
El filme que proyectamos hoy está basado en la exitosa novela de Lorenzo Silva que consiguió el premio Nadal en el año 2000.
Algún crítico aprecia excesiva fidelidad al texto literario y hubiera preferido un toque personal del guionista a la historia . También aduce que algunos diálogos parecen saltar del papel mientras se escuchan. En fin, es el eterno dilema de las adaptaciones literarias al cine: nunca satisfacen a todos. En cualquier caso, ante un cartel anunciador que reza: “Pocas veces el asesino muere antes que su víctima” nadie negará que no sea tentador entrar a ver la película.

Con el filme Deliciosa Martha, tenemos la oportunidad de comprobar lo equívoco del cliché de “lo alemán”. No obstante, su directora y guionista, Sandra Nettelbeck, se sirve, precisamente, de una mujer paradigmática de este modelo germánico, para ofrecernos una película cálida; utiliza un personaje frío para hablarnos de sentimientos.
Esta película pertenece, además , por el escenario donde se desarrolla el relato, al tipo de “cine gastronómico”. Martha, la protagonista -interpretada por Martina Gedeck-, es jefa de cocina de un lujoso restaurante. Su agrio carácter contrasta con el fruto de su trabajo: unos platos sensuales , que alegran el ánimo además de los estómagos... Y de esto sí que entendemos en España.
El mundo de Martha es reducido, gris, sin humor. su vida está regida absolutamente por el trabajo. Es perfeccionista, inflexible. Pero dos personas entran en su vida, por diferente motivos, y alteran esta vida metódica y aséptica.
Aunque los títulos de crédito vienen acompañados de unos platos suntuosos y tentadores, la directora Sandra Nettelbeck comienza la historia dibujando de manera admirable y elegante, con encuadres fríos, geométricos y húmedos, el adusto universo de Martha. Con una gramática perfecta nos cuenta el acontecimiento que trastornará su vida de autómata. El otro hecho que añadirá malestar a esta mujer, pero al espectador le gratifica, le oxigena y le calienta el corazón, viene encarnado en el estereotipo opuesto: el ardiente espíritu mediterráneo. Es el actor Sergio Castellito, quien irrumpe en escena , como una bocanada de optimismo, representando al mito del buen vivir latino. En los países donde el invierno dura más de seis meses, así es como nos perciben a los italianos, españoles, griegos y portugueses. Esta idea ya estaba también reflejada en Italiano para principiantes de nacionalidad danesa o en la película canadiense Leólo, donde el italiano, lo latino, es la metáfora del escaso y deseado sol, símbolo, éste a su vez, de la expresividad afectiva.El personaje italiano de esta historia es el vértice del triángulo que completa la pequeña actriz Maxime Foerste, que constituye el otro elemento perturbador de la exquisita cocinera.
Deliciosa Martha es una película de aprendizaje interior, de evoluciones personales descritas con el ritmo necesario para hacerlas creíbles e inciten a la reflexión del espectador. Este perfecto engranaje de desencuentros, de búsquedas de afectos, de convivencias difíciles, se resiente con un final que fisura un poco todo el desarrollo precedente. En cualquier caso, el público sale reconfortado como lo demuestra que esta cinta consiguiera el Premio del Público en la Mostra de Cine de Valencia, en el Festival de Locarno y el premio a la Mejor Película en el último Festival de Cine Alemán de Madrid. Así que...¡bon appétit!

Ultimamente se habla mucho de recuperar la memoria histórica de los años de la Guerra Civil Española y de su posguerra; recuperar la memoria y el recuerdo de los vencidos, fusilados y exiliados, que para algunos se han silenciado en favor de una transición a la democracia que habría cerrado en falso heridas muy profundas.
En Asaltar los cielos, Javier Rioyo y José Luis López Linares abordan esta etapa convulsa a través de la investigación de la figura de Ramón Mercader, el hombre que asesinó a León Trostki.
El relato de esta estremecedora biografía está salpicado de retazos históricos de España, a partir de los años 30, de la Unión Soviética, del movimiento comunista europeo... Además, se entrecruzan personajes emblemáticos y testigos vivos de acontecimientos que ya están registrados en los libros de Historia, pero que, hoy todavía, nos conmueven o nos indignan.
Este emocionante documental, producido en 1996, reabrió a este género las puertas de la gran pantalla. También sus protagonistas se abren al espectador para descubrirle con una lucidez, a veces dolorosa, una época en la que se luchó por conseguir la conquista del Paraíso, el “Asalto a los Cielos”, que con la perspectiva de los años podría parecer un sacrificio en vano...
Según este trabajo de investigación, se llega a la conclusión de que Ramón Mercader fue también una víctima; en su caso, de la Unión Soviética, de Stalin y, sobre todo, de su madre, Caridad Del Río. Esta mujer, de procedencia burguesa pero disconforme con su condición social, con el matrimonio que le impusieron a la edad de 16 años, canalizó su descontento y su rebeldía involucrándose en las filas comunistas y en el aparato de espionaje soviético, y “adiestrando” a su hijo Ramón para asesinar a León Trostki.
Resulta espeluznante de qué manera se programó a Mercader, con qué premeditación, calculada por años, para lograr infiltrarle entre las personas más cercana al líder comunista caído en desgracia. Mientras tanto, España estaba en guerra, y miles de niños, hijos de republicanos, se embarcaban rumbo a Rusia para ser protegidos de la lucha fratricida, en la creencia de que su estancia en ese país no duraría más de tres meses. Son los Niños de Rusia. que expresan su desarraigo, sus sentimientos contradictorios hacia el país que les acogió, pero que a la vez les manipuló, y hacia España, el país donde nacieron pero que ya no sienten suyo...
Es Asaltar los cielos un documental con mucha información; tanta, que después de un visionado el espectador querrá volver a verlo para escuchar de nuevo ciertos testimonios, ciertas expresiones que empujan a muchas reflexiones...
Porque cuando se sabe que el hombre que mató a Trostki estuvo convencido de que Sant Feliu de Guixols era el Paraíso y de que los suyos le reconocerían como un héroe, tal vez el espectador se vaya a casa pensando que los paraísos son una gran estafa.

Dice Miguel Albaladejo que sólo sabe hacer cine de “hechos cotidianos y de historias que pueden ocurrir a diario”, y que envidia a los cineastas de imaginación desbordante que cuentan historias inverosímiles. Es curioso que el director y guionista de “Rencor” no sea consciente de su poderosa imaginación, que hace posible que un relato costumbrista y proletario seduzca y cautive sin condiciones. Esta, es una película de personajes y ambientes que reconocemos, pero que no conocemos, pues los personajes transitan por el borde de la supervivencia y la marginalidad. Son seres que aspiran a una convencionalidad, como otros soñarían con un paraíso de los Mares del Sur. Pero a este modesto sueño de integración social se oponen sentimientos tan fuertes como el amor, los celos y la venganza. Ingredientes sazonados con cierto humor negro y amargura que hacen de “Rencor” una comedia dramática con toques de sainete, aunque con un fondo más profundo de lo que parece a primera vista.
Pero...¿ qué sería este filme sin Lolita? Esta cantante desciende desde el papel couché para dar vida a un personaje tan de carne y hueso, tan auténtico, que destruye todos los prejuicios del espectador que hubiera entrado a la sala con cierta prevención. Es “la mala” de la película, pero es tan creíble su maldad que subyuga cada vez que aparece, y cuando no está en alguna secuencia, se la echa de menos.
Elena Anaya y Jorge Perugorría -coprotagonistas- están a la altura de Lolita, y el resto del reparto entona afinadamente con estos tres magníficos intérpretes.
“Rencor” es una película mediterránea, que recuerda a las del marsellés Guèdiguian: hay una luz especial que envuelve a estas gentes sencillas que intentan sobrevivir y ser felices.
Y para corroborar esa reivindicación de lo mediterráneo, Albaladejo hace cantar a Lolita la conocida canción de Serrat que nos transporta desde Grecia hasta Africa haciendo escala en la humilde Manga del Mar Menor.
Como ocurre en las películas de Guèdiguian, acabaremos amando a estos personajes, incluso cuando se comportan de forma un poco miserable,talante que no perdonaríamos a un héroe de Hollywood. Tal vez porque nos recuerdan a nosotros mismos que siempre queremos que nos perdonen y que no nos guarden rencor...

Tocando el viento (Brassed off) es una película que pertenece al género de crítica social “postatcheriana”, últimamente muy consolidado en el cine británico. A este nuevo género -que incluye tanto comedias como dramas- pertenecen Rif-raf (1991), Lloviendo piedras (1993), ambas de Ken Loach, o la proverbial Full monty (1997) de Peter Cattaneo. No obstante, Mark Herman, director de Tocando el viento duda a la hora de ubicar su película: “Una de las cosas más difíciles es encuadrarla dentro de un género. No es una comedia, aunque tiene elementos cómicos. No es un drama aunque haya situaciones tristes y, espero, conmovedoras. Y, a pesar de la importancia que en ella tiene la música, no es de ningún modo un musical.”
Un pueblo sufre la amenaza de cierre de la mina de carbón de cuya explotación subsiste. Alrededor de las consecuencias de este hecho se entretejen las diferentes historias de algunos de sus habitantes, que comparten la pertenencia, crucial en el relato, a la emblemática banda musical de la mina.
En esta narración coral destacan la riqueza de matices de los comportamientos y personalidades de los protagonistas, así como el planteamiento de situaciones donde no les es nada fácil decidir “si blanco o si negro”.El espectador será comprensivo con el punto de vista de cada personaje, porque Mark Herman consigue que nos sintamos dentro de la piel de estos individuos. Según el crítico García Oliveri “es una obra que no sólo emociona, divierte, entretiene, deleita con su música y hace pensar. Además hace bellamente diana en un problema de fondo: esa autoestima que todo ser humano necesita y que tantos gobiernos se empeñan en negarle.”
Mark Herman, director y guionista de este filme, consigue de los actores y actrices un trabajo redondo, perfecto. Aunque nadie desafina en este hermoso concierto de interpretaciones, es sobresaliente el trabajo de Peter Postlewaite (el director de la banda), sobrio y contundente, imprimiendo una credibilidad absoluta a su personaje, que transita un camino por el que nadie quiere andar pero que, al final, conduce a donde todos quieren.
Otro elemento que aporta calidez y belleza a esta historia es la fotografía, a cargo de Andy Collins. El pueblo, las instalaciones mineras que podrían sugerir un entorno sucio y agresivo, están tratados con luces suaves y planos agradecidos; el resplandor dorado de los instrumentos de viento parece atenuar las tragedias de sus propietarios.
Tampoco puede olvidarse la importancia de la música que, de manera notable, se convierte en vehículo narrativo; mientras la escuchamos se suceden acontecimientos que no necesitan palabras. Pero la palabra también es importante en esta obra; oiremos frases que nos acompañarán después de acabar la proyección: “si la ayuda sirve de algo eres un héroe, pero si no sirve eres un entrometido”, o diálogos que expresan lo que parecen no decir....
Gloria- ¿Quieres subir a tomar café?
Andy- No tomo café
Gloria- Y yo no tengo café.