Lo que está claro es que cada vez son más los que sin ningún tipo de rubor se reconocen como seguidores de esta saga, que si bien con sus dos primeras entregas parecía estancada, agotada, y sin fututo, con las dos últimas certifica un futuro más que asegurado. A todo gas 5 recaudó más de 600 millones de euros en todo el mundo, y esta sexta entrega va camino de acercarse bastante a esa cifra. Su director, JUSTIN LIN, ha sabido dar un toque a la saga que ha hecho posible su conexión con el público a nivel mundial. La acción, los coches, y los valores universales de la amistad concebida como una gran familia, son pilares suficientemente sólidos para arrastrar a los adolescentes a las salas. La bromita de que las películas de esta saga son pasto de jóvenes "poligoneros" ya luce muy gastada, así que a esos críticos les recomiendo que se acerquen a las salas para descubrir el perfil de público que disfruta estos productos.

El filme será llevado de maravilla por todos los que sabiamente renunciéis a cualquier conato de cuestionaros lo que estáis viendo en pantalla. Coches, explosiones, motores rugiendo, frases lapidarias, accidentes, chicas guapas, tortazos y patadas para todos… una lista interminable de etiquetas para este post. Lo que más nos ha sorprendido es que nos pongamos como nos pongamos está bien dirigida y resuelta por JUSTIN LIN. Las escenas de acción son bastante espectaculares, el montaje de éstas está muy estudiado y las localizaciones muy acertadas, pero lo que llama la atención es la acertada incorporación de un toque de humor en el guion, que funciona de maravilla para sazonar los momentos valle entre tanta acción.

Hablar del guion o de las interpretaciones aquí sería algo tan disparatado como hablar de los efectos especiales en LOS PUENTES DE MADISON, así que no nos hagamos líos y a disfrutar de la escalada de acción que poco a poco JUSTIN LIN inyecta en la cinta hasta alcanzar momentos delirantes con un tanque reventando una autopista, y una secuencia final que deja como juego de niños algunas de las secuencias más vibrantes de los últimos BONDS. Todo esto, insisto, hay que tomárselo con mucho humor, sólo así seremos capaces de disfrutar a fondo de éste capítulo de una saga que ha sabido reconducirse, y de qué manera.

La séptima entrega ya está confirmada, solo hay que ver el final. La mala noticia es que JUSTIN LIN se desentiende de las labores de dirección, así que el futuro de esta saga queda en manos de JAMES WAN (SAW, INSIDIUS), que está encantadito de coger la batuta de director. Otra cosa será que se desenvuelva igual de bien que LIN planificando y rodando la acción.





LO MEJOR:
Ni rastro de contención en las escenas de acción. Todo vale, y además está muy bien rodado.
La exclamación generalizada de sorpresa en la sala cuando, en la última escena, un tótem de la acción reciente hace un cameo que abre las puertas de la siguiente película de la serie.

LO PEOR:
Los prejuicios que arrastra la saga y que impiden que muchos espectadores disfruten plenamente de la propuesta.
La sensación de que todo el elenco protagonista tienen poco que hacer fuera de la saga.

Más contenidos y críticas en www.elpalomitron.com
Facebook.com/ElPalomitron

La sensación después de ver la película es un poco ambigua. Por un lado detectamos algo de optimismo, que ALBERTO ARANDA no dudamos ha querido dar al conjunto, pero es que las realidades de algunos de los protagonistas son tan dramáticas, que en muchos casos se hace muy complicado hacer una lectura positiva de todo esto.

Si en los ochenta las realidades en el cine de los barrios más obreros básicamente retrataban el mundo de las drogas, de la delincuencia juvenil, y de la marginalidad en los últimos años, gracias a referencias como FERNANDO LEON estas realidades han mutado y donde antes había droga ahora hay paro o trabajos indecentes, donde antes había delincuencia, ahora hay maltratos y violencia psicológica, y donde antes había marginalidad ahora también la hay, aunque ahora se presente como racismo, un tema, éste último, que ya fue abordado por ALBERTO ARANDA en su documental ¡MEZQUITA NO! (2005).

El director se siente cómodo en el barrio de Santa Coloma, y repite escenario para su debut en el largo. Ésta vez la historia nos habla de Estrella, una joven vitalista a la que a simple vista la vida le sonríe. Aunque su trabajo no sea el más codiciado, el flamenco, su chico, y su perspectiva de la vida alejan de ella cualquier conato de infidelidad. Mientras Estrella asiste al derrumbamiento de su mejor amiga y compañera de trabajo, comportándose ejemplarmente como amiga y dándolo todo, pero será incapaz de ver venir que una de sus vigas maestras vitales está también derrumbándose. ARANDA vuelve a acariciar el tema del racismo, que ya retrato en ¡MEZQUITA NO!, pero se centra, para alegría de servidor, en otro factor cultural de Santa Coloma: La afición, por tradición, del flamenco. En LA ESTRELLA el flamenco es un catalizador, es una vía de escape de los problemas y disgustos. Dar la espalda al flamenco es tirar la toalla. Una realidad al final gris para todos, que sólo la arrolladora personalidad de Estrella, con la ayuda del personaje interpretado por FELE MARTÍNEZ, que funciona como faro de esperanza, podrá dejar atrás.

Para animar el panorama, INGRID RUBIO se marca un papelón bastante serio (a ver esos próximos Goya…) muy bien acompañada por el resto del reparto. Así, CARMEN MACHI sigue ganando en su batalla por desprenderse de su personaje más popular, MARC CLOTET gana enteros según avanza el metraje, y FELE MARTÍNEZ correcto y desaprovechado en un papel muy cortito, que podía haber dado más juego.

A nivel técnico todo bien, destacando el montaje y la selección musical. Se nota que ARANDA y todo el equipo se lo han currado.



LO MEJOR:
INGRID RUBIO.
El punto que le da al conjunto todo el tema del flamenco.



LO PEOR:
Ni la historia ni la temática aportan nada nuevo al espectador. La película sólo será recordada por sus interpretaciones.

Más críticas y contenidos en www.elpalomitron.com
Facebook.com/ElPalomitron

FABRIZIO CATTANI, que también es coautor del guion, firma un acercamiento a uno de los cuadros psiquiátricos más desconocidos en esta sociedad actual tan saturada de información. MATERNITY BLUES aborda el drama que viven aquéllas madres que por una razón u otra, más tarde o más temprano, acaban con la vida de sus propios hijos, la mayor parte de las veces actos conducidos por la inestabilidad mental de éstas madres. El tema es más que espinoso por su complejidad, por los prejuicios que lógicamente levanta, y porque muy poquita gente está por la labor de intentar comprender.

La cinta nos presenta a Clara, una paciente que ingresa en una institución mental donde tendrá que compartir penitencia con mujeres que han cometido el mismo delito. Clara tendrá que aprender a vivir con su culpa, y encontrará en sus compañeras de habitación un apoyo decisivo.

El tratamiento que propone CATTANI es muy irregular porque si bien la cinta comienza con mucho tino, pronto el director se pierde y no concreta el tono de la historia que nos cuenta. Pasamos constantemente del drama a la comedia en un conglomerado de escenas que no termina de funcionar, y es que parece que el director es el primero que no tiene claro cómo contar la historia. El espectador se vuelve loco porque tan pronto el filme adquiere carácter de drama intimista, como se dispersa en esbozos de historias paralelas que no se rematan y acaban aportando a la trama poco más que confusión. Además CATTANI se atreve a incorporar en el montaje una secuencia en la que una de las protagonistas canta un lacrimoso tema dedicado a su hijo, tratada como una suerte de videoclip pop, que no hace más que sacar del todo al espectador de la película.

Por suerte, MATERNITY BLUES cuenta con el excelente trabajo de CHIARA MARTEGIANI (Rina) y MARINA PENAFINNA (Vincenza) , que aportan unas interpretaciones que las elevan varios grados por encima del resto del reparto, ya que ANDREA OSVÁRT, que interpreta a la protagonista, Clara, se esfuerza en su interpretación pero adolece el excesivo tratamiento lacrimoso que CATTANI reserva para su personaje.

Se agradece que el cine retrate y comparta estas realidades, pero se aprecia bastante confusión a la hora de fijar el tono del relato.

LO MEJOR:
Las interpretaciones de las actrices, en especial las secundarias.

LO PEOR:

Sin duda, la canción interpretada por Vincenza. No la encontramos sentido por ningún lado.

CATTANI no encuentra su tono, y esto pasa factura al espectador.

Más críticas y contenidos en www.elpalomitron.com
Facebook.com/ElPalomitron

Lo más curioso de todo son las constantes referencias que se están haciendo a la fabulosa 24 y a la saga LA JUNGLA DE CRISTAL cuando en realidad OBJETIVO: LA CASA BLANCA está mucho más cerca de AIR FORCE ONE, por su hilarante patriotismo, y de ALERTA MÁXIMA, por el festival de frases, gestos, y macarradas, que BUTLER despliega en las dos horas de metraje que ANTOINE FUQUA, y esto es una teoría, se ha visto obligado a rodar.

Si los mercenarios homenajeaba al cine ochentero, y lo hacía despertando una melancolía por lo juvenil, OBJETIVO LA CASA BLANCA hace lo propio con las cintas de acción patrióticas de los noventa, una década en la que, terminada la guerra fría, los terroristas o grupos radicales no paraban de planear los más variopintos asaltos a los más sagrados símbolos norteamericanos. A finales de los noventa, los avances en efectos especiales y el 11-S acabaron con este tipo de productos, que con fotografía muy cuidada planteaban situaciones inverosímiles.

En lo nuevo de FUQUA no hay sorpresas, todos son deja-vus. El guion es plano y las interpretaciones también, así que no busquemos tres pies al gato. Es una película ideal para los que añoran al mejor STEVEN SEAGAL, y para los que se lo pasaron pipa viendo a HARRISON FORD poniendo fuera de combate, él solito, a todo un grupo de malísimos que amenazaban, no sólo el status capitalista, sino lo que es peor: su familia; y todo esto jugando con sólo dos registros (o muecas…) faciales: ceja arriba y medio labio en curva.

Ésta recreación tan detallada de ese cine, que insisto nada tiene que ver con la magnífica dirección que MCTIERNAN o RENNY HARLIN desplegaron con sus junglas o con las andanzas del infalible JACK BAUER, nuestro agente de inteligencia favorito, tiene en su virtud, la de la recreación, su mayor defecto. Nos da la sensación que los guionistas no se han esforzado mucho, ni siquiera el director parece haberse tomado en serio ni un solo minuto de la cinta, porque OBJETIVO LA CASA BLANCA es un ejemplo perfecto de poderío, poderío de Hollywood porque es capaz de colocar un producto en las carteleras de medio mundo sin un atisbo de esfuerzo o dedicación mínima. Industria y rentabilidad. Así se sucede la acción sin ninguna sorpresa, cumpliendo (o copiando) los cánones del subgénero: Agente retirado tras una traumática experiencia, asalto milimétrico de los malos, vida del presidente en juego, gabinete de crisis donde los generales pierden los papeles cuando oyen la palabra amenaza nuclear, agente abriéndose paso entre los malos mientras suelta frases por el móvil que poco a poco van haciendo sudar cada vez más al líder de los malos, resolución de la crisis que ha subrayado el patriotismo de los más allegados al presi, y con la resolución festival de aplausos, golpecitos en el hombro, y miradas de complicidad entre los que inútilmente han estado siguiendo los progresos del agente que nunca debió estar allí, pero que gracias a dios pasaba por ahí.

Nada, absolutamente nada de lo que vemos es nuevo. Eso no quiere decir que no sea entretenida, o hasta divertida, para una gran parte del público. EMMERICH entra en escena en verano con ASALTO A LA CASA BLANCA, y este sí que no se corta. Si aquí revientan la casa blanca y se cepillan el obelisco de Washington, esperar a ver qué está tramando el alemán… Nos da la sensación que la cinta de EMMERICH será algo más sorprendente, que no mejor. En cualquier caso, y en ambos a la vez, que dios bendiga América.

LO MEJOR:
La secuencia del ataque a la casa blanca.
Todas las frases lapidarias y patrióticas.

LO PEOR:
El hijo del presidente. Sin lugar a dudas.
Que esperábamos que ANTOINE FUQUA dejara huella en el producto. ¿realmente la ha dirigido él?

Más críticas y contenidos en www.elpalomitron.com
facebook.com/ElPalomitron

UN AMIGO PARA FRANK es una comedia simpática que aborda desde un punto de vista poco explotado en el cine las relaciones que están por venir, las del hombre con esas máquinas casi humanas que mes a mes nos prometen en los medios que están ya a puntito de revolucionar el mundo en el que nos desenvolvemos, nuestra manera de entender las relaciones sociales. Decimos que su punto de vista está poco explotado porque no nos encontramos ante el típico producto norteamericano donde, con mucha frecuencia, los robots representan una amenaza bastante real para la civilización humana.

Cogiendo como base la historia Frank, un hombre que tiene una gran pasión por los libros y que presenta un principio de Alzheimer, el director nos sumerge en una fábula de amistad que se sitúa en un futuro muy cercano. Frank está separado y su relación con sus hijos no es ni de lejos ideal. Su carácter es difícil y su comienzo Alzheimer no mejora nada las cosas. Su hijo, alarmado por el avance de la enfermedad, avance alimentado por una personalidad anárquica donde las rutinas han sido desterradas del día a día, le regala un robot asistente que se encarga de cuidarle, prepararle la comida que le conviene y proporcionarle una serie de actividades rutinarias para que su salud mental no empeore rápidamente.

Como es de esperar, al principio Frank no aguanta al robot, pero poco a poco empieza a surgir una amistad entre ellos, alimentada por una complicidad que le llevará a Frank a generar una relación de dependencia que le hará prácticamente olvidar que el robot no es más que eso, un robot programado para cuidar de él. El cariño que Frank no recibe ni de su triunfador hijo, ni de su hija, tan comprometida con las ONG´S y las labores humanitarias que su perfil llega a rozar la parodia, va a llegar de su nuevo amigo cibernético, que le hará recuperar la ilusión y las ganas de vivir, en el sentido más amplio de la palabra.

Toda la plana actoral, SUSAN SARANDON, JAMES MARSDEN (sí, Cíclope de X-MEN) Y LIV TYLER, trabajan con bastante corrección, destacando la interpretación del siempre grande FRANK LANGELLA, que borda el papel, despertando la empatía entre el público.

La película fue ganadora del Gran Premio del Público en el Festival de Sitges, premio que reconocía la amabilidad y la simpatía de la cinta.

Una película muy entretenida que será disfrutada por toda la familia, porque no hay tiros, no hay desnudos, no hay violencia, ni tampoco hay sustos. Sólo cine del que deja buen sabor de boca, por sus pocas pretensiones, pero sobre todo porque entretiene y más de una vez arrancará al espectador alguna sonrisa.

LO MEJOR:
Todas las escenas del robot, y en particular el encuentro de éste con el (limitado) robot bibliotecario.
El reconocimiento que se hace a EL QUIJOTE como el mejor libro jamás escrito. (ya era hora…)
FRANK LANGELLA

LO PEOR:
Que este tipo de productos no llamen la atención, ni en cartelera, ni en el videoclub.
El giro final, que puede pillar por sorpresa a los más despistados, no termina de funcionar del todo. Levanta más preguntas que explicaciones

Más críticas y contenidos en www.elpalomitron.com
facebook.com/ElPalomitron