Cecil B. DeMille empleó tres años en escribir su guión y, a partir del texto bíblico, hizo de Moisés su protagonista, desde su nacimiento y su salvamento de la persecución de Ramsés I a través de las aguas, y rellenando sus muchas lagunas biográficas con la imaginación, hasta llegar en el desenlace a su ascenso al otro mundo..
El septuagenario DeMille viajó a Egipto en Octubre de 1954 para rodar allí los exteriores de su película, aprovechando diversos monumentos para ambientar el que pudo ser el Egipto del siglo XIII antes de Jesucristo. Allí utilizando varias cámaras y unos veinte mil figurantes, rodó alguna de sus escenas más espectaculares. En el mes de Noviembre sufrió un infarto de miocardio, pero a pesar de los consejos del médico decidió proseguir al frente del rodaje. Realizador judío que había sido amonestado por algunos rabinos cuando llevó en 1927 a la pantalla su REY DE REYES, DeMille puso lo mejor de sí mismo en aquel megaespectáculo, que acabó costando trece millones y medio de dólares. Sus dos momentos estelares fueron la separación de las aguas del Mar Rojo, para que pudiera ser atravesado por el pueblo de Israel- que le valió el Oscar a los mejores efectos especiales- y la ascensión de Moisés al Monte Sinaí para recibir las tablas del Decálogo. Ambas escenas fueron rodadas en los estudios de la Paramount en Hollywood.
Aunque Cecil B.DeMille encarna en la historia del cine el estereotipo de gran especialista en espectáculos bíblicos,la verdad es que en su densa filmografía apenas suman media docena los títulos que abordan algún tema histórico-religioso. Pero la notoriedad y el éxito popular de sus dos versiones de LOS DIEZ MANDAMIENTOS, de REY DE REYES, EL SIGNO DE LA CRUZ, LAS CRUZADAS y SANSÓN Y DALILA han forjado su sólido arquetipo, asociado al colosalismo espectacular de sus puestas en escena y al cine de masas.
DeMille era un director autoritario, pero con un fondo profundamente humano. Una anécdota durante el rodaje de la primera versión de LOS DIEZ MANDAMIENTOS ilustra perfectamente su personalidad. Estaba dirigiendo a una multitud de extras, ayudado por un megáfono, cuando advirtió a una figurante cuchicheando con otra después de que hubiera reclamado silencio. "Señorita- tronó DeMille-, si lo que tiene que decir es más importante que lo que yo tengo que decir, salga y dígalo a todo el mundo". La extra quedó desconcertada y negó con la cabeza, pero DeMille insistió en su petición. Pensando que iba a ser despedida inmediatamente, la chica dio un paso al frente con aire desafiante y le espetó: "Le dije a mi compañera que a ver cuándo este canalla calvo nos va a dejar almorzar". Entonces DeMille clamó por el megáfono: "¡Almuerzo!".

Román Gubern

AMERICAN BEAUTY cuenta la historia de una acomodada familia americana. Lester Burham, su mujer Carolyn y la hija de ambos, Jean, viven una vida lujosa y convencional. Pero Lester no es feliz. A raíz del descubrimiento de una amiga de su hija, su vida da un giro de ciento ochenta grados. Esa adolescente, que se mueve entre pompones de animadora y a la que imagina cubierta de pétalos de rosa, le excita hasta límites insospechados. Desde ese mismo día, su mente no podrá quitársela de encima. Su propia hija le acusa de asqueroso cuando se da cuenta de los coqueteos que mantiene con su amiga. Pero Lester ha iniciado un viaje sin retorno. Se ha cansado de llevar una sonrisa cínica clavada en su cara y debe destaparse. Su renacimiento vendrá cuando lo "correcto" deje de formar parte de su vida.
Sam Mendes y Alan Ball nos muestran América vista desde el lado oscuro, la cara más amarga expuesta ante el mundo que suspiraba envidioso por la belleza americana. De hecho, hay un antes y un después de AMERICAN BEAUTY. Hubo otra América, la que vivía tranquila antes de los atentados del 11 de Septiembre, aquella que se sentía invulnerable, tranquila y feliz en un mundo de fantasía. Pero ese mundo empezó a romperse por donde menos se esperaba y quizá por eso debamos esperar otra AMERICAN BEAUTY, la que saldrá de las tripas de los atónitos y estupefactos que hoy ondean las banderas de barras y estrellas.

Yolanda García Serrano

WEST SIDE STORY, aplaudida en su momento por la originalidad de su ruptura, sigue plenamente vigente hoy por haber combinado magistralmente trama y danza. No hay quiebra entre personajes que se mueven y bailarines que saltan, las letras de las canciones suceden a las frases del diálogo como un flujo común, la música acompaña con el mismo rigor las evoluciones de un ballet y el rostro alegre o compungido de seres de carne y hueso. Hoy descubrimos que la novedad de esta película consiste en haber alcanzado la síntesis a la que el musical norteamericano había tendido desde su nacimiento.
Una cierta teatralidad sirve de soporte a un relato bien articulado que avanza así engarzando las secuencias habladas y los números musicales que pierden su independencia para integrarse en una continuidad de infalible efecto. Las canciones, con letra del compositor Stephen Sondheim, surgen como una necesidad espontánea de la situación que requiere ser cantada en muy diversas circunstancias, tanto cuando María (Natalie Wood) le pide a Anita (Rita Moreno) que abra un poco el escote de su vestido, como cuando los chicos y chicas portorriqueños discuten sobre si América es o no una tierra prometida.

Álvaro del Amo

Dentro de su arrebatadora originalidad, Luchino Visconti construye su obra encajándola en una tradición italiana, la que se llamó de los caligrafistas, caracterizada por la meticulosidad de sus reconstrucciones, su hermosura lenta y un tanto decadente, y su gusto por los matices, los plegados, la elegancia de la composición, como si se tratara de cuadros más que de encuadres...
La belleza formal es tan grande, que, con frecuencia, se siente la tentación de detener la cinta y recrearse en ella, en la luz que acaricia facciones, muebles, telas, floreros, solerías...Desde el rezo inicial del rosario, con los balcones abiertos a la brisa de la tarde, que se ve interrumpido por el hallazgo de un soldado muerto en el jardín, hasta el amanecer que cierra el film. Se habla de guerra y de revolución entre salones profusamente cuidados,alegorías bellísimas, armonía de gestos y de cuadros...Y se tiene la impresión de que todo aquello, tan asentado por los siglos, corre un peligro inminente. Pero, como en el Eclesiastés, también lo que nos amenaza está en peligro...
Enseguida Alfonso, el sobrino del príncipe de Salina, dirá: "Si queremos que todo siga como está, es preciso que cambie todo"
Tal es la tesis y el argumento de EL GATOPARDO. "No sucede nada, sólo la inevitable sustitución de una clase por otra".

Antonio Gala

TODO SOBRE MI MADRE es una película cristiana.Queda dicho. Supongo que esta afirmación puede resultar desconcertante e incómoda para todos, pero con tal calificativo no creo estar definiendo la película,sino -y esto empeora las cosas- aventurando una de las razones de su enorme éxito, al menos en España, que pasó por su aceptación entre públicos muy heterogéneos, y excluyentes entre sí, con un único ingrediente común: la formación evangélica y, tal vez, la nostalgia de un precepto incumplido, el amor a los demás.
Manuela, el personaje principal, interpretado por Cecilia Roth, es, por encima de todo, un ángel de bondad, una buena samaritana, una mujer que ama a todos sin distinción y sin prejuicios, con toda la virtud, la virtualidad y el virtuosismo, tan inéditos en la vida corriente, del amor evangélico: ama a su hijo, a su complejo ex-marido Esteban- ahora convertido en mujer, Lola-, a la inocente monja Rosa, a la resistente puta Agrado, a las des/colocadas actrices Huma y Nina, a todos...
Almodóvar habla directamente de la bondad. Tomando una frase de Blanche du Bois, en UN TRANVÍA LLAMADO DESEO hace que Huma Rojo -el color de la sangre, de los labios, del corazón y de la película- le diga a Manuela cuando ésta le socorre: "Quienquiera que seas, siempre he confiado en la bondad de los desconocidos"

Manuel Hidalgo