Siempre me fascino “Lord Jim”, tanto la novela de Joseph Conrad (solo faltaría) como la película de Richard Brooks. Brooks, uno de los grandes adaptadores de relatos literarios del cine americano (en este caso es una obra británica), guionista de todas sus películas y un formidable generador de diálogos. Quizá “Lord Jim” esté entre mis favoritas junto a “El fuego y la palabra” y “A sangre fría”, aunque no andan muy lejos “Los profesionales”, “Muerde la bala” o “Looking For Mr. Goodbar”.

Dos sucesos históricos sirvieron como inspiración a Conrad para escribir Lord Jim. El primero, un incidente de un barco de británico (S.S. Jedah, en 1880), el cual llevaba a bordo a cerca de un millar de musulmanes que iban de peregrinación hacia La Meca, cuando, de repente, un fuerte huracán parecía hacerlo naufragar. El capitán entró en pánico y abandonó la nave en un bote salvavidas dejando a los cientos de pasajeros a merced de su destino. Pero la nave finalmente no naufragó, fue rescatada y la deshonra alcanzó al capitán, luego de padecer un tremendo escándalo y un proceso judicial. Este hecho marca el destino de Lord Jim (un fenomenal Peter O’Toole en un papel en el que encaja de miedo), un personaje torturado y aquejado de fuertes remordimientos que da lugar a una profunda reflexión sobre el lado oscuro de la naturaleza humana y sus demonios interiores. Desde el conformismo y la depresión hasta la búsqueda de una siempre improbable redención, el personaje de Lord Jim se convierte en un aventurero errante que va deambulando a través de nada estimulantes trabajos y por diversas aventuras a lo largo de diferentes episodios.

El segundo suceso se refiere muy libremente a James Brooke, un aventurero inglés nacido en La India, quien se hizo al poder en Sarawak, y convertido en el primer rajá blanco, estableció un Estado independiente en la isla de Borneo. En “Lord Jim” se ubica en Patusan, un remoto asentamiento malayo ocupado por el tirano general interpretado por Eli Wallach, estableciendo una evidente conexión con el campamento del Coronel Kurtz.
De profundo carácter introspectivo y reflexivo sobre valores universales como la traición, la cobardía, el honor, el miedo, el remordimiento y la culpa que conlleva; Lord Jim jamás se perdona porque el orgullo le impide liberarse, hasta cuando lidera la liberación de los nativos oprimidos lo hace por cierto sentido de la responsabilidad; total, el honor es algo que está vedado. De igual forma, en el momento de conducirse con un innegable sentido de la integridad y la justicia, aquellos que son su reverso no dejarán de actuar de acuerdo con su locura y sus egoístas intereses (impagable en este sentido el personaje del Caballero Brown interpretado magistralmente por James Mason). El bien y el mal y las tentaciones que hay que vencer para no pasarse al lado oscuro. Dicho lo cual y pese al tono sombrío que impregna el relato, Richard Brooks hizo de “Lord Jim” una hermosa y épica historia de aventuras coloniales con todos sus ingredientes inherentes; escenarios exóticos (rodada en Camboya), héroe carismático y contradictorio, villanos desalmados, abundante acción y suspense, mamporros y explosiones.

Visualmente es evidente la conexión con el cine de David Lean, más aún teniendo en cuenta que Brooks utilizó al director de fotografía Freddie Young (“Lawrence de Arabia”, “Doctor Zhivago” o “La Hija de Ryan”), y al director artístico Geoffrey Drake (“El puente sobre el Río Kwai”).

Existe una adaptación de "Lord Jim" de 1925 a cargo de Victor Fleming, pero no he tenido oportunidad de verla.

"Una de la cosas que tenemos en común es que escuchábamos las mismas emisoras, esas estaciones X de México que eran ilegales en Estados Unidos, pero pasaban mucho blues: Freddie King, Albert King, Muddy Waters, Howlin' Wolf. Nosotros sin conocernos habíamos crecido los mismos programas y estábamos muy influenciados por ellos. Eso nos encantaba, pero también amábamos el rock'n'roll, nunca dijimos que éramos una banda de blues. Sólo interpretábamos blues." Dusty Hill

"Tomaron los licks del blues y tocaban rock'n'roll, con sus amplificadores grandes y su batería ruidosa. Era la combinación de esos licks de blues, ese sonido único de sus amplis y las letras. Entones ZZ Top toca blues pero no canta blues. Hacen del blues música para fiestas." Robin Hood Brians

"ZZ Top: That Little Ol' Band from Texas", de Sam Dunn, uno de los mejores documentales musicales que he visto en los últimos años. Estrenado en 2019, un par de años antes del fallecimiento de Dusty Hill, narra la historia de la banda a través recuerdos y experiencias de los tres protagonistas con muy buen tono y de forma concisa y entusiasta, centrándose en lo realmente importante: la música, el origen (imágenes fantásticas de 13th Floor Elevators y The Moving Sidewalks), las influencias y un buen puñado de jugosas anécdotas.

Con grabaciones en estudio para la ocasión, se aportan pinceladas muy discretas y limitadas de tipos como Joshua Homme, Dan Auerbach o Billy Bob Thornton, así como colaboradores de la banda como el técnico de sonido Robin Hood Brians. Se recuerda y se hace justicia al manager que los acompañó toda su carrera hasta su fallecimiento (Bill Ham) y se dan detalles de eventos tan cruciales como el Texas Worldwide Tour, el contrato con Warner, el origen de las barbas, la publicación de "Tres Hombres" o la irrupción de la MTV.

Una gozada esta película para los fans de Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard, tres tipos discretos (cuatro con Bill Ham) que consiguieron desarrollar una fantástica carrera juntos durante más de cinco décadas, todo un ejemplo. Máximo respeto.

Me dijiste que me amabas y dejaste de amarme. Y entonces empecé a amarte yo.
Decision To Leave, de Park Chan-wook (2022).

Pues aquí lo tenemos, poco más hay que añadir. Elegante thriller de corte clásico y con elementos narrativos muy originales, amores tóxicos y perpetuos y una narración serena, elegante y meticulosa. Una de esas películas que se disfrutan más aún por la inmensa cantidad de pequeños detalles; momentos, miradas, expresiones. Donde el tacto es un sentido fundamental, las manos de los dos protagonistas parecieran acariciar cada objeto que tocan.
Recomendable película del siempre interesante director coreano.

Muerde la bala (Bite The Bullet, 1975) del maestro Richard Brooks, un western realmente especial y una de los grandes exponentes del género en esa década. En un contexto despiadado y de extrema competitividad, cruel y caprichoso, plasmado en una salvaje y bárbara carrera de caballos a través de diversos estados, surgen momentos de humanidad y compañerismo entre los participantes, no todo vale para alcanzar un objetivo. Quizá este tipo de reflexión que proponía un cineasta clásico en plana crisis económica y energética de 1975, sea lo que en ocasiones se echa en falta hoy en el cine actual, probablemente esta misma historia narrada ahora se hubiera desarrollado de otra forma.

Muerde la bala es un película trepidante repleta de momentos íntimos de gran lirismo (como la despedida del siempre magistral Ben Johnson) y una declaración de amor y respecto hacia la naturaleza y hacia los habitualmente maltratados caballos (quizá por eso es una historia tan especial), esos grandes protagonista del género que aquí son tratado con toda la dignidad que se merecen a través del personaje de Gene Hackman.

En definitiva, una película magnífica, una especie de reverso de La carrera del siglo de Blake Edwards, con un reparto espectacular (grandes Hackman y Coburn) y todos los elementos habituales del western que tanto nos gustan, con una espectacular fotografía de Harry Stradling Jr prácticamente por completo en escenarios exteriores ubicados en Nevada y Nuevo México donde los cielos se muestran luciendo con un intenso y espectacular azul.

California Split (1974). Previa a la mastodóntica "Nashville", "California Split" es un retrato del mundo del juego a través de las andanzas de dos jugadores, Charlie y Bill, interpretados por Elliott Gould y George Segal. Al igual que en "MASH". "Un largo adiós" o "Ladrones como nosotros" una historia de amistad ocasional y complicidad entre perdedores y un ácido retrato de una polémica fracción de la sociedad americana.

Charlie es desenfadado y espontáneo, un tipo que disfruta de su adicción tanto si gana como si pierde, vive para el juego y no pretende ocultarlo, acepta de buena gana su maldición. La vida monótona y aburrida de Bill ha entrado en franco declive, se adentra en mundo desconocido y peligroso, pero que le resulta claramente excitante y encuentra en el juego y en en Charlie un nuevo estilo de vida que le sirve de escape. Una película divertida, a veces grotesca (gracias en buena parte a la fantástica presencia de Gould) que se beneficia, en buena parte gracias a los dos personajes femeninos (Ann Prentiss, Gwen Welles), de un tono realista y auténtico en las escenas cotidianas. Con tres segmentos realmente brillantes rodados con tono austero, casi documental empleando escenarios y jugadores reales: el primero en la partida de póquer inicial, después visita al hipódromo y el final en el casino de Las Vegas. Altman no está interesado en mostrar la emoción o el suspense de las partidas de póquer o las carreras de caballos, sino cómo afecta todo esto a la vida de un ludópata, como su compulsión lo lleva a abandonar una cita con una mujer o el trabajo para acudir a jugar.

Para algunos no queda clara la intención de Robert Altman y del guionista Joseph Walsh (con una vibrante aparición en una escena del film como prestamista), incluso se les acusó de practicar cierta exaltación del mundo del juego que en aquellos años en USA era una verdadera lacra (lo sigue siendo, claro). Creo que Robert Altman es un potentísimo narrador que siempre muestra y pocas veces juzga, lo cual siempre es de agradecer. En California Split la tragedia está perfectamente expuesta.