El debut de Regina King como directora es una cautivadora y profunda reflexión sobre el racismo, la fama y el activismo en los Estados Unidos durante la época de las leyes Jim Crow. Basado en una obra teatral escrita por Kemp Powers (quien también escribe el guión de esta adaptación cinematográfica), la historia se centra en una reunión ficticia entre Malcolm X, el cantante Sam Cooke, el jugador de fútbol americano Jim Brown y el boxeador Cassius Clay, a raíz de la victoria de este último contra Sonny Liston el 25 de febrero de 1964 (antes de que se promulgara la Ley de Derechos Civiles). El núcleo de la historia se desenvuelve en una noche, en una conversación anecdótica entre amigos que acaba en un acontecimiento transformador que cambiará no solo el resto de sus vidas sino también el de millones de afroamericanos, para siempre.

Para sumergirse completamente en los problemas que plantea esta película y en la intrahistoria de sus personajes, quizás es necesaria una comprensión genérica del contexto político y social de los afroamericanos durante el período en el que se ambienta. Pero creo que el fantástico guión de Kemp Powers hace un gran trabajo en transmitir de una manera muy concisa y efectiva las preocupaciones y los principales argumentos que envuelven a los personajes. Plantea brillantemente las muchas contradicciones de la experiencia del hombre negro afroamericano en un contexto racial opresivo en el cual daba igual lo famoso o aclamado que fueras, siempre te verían como un negro antes que como un ser humano. La película se encarga de mostrarnos las emociones, los conflictos y las dudas de unos personajes icónicos de la historia estadounidense y la lucha por los derechos civiles.

Una de las cuestiones más interesantes que plantea es la responsabilidad política y social que acarrea el éxito popular, de cómo e incluso de si se debe utilizar la influencia de la fama para fines más allá de los puramente económicos. Un tema especialmente candente en la actualidad. Esta dicotomía se representa muy bien en el conflicto principal que hay entre Malcolm X (Kingsley Ben-Adir) y Sam Cooke (Leslie Odom Jr.), que otorgan los picos más altos de tensión y emotividad en la película. Tanto Kingsley Ben-Adir como Leslie Odom Jr. están sensacionales en sus papeles y manifiestan una humanidad que engloba tanto las flaquezas como los anhelos de unos personajes tan conocidos como lo son Malcolm X y Sam Cooke. Eli Goree y Aldis Hodge, en sus papeles de Cassius Clay y Jim Brown respectivamente, ofrecen menos profundidad psicológica. La interpretación de Goree, especialmente, está a punto de caer en el caricaturismo, pero ambos acaban siendo bastante decentes y completan un reparto principal magnífico a pesar de ser poco conocido.

La ópera prima de Regina King se encarga de avivar una discusión en torno a la raza y el activismo que yo personalmente no había visto tan esclarecedoramente verbalizado en el cine. Más allá de ser una denuncia contra el racismo (que por supuesto lo es), ‘Una noche en Miami’ es muy crítica con las actitudes de aquellos afroamericanos cuya fama les ha concedido una plataforma en la que podrían ayudar muchísimo más en las luchas sociales de su colectivo, pero no lo hacen tanto como deberían o con el mejor criterio. Una meditación de como el éxito profesional y el ascenso de clase puede distraer a los negros de su verdadera lucha que es la racial. De visionado obligatorio para unos tales Kanye West o Barack Obama, por decir algunos.

No me esperaba nada de Soul. Total, es Pixar, que me gusta, pero no tanto como al resto del planeta. Acabé la película replanteándome el sentido de la vida y el porqué de la totalidad del cosmos. Eso es lo que hacen las grandes películas. Soul consigue conectar con inquietudes tan humanas y globales que trasciende los límites que una película para niños debería tener. Es una historia paternalmente aleccionadora pero muy espiritual y genuinamente profunda que ni en sueños hubiera concebido encontrar en una película de Pixar.

Toca temáticas nada sencillas con los que muy fácilmente podría haber malparado en superficialidades canónicas. Y goza también de una estética maravillosa, realzando a unos personajes encantadores con los que es muy fácil empatizar porque reflejan peculiaridades, anhelos y defectos esencialmente humanos.

Hacía mucho tiempo que no me emocionaba viendo una película. En el que pudiera verme a mí mismo, con mis decepciones, sueños y preocupaciones vitales. Cuando el cine cada vez más carece de franqueza para contar las complejas vicisitudes humanas, aparece Pixar de la nada para recordarnos, no solo el propósito de nuestras vidas, sino también que nadie sabe cómo contarlo mejor que ellos.

En ‘Lover’s Rock’, la nueva entrega de su antología ‘Small Axe’, Steve McQueen se aleja de ataduras y convencionalismos para adentrarnos en una experiencia cultural. Sin tener una trama específica la historia gira en torno al desarrollo de un romance entre una chica, Martha (Amarah-Jae St. Aubyn), y un extraño joven (Micheal Ward) al que conoce en una fiesta a principios de los 80 en West London.

Mientras en ‘Mangrove’ se mostraban los estragos del abuso policial y la lucha contra el racismo institucional, en este capítulo McQueen se centra en la idiosincracia de la cultura negra en West London y en retratar un momento, una música y una atmósfera concreta en el tiempo. Y ya como hizo en la anterior entrega, McQueen consigue una autenticidad admirable. A momentos recuerda a la trilogía ‘Antes de…’ de Richard Linklater, pero ‘Lover’s Rock’ se desenvuelve con un estilo más sensorial, casi voyeurístico, y visualmente estético. Es un registro nuevo de Steve McQueen que no había mostrado antes, alejado del drama seco o el thriller, y también es muy posible que sea lo más cercano que le veamos haciendo un musical.

Hacía tiempo que no me enganchaba tanto a una serie. Lo mejor que hace ‘The People v. O.J. Simpson’ es exponer el caso más controversial de la historia de los Estados Unidos desde distintos puntos de vista, basándose en los hechos y sin inclinarse hacia ninguna postura. Ryan Murphy, creador de otras series como ‘American Horror Story’, ‘Glee’ o la infravalorada ‘Scream Queens’, nos trae lo que sin duda es ya uno de los shows del año. Por mi parte, hasta que empecé a ver esta serie no sabía nada acerca del caso de el ex jugador de fútbol americano y actor O.J. Simpson “Juice”, que en Junio de 1994 fue acusado de asesinar a su ex mujer Nicole Brown Simpson y al camarero (supuesto amante de ésta) Ronald Goldman.

La amplia cobertura de los medios, los personajes involucrados y los hechos que se fueron sucediendo mantuvieron a millones de americanos enganchados a la pantalla de sus televisores durante un caso que dio cierre un año después (en Octubre de 1995) y que se desarrolló en un contexto racial que agitó los Estados Unidos.
Fácilmente uno llega a entender el impacto que tuvo este caso en la sociedad americana. La verdad es que todo el embrollo es de telenovela. Se dice que este caso, ampliamente emitido en abierto, fue el primer reality show de la televisión estadounidense. Yo mismo me he visto inevitablemente enganchado al caso gracias a esta serie, que con su gran ritmo y fantásticas interpretaciones se erige como una de las mejores series de este 2016.

Sarah Paulson está maravillosa, la que ya trabajó con Ryan Murphy en ‘American Horror Story’, aquí es la mejor de largo y apunta a una de las favoritas para la temporada de premios. Cuba Gooding Jr. también me parece que está muy bien, no sé si para premios pero seguro que es su mejor trabajo en mucho tiempo, y John Travolta cumple para lo que su personaje requiere. Cabe mencionar a David Schwimmer (Robert Kardashian) y Courtney B. Vance (Johnny Cochran) como parte del “Dream Team” interpretativo de este show. A algunos esta serie les podrá parecer populista y plenamente comercial, lo que vendría a ser un blockbuster en el cine, que no me parece negativo pero la realidad es que pocas series hay actualmente tan adictivas y consistentes como esta. Tanto interpretaciones como guión y dirección son notables. ‘The People v. O.J. Simpson’ va paso a paso a través de los procesos criminalistas, judiciales y sociales sin que el público no sabedor del caso se pierda y de una manera sobria y atractiva. Es un éxito, otro gran triunfo para la televisión americana.

En esta época nostálgica de cine en la que todo son remakes, reboots, y guerras de testosterona entre Marvel y DC, llega Spielberg y nos cuela este thriller político pro-americano con Tom Hanks. Nada nuevo bajo el sol, es la típica ñoñería al que el tito Steven nos tiene acostumbrados últimamente. Básicamente por ese sendero iban los comentarios que leí antes de disponerme a ver la película.

RUEDAN LOS TÍTULOS DE CRÉDITO FINALES

Pues resulta que Spielberg se casca una lección de cine que muchos directores de la actualidad firmarían hacer, como mínimo, en algún momento de sus carreras.
Ya ni me acordaba de que el virtuosismo existía en el cine. Añoro el cine de antes. Ni que fuera un viejo, que tengo 20 años. Pero ya ni me apetece ver cine actual, prefiero ver un clásico de Charlie Chaplin, a la nueva obra maestra de Joss Whedon. Y es que ahora la gente alaba a directores como J. J. Abrams y su compañía de estafas "Bad Reboot", y desprecian al tito Steven, que transpira más calidad y clase que la mayoría de estos.

'El puente de los espías' me ha recordado al cine clásico, ese que ni imaginaba ver en los tiempos cinematográficos que corren. Un protagonista sin claroscuros, un conflicto moral y emotividad descarada, si, la de antaño.

Spielberg ha ilustrado a jóvenes cinéfilos como yo, lo que sería ver una de Frank Capra y James Stewart en la gran pantalla, pero con el no menos inmortal Tom Hanks; en estos años sombríos donde 'Star Wars VII: Una Nueva Esperanza 2' o 'Rocky 8: Adrian Resurrection' se llevan todos los alagos de crítica y público.

No sé vosotros, a mi solo me queda decir gracias.