La premisa, cuanto menos, era arriesgada: quién iba a pensar que pidiéndole a la gente (así, a lo loco, ¡¡¡a la gente!!!) que se grabara un día en concreto contando lo que le diera la gana, se iba a conseguir crear un retrato tan divertido, comprometido, y real de una sociedad, como la nuestra, en un momento concreto.

Es muy fácil utilizar adjetivos como “real”, “verídico” o “verdadero” para referirnos a una película de este tipo, pero lo que consigue Spain in a day es precisamente ser un documental ficcionado (en el buen sentido de la palabra) en la sala de montaje. Aquí es donde Coixet y su equipo demuestran tener un bagaje que en las últimas películas de la directora catalana brillaban por su ausencia. La película (o lo que es lo mismo, la unión de cientos de vídeos) es capaz de contar una historia sin perder el ritmo, gesta a la que ayuda, sin duda, la música de Alberto Iglesias que vuelve a ser protagonista absoluta acompañando la catarsis de imágenes y sentimientos que forman este abanico.

Me da la sensación de que Coixet lleva muchos años contando historias que no le interesan lo más mínimo. O dicho de otro modo, lleva años sin nada que contarnos. Pero con Spain in a day, la película que precisamente ella no ha rodado, pienso que aún tiene millones de cosas que contarnos.

Probablemente lo mejor para hablar de Julieta sería dejar pasar un par de horas o un par de días para reflexionar mucho sobre la hora y pico en la que se cuenta la vida de Julieta. Aún así, recién salido del cine me dispongo a escupir todo lo que he sentido al ver la última película de Almodovar.

Julieta es una historia durísima, sin ninguna concesión, que no da respiro ninguno al espectador. Te obliga a estar en un continuo estado de tensión, y también de alerta: las palabras y sobre todo las imágenes van una y otra vez hacia delante y hacia atrás, y no me refiero solamente a los flashback (de los que Almodovar siempre ha sido un maestro, pero que en ocasiones como esta dirige de un modo excepcional). Me refiero también a los libros, a los cuadros, a las caras, a los paisajes (ese ciervo corriendo bajo la nieve a cámara lenta)... a todo un mundo que por heterodoxo que sea (desde una mesa camilla en la Galicia más profunda hasta las esculturas omnipresentes de Miquel Navarro) es almodovariano en estado puro. Se ha dicho que esta es una de las pelis menos almodovarianas: discrepo totalmente.Es Almodovar 110%, a pesar de (o gracias a) inspirarse en textos ajenos.

Emma Suárez y Adriana Ugarte comparten protagonismo a partes iguales. La veterana actriz dibuja una Julieta adulta destrozada, desorientada y dolorida, que va dando bandazos de un lado a otro. Le ha pasado algo dolorosísimo, y no lo entiende. Emma Suárez presta su cara a ese dolor, al dolor intenso cuando no hay respuesta. Está magnífica.

Adriana Ugarte es Julieta de joven. Y es una verdadera maravilla la variedad de registros en los que se mueve con una soltura alucinante. Hay momentos (mágicos) en los que crees estar viendo a Emma Suárez de joven. Son un tánden perfecto, que en un momento crucial de la película, cuando dejamos de ver a una para ver a la otra, Almodovar escenifica demostrando lo buen director que es y la imaginación debordante que tiene.

El resto del reparto está genial también, aunque el papel más apetecible lo tiene, sin duda, la secundaria Rossi de Palma, que se come la pantalla.

No puedo hablar de una película en la que interviene Alberto Iglesias sin hablar de su labor en la banda sonora. En este caso ha construido una música discreta que acompaña el dolor sin incidir en él. Probablemente no sea su banda sonora más memorable, pero es perfecta para Julieta, y le hace un bonito favor a la película al terminar de envolverla en esa atmósfera tan siniestra.

Julieta es una película sobre la madurez. Sobre lo doloroso que puede ser el proceso, pero también sobre todo lo que se aprende.

En la fantástica película de Isabel Coixet "Mi vida sin mí" una mujer descubre que va a morir de cáncer y decide atar todos los cabos para el día en el que ella no esté en este mundo. "ma ma", que toca un tema cercano, con un tono totalmente distinto, no busca tampoco esto. El personaje de Magda busca la consecución de una satisfacción personal, idea un plan descabellado, por puro disfrute. Y es que, como dice a lo largo de la película, hay que tender a vivir momentos buenos, y huir de los malos.

"ma ma", que gira casi exclusivamente alrededor del inmenso personaje de Magda (el resto de personajes pululan alrededor de ella) es una llamada a gritos a disfrutar de la vida a pesar de que ésta te dé palos. Desde el comienzo de la película, Magda, reciente parada, abandonada y enferma (sí, no cabe más drama) es luz, es positividad, es coger el toro por los cuernos, algo que se transmite de un modo natural, nada forzado. Es imposible no amar a este personaje.

También se percibe claramente que Penélope Cruz (también productora de la cinta) ama su personaje. La actriz es auténtica, creíble y muy eficaz interpretando a Magda. Parece imposible que el espectador pueda abstraerse y llegar a olvidarse de Penélope Cruz personaje, y ver desde el minuto 1 a Magda. Quizás Cruz no logre jamás quitarse ese halo por el que es tan odiada por tantos sectores por motivos no cinematográficos, pero los afortunados que dejamos eso de lado, ya hemos disfrutado de varias interpretaciones míticas. Magda es una de ellas, y desde ya, está al lado de Raimunda, Maria Elena y Macarena. Trabajo memorable.

Su cuerpo, su calva, su mirada, que huelen a verdad, vienen acompañadas de un piano ligero que rápidamente nos recuerda a esas grandes Bandas Sonoras compuestas con Alberto Iglesias. Es una delicia ver algunos planos tan medemianos (con esos colores fríos conseguidos por Kiko de la Rica) acompañados, de nuevo de su música. Y a la vez, se trata de una música capaz de erizar el vello escuchándose con los ojos cerrados. En el apartado técnico, mención aparte necesita la labor de Iván Aledo (y el propio Medem) a la hora de montar la película jugando continuamente con varias historias entrecruzadas. Sin duda, esta película contada respetando el orden cronológico no conseguiría la misma intensidad.

Decía Julio Medem al presentar la película que el espectador tenía que hacer el esfuerzo de dejar la cabeza racional debajo de la butaca y dejarse llevar, entrar sin prejuicios a la sala y dejarte tocar. Yo fui capaz de hacerlo y la disfrute muchísimo.

De entrada digo que me gusta mucho el cine de Xavier Dolan, pero no soy un entusiasta y no creo que tenga ninguna obra maestra. Aunque Mommy tiene muchas cosas que hacen pensar que estamos cerca de una obra maestra.

La más interesante de las películas del joven canadiense cuenta la recurrente (en su filmografía) historia de una madre que tiene problemas con un hijo. Una historia que aunque pudiera parecer trillada, parece totalmente nueva en manos de Dolan.

Lo primero que te llama la atención es su cámara. Para empezar la película parece haber sido filmada desde un iphone. Parece mentira que las siempre estéticas dimensiones cinematográficas a las que estamos acostumbrados puedieran dejar paso a un claustrofóbico plano cuadrado que encierra a los personajes y no los deja respirar, muy afin a la historia que cuenta. Dentro de este pequeño espacio Dolan recurre a atractivos movimientos de cámara (ese Steve dando tumbos con un carro), a primerísimos planos en los que es imposible mentir… Aún así, he de decir que no me parece la más cuidada de sus películas en este aspecto, quizás también porque Mommy es callejera, es rápida, es salvaje, es joven, como los selfies que los adolescentes suben continuamente a su móvil, como el selfie que los tres protagonistas se hacen en un momento de la película.

Los tres (podemos decir que únicos) protagonistas de la cinta son dos antiguas musas del director (aunque adoro a Suzanne Clément, creo que Anne Dorval está en esta película insuperable, como la barriobajera y divertida madre coraje. Por momentos, su cara y sus aspavientos me recuerdan a Victoria Abril) y un joven desconocido (probablemente el papel que hace 10 años hubiera deseado protagonizar el mismo Dolan, pero que en manos de Antoine-Olivier Pilon adquiere una profundidad y realismo alucinantes).

Personalmente me sobran 30 o 40 minutos de la película, que disfruto, pero no del mismo modo. Tengo una continua sensación, durante la última media hora, de que no necesita ese plano de ahí, aquel otro de allá, para dejar cerrada la película en condiciones. Y sin embargo, Dolan (que no sólo dirige, también escribe) consigue volver a atraparme los últimos minutos de película con un impactante final.

PD: y sí, si has escuchado hablar maravillas de la secuencia en la que suena Wonderwall de fondo, por algo será.

Cómo duele cuando uno de tus autores favoritos te decepciona. En ocasiones me ha ocurrido porque yo he madurado y ya no me interesa lo que ese autor me puede enseñar. En otros casos, sabes claramente que es el autor el que no tiene nada que contar. Es el caso de Lars von Trier, al cual admiré con su Trilogía Corazón Dorado y que me sorprendió con su Trilogía (de por ahora 2 películas) USA Land of Opportunities. A continuación presentó la muy irregular Anticristo -que homenajea tramposamente (en el buen sentido de la palabra) en una secuencia preciosa en Nymphomaniac; la decepcionante Melancolía; y, ahora, esta película, vendida como porno, dividida en dos largos largometrajes y que cuenta más bien poco (y enseña menos, por si hubiese alguien, al menos, interesado en el porno).

Cuatro larguísimas horas en las que una mujer (inexplicablemente mal actuada Charlotte Gainsbourg) cuenta a un hombre (Skarsgard) que es ninfómana. Él la interrumpe con clases de pesca, política, religión, música, arte... que dan pie, a ella, a inventarse ridículos nombres para los capítulos de su vida. Por cierto, cada uno de esos capítulos corresponde a una forma distinta de practicar sexo: desde el despertar sexual de una niña, hasta la sodomía, hasta el lesbianismo, etc, etc... como si Lars von Trier se hubiera leído recientemente un libro con 18 perversiones sexuales, tantos como capítulos tiene su película.

Sin duda, lo que más me gustó de Nymphomaniac fue Stacy Martin. No sé nunca cómo va a reaccionar Shia LeBeouf y el capítulo de Uma Thurman es sencillamente tronchante, gracias, en parte a su intensidad.