El director y guionista australiano Robert Connolly, adapta el libro de investigación de la periodista Jill Jolliffe: “Cover-Up: The Inside Story of the Balibo Five”. Acierta plenamente al plantear la película como un thriller político, aliviando con ello la tensión y crudeza que generaría un material tan sensible como el que maneja. Apenas vemos acciones bélicas, sólo las imprescindibles para entender la historia, evitando también recrearse en las acciones violentas. El guión tiene una enorme complejidad ya que se construye sobre tres épocas temporales distintas: 2001, cuando se crea un comité de investigación de los crímenes de guerra de Timor Oriental; 1975, cuando Ramos-Horta convence al reportero Roger East para investigar la desaparición de los cinco periodistas; y por último, unas semanas antes, cuando los periodistas llegan a Timor Oriental para cubrir la invasión.

Idéntica sobriedad utiliza para la dirección: parece como si el director caminara con prudencia para que sus pasos interrumpan lo menos posible una historia tan compleja como controvertida. Desde el momento inicial en el que asistimos a la declaración de una de los testigos que vivió y sufrió los trágicos momentos, la película nos atrapa y nos mantiene en tensión hasta el final.
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“Los caballos de Dios” arranca de una forma trepidante y claramente expositiva de la realidad en la que viven la mayoría de los niños de Sidi Moumen: una cámara en mano sigue las evoluciones de un partido de fútbol de dos pandillas rivales. No tarda en armarse la trifulca, los empujones, las amenazas, la huida. La cámara los acompaña en su carrera hasta su barrio, y es ahí, tras un plano aéreo, cuando descubrimos el desolador mundo de chabolas de su Bidonville. El refugio último en su casa: una estancia oscura, iluminada tan sólo con la luz de unas velas. Un padre depresivo, un hermano deficiente mental y una madre desesperada.

Nabil Ayouch procura en todo momento huir del maniqueísmo: en su discurso no se advierte una propuesta sentenciosa, ni siquiera la más mínima justificación de un acto de por sí injustificable. Con un planteamiento propio del psicoanálisis, Ayouch disecciona la realidad para intentar llegar al origen del problema, a su inicial periodo de latencia: el desenlace es de sobra conocido, no hace falta ahondar más en el tema.

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La directora andaluza huye de todos los convencionalismos frecuentes del genero y utiliza formas y métodos más consustanciales y propios del documental experimental. La poesía, tanto visual como textual, es una extraordinaria compañera de viaje para el intimista propósito que Pilar Monsell nos plantea: el reencuentro con el paraíso perdido, la dolorosa confirmación del fracaso de un hombre, herido de romanticismo, en la búsqueda del amor platónico. En las conversaciones con su hija, se advierte en las palabras del padre, un poso resignado de dolor.

El plano secuencia con el que arranca el documental es una auténtica maravilla: el mediterráneo lo ocupa todo, la visibilidad es tan difusa que la línea del horizonte es más bien imaginada. Escuchamos la voz de Pilar Monsell pidiéndole a su padre que le cuente el último sueño que tuvo: Barcelona ha sido desolada por la guerra. Mientras tanto vemos una piragua que avanza lentamente impulsada por la única fuerza de un remero. Manuel Monsell deambula por la ciudad entre los escombros del bombardeo: “¿ibas a buscarme? –pregunta Pilar”-. En ese momento la piragua se detiene y recoge del mar a alguien que permanece flotando sobre las aguas: -“claro que iba a buscarte, pero no tenía puntos de referencia ni nada, aquello no era Barcelona, era cualquier ciudad destruida por la guerra”-.

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Aunque en un principio podemos pensar que estamos ante un documental, Taxi Teherán es un película de ficción basada en unas grabaciones clandestinas que Panahi realizó con una pequeña cámara de vídeo oculta en el interior de una caja de clínex. Un amigo le proporcionó un taxi, y él se dedicó a recoger las incidencias y conversaciones que se producían entre los pasajeros.

La película transcurre íntegramente en el interior del vehículo. Ninguno de los actores que intervienen son profesionales, ni siquiera habían tenido experiencia alguna ante las cámaras. Sus nombres no aparecen en los títulos de crédito para evitar problemas con la justicia.

La habilidad que Jafar Panahi demuestra para construir una ficción partiendo de la realidad, el agudo ingenio para seguir haciendo cine saltándose la prohibición, manteniendo inquebrantable su dignidad crítica, inherente a cualquier arte expresado con total libertad, es verdaderamente admirable. Sin duda estamos ante una lección magistral de cine.
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Ixcanul es un pequeño milagro surgido del empeño de Jayro Bustamante, que contó con la implicación de todo el equipo humano que participó en el proyecto. Con un presupuesto que apenas alcanzaba para ir cubriendo los gastos técnicos, la película no hubiera podido terminarse sin la ayuda de la comunidad de los pueblos donde tenía lugar el rodaje. En la aldea “El Patrocinio“, donde el elenco del filme vivió un mes (de diciembre 2013 a enero 2014), tuvieron que alojarse en un aula de la escuela que carecía de luz y de agua potable. Mientras algunos vecinos se encargaban de la dieta de los trabajadores, otros aportaban mobiliario a la dirección artística. Incluso el volcán de Pacaya auspiciaba de buenos augurios el rodaje entrando en erupción: cuando rugía el volcán, los lugareños se reían del miedo que les entraba a los pocos extranjeros que participaron en el proyecto.

Ixcanul es un soplo de aire fresco entre tanta contaminación; una película sensitiva, emocional y bella. Pero no te engañes, no es una cinta cuya principal valor resida únicamente en la plasticidad de sus imágenes: en su vientre late un corazón de volcán dispuesto a sepultar bajo la lava, las injusticias de un costumbrismo tan arcaico cómo indigno.

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