Lo que el viento se llevó

Es obvio que esta película tenía que ser protagonizada por Bette Davis.
Ese personaje caprichoso no podía tener otro destino.
Así que: o la Davis nació antes o Lo que el viento se llevó se rodó tarde.
Lo que es evidente es que la línea temporal quebró y ahora vivimos en un universo paralelo. Un afluente del original. Seguramente afluente de otro afluente, sí, tal vez vivamos en un arroyo, es verdad.

Desconozco las mil artimañas y diretes del casting, pero de ese poderoso barro de influencias y dinero, capaz de aplastar las rugosidades de la hiperesfera del espacio - tiempo, dejándola más lisa que la blusa de Rhett Butler,
tenemos estos lodos. ¿11- S? ¿Covid? ¿Ben Affleck? Quién sabe si no desembocaría en algo peor aquel segmento de recta que iba de los años 30 directo a la actualidad. La otra actualidad.

Tal vez la inercia innata, sabia una vez más, ha hecho eso que dicen aquí para desafiar la naturaleza de esta producción: verla en desfase temporal. A trozos. Retorcer la tuerca de una dimensión corrompida que aceleró con tanta fuerza que se salió por la tangente, que es la recta en sí, desmontando las leyes físicas y encontrando en las Matemáticas, vulnerabilidad.

Consciente de todo ello, me jugué todo a una carta aquella tarde de otoño que ociosa se presentaba.
Ví la peli desde el principio hasta el final. En el orden que suponemos continuo. Y, uf, me quedé perplejo por su intensidad, su color... y su triste realidad. Un folletín de ricachones de tiros largos y mujercitas en bombachos que salta por los aires, lanzando su metralla a nuestra triste realidad. Paralela o no, pero triste. Y realidad.

Creo que aún no somos conscientes del valor que posee «Lo que el viento se llevó». Esta película es de 1939. A mi me parece imposible. Su molde apareció y desapareció. Un milagro. Obra fuera del tiempo y del espacio. No exagero, no. Este trabajo no tiene, en realidad, fecha, caducidad, ni pasado ni futuro. Es eterna.

La épica de la derrota, del ser humano y de sus pasiones se ve retratada aquí a través de la vida de una jovencita sureña que vive en el reino del idílico Sur norteamericano. Comentan que las actrices de la época se mataron por el papel de Escarlata O’Hara, y tenían motivos para ello. Quizá previeron que el personaje era un caramelo de sabor fuerte y delicioso que les daría la oportunidad de brillar en los cines de todo el mundo. Escribe Margaret Mitchell en la primera línea de su libro que Escarlata no es una mujer hermosa, pero viendo a esta Escarlata de ojos verdes y cejas altivas, rostro afilado y sonrisa de niña caprichosa, lo ponemos en duda. Leigh está bellísima, y además dueña absoluta y sin contestaciones de un personaje tan complejo y difícil como Escarlata, que se basa en emociones sutiles e intensas, en sueños dentro de la niebla, en miedo y arrojo. Odiarla o amarla es lo mismo. Porque la odiamos y la amamos admirándola y volviéndonos cómplices de su existencia. Por mucho que se la critique, esta mujer de una pieza, inteligente y de una fuerza que protege y sostiene, hace justo lo que tiene que hacer por ella y los suyos, por sobrevivir a la miseria y la guerra. Bravo por ti, Escarlata.

El cuadro de personajes es uno de los muchos aciertos de la película, y no sólo por Escarlata. La Melanie Hamilton de Olivia de Havilland, con una cara de buena que enternece de por sí, conforma una mujer con otra clase de fortaleza y un conocimiento del ser humano que se revelará a lo largo de toda la película como el más atinado y sensible. Clark Gable es él. El galán por antonomasia. El caballero que no quiere serlo pero lo es, sudista o norteño, él lo abarca todo, está por encima de causas, perfiles y épocas, porque sus valores son atemporales. Rhett Butler será desencadenante de algunas de las grandes escenas de la película y el coprotagonista de unas las tramas románticas más impresionantes del Cine. La primera declaración de amor en colores rosas y rojos, ese beso medio robado, medio entregado; el momento puerta y vaso de coñac, o ese ataque llevándola por las escaleras; y vaya escaleras, parecen surrealistas. Sencillamente maravilloso, mítico.

La guerra como viento huracanado que revolverá las conciencias, hará resurgir lo peor y lo mejor del ser humano y transformará la sociedad en una corriente de aires nuevos donde algunos se adaptan, otros mueres y algunos quedan anclados al pasado glorioso; entre estos últimos, un Ashley Wilkes del que siempre nos ha parecido imposible que ilusione así a la extraordinaria Escarlata. Guión que no pierde dinamismo, historia que te hace reír y llorar; intimista y grandiosa a la vez, diálogos para el recuerdo y Steiner poniéndole sonido a la nostalgia.

Un lenguaje cinematográfico poderoso, innovador, diferente a todo lo que se había visto, se estaba viendo y se vería durante años; un paso de gigante en la concepción del Séptimo Arte y uno de sus referentes indiscutibles por el tema, el tono, la forma y el fondo; icono imprescindible de la memoria occidental, clásico por derecho propio a setenta y cinco años de su estreno. Dentro de veinticinco tendrá un siglo. Cien años que no pasan por ella. No pasarán nunca porque, insisto, se hizo para la eternidad.

«Lo que el viento se llevó» es el Cine mismo.

Hay que volver a recordarlo: La Guerra de Secesión (o Guerra civil norteamericana) fue un enfrentamiento impostergable, necesario e inevitable para aquellos que creían que no era justo, digno, humano, ni civilizado, seguir sometiendo a la esclavitud y en total desigualdad, a millones de hombres y mujeres cuyo “pecado” era haber nacido con la piel oscura. Esta firme decisión de giro hacia la civilización -encabezada por el presidente Abraham Lincoln-, sería ampliamente respaldada por los Estados del norte (La Unión), pero sería rechazada de pleno por los Estados del sur (Los Confederados), por considerar que lesionaba sus intereses de preservar la mano de obra barata, el servilismo a bajo costo, y la sumisa obediencia a sus –cada tanto- desproporcionadas exigencias.

A los esclavos se les denegaba el derecho a la educación, a la participación en política, a la vida social… y aquellas palabras de la constitución que aseguraban ciertamente que “Todos los hombres han nacido iguales…”, se ignoraba por completo, pues, los afrodescendientes eran tratados como monos, tontos e imbéciles, ignorando que el maltrato, el abuso y la exclusión social es lo que, casi siempre, llevaba hasta este punto sus personalidades.

<<LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ>>, fue escrito por una mujer del sur (Atlanta), Margaret Mitchell, cuyo carácter y experiencias se asemejaban bastante a la ampulosa, inescrupulosa y oportunista, Scarlett O’Hara (Scarlett no es traducible como Escarlata puesto que lleva doble t); y la realización cinematográfica, efectuada en 1939, tres años después de que el libro saliera a la luz y se convirtiera en un récord de ventas es, por sobre todo, una creación de David O. Selznick, un productor de Hollywood (residenciado y aliado de los intereses sureños) quien hizo la película a su imagen y capricho, dándose el lujo de utilizar a no menos de 15 guionistas para que retocaran e inyectaran con nuevas trampas melodramáticas la historia. También usaría a tres directores: George Cukor (echado a las pocas semanas por presión de, Clark Gable, y en contra de, Vivien Leigh, que lo adoraba); Victor Fleming (quien rodaría dos terceras partes y por eso se llevó el crédito como director); y Sam Wood (quien, tras la renuncia por agotamiento de Fleming, terminaría lo que faltaba). Pero, hasta hubo momentos en que, el mismo Selznick, refilmó algunas escenas con las que no estuvo totalmente de acuerdo.

¿Y los propósitos de este filme rodado con el esplendor de un western fordiano y un épico de Michael Curtiz? Creo yo que, primero, insistir en limpiar la imagen del sur recreando a los negros del conflicto como buenas personas a causa del "positivo trato que recibían”; un tanto tontos “por esencia propia”; y leales “porque se sentían plenos con sus amos”. Segundo, cambiar la historia dejando majestuosamente registrado que los yankees (la unión) eran brutales, despiadados y ladrones, y los sureños, unas pobres víctimas que no merecían haber perdido la guerra. Puro retoque falsificador y tramposo, lleno de drama telenovelesco que solo conmovió a los incautos y a quienes se aturden con los descrestes técnicos.

Pero, quizás sin proponérselo, queda bien plasmado con Scarlett O’Hara, el prototipo del carácter mendaz y avaricioso que forjó el imperio norteamericano; y con Melanie, se esculpe a los seres dulces y nobles que preservan el hálito de dignidad que siempre traerá luz a toda sociedad.

<<LO QUE EL VIENTO SE LLEVÓ>>, es la más falsa justificación del racismo y la esclavitud que nos haya dado la literatura y el cine.

Resulta curioso lo reacio que es el cinéfilo a la hora de calificar esta película con la máxima nota. Probablemente se deba a varios motivos: 1. Es la superproducción que mejor simboliza el carácter mítico y fabuloso del cine norteamericano, el cine espectáculo en su máxima expresión. 2. Es el melodrama romántico por excelencia. 3. Sencilla en su historia y en la forma de contarla, gusta a todo tipo de público. 4. Diez Oscar. 5. Es la peli favorita de la suegra. Cierto que se trata de un espectáculo grandilocuente, pero, con todo, un gran espectáculo que vale la pena revisionar. Razones más objetivas podrían hallarse en la carga literaria de su puesta en escena (basada en la novela de Margaret Mitchell) y en la fuerte carga melodramática que, aunque acorde con los gustos del público de ayer, resta hoy algo de valor al film. Pero esto se ve compensado por la música, fotografía, interpretaciones y guión, además de ser un buen retrato de diversas personalidades humanas y el film más representativo de la Guerra de Secesión, que no aparece en imágenes pero sí sus repercusiones como factor permanente en la evolución de los personajes. A pesar de lo dicho en 3, hay cierta profundidad psicológica tanto en la trama como en los personajes, por el encuentro de unos mundos y el choque de caracteres. De esos caracteres me resultó especialmente grato el de Rhett Butler y encuentro un gran paralelismo con el personaje de Rick Blaine de Casablanca, en su imagen de antihéroe desencantado (sólo en un principio, como se verá más adelante) y en la historia de amor que viven y que está condenada al fracaso por encontrarse en el marco de un mundo al borde del caos. Además, ambos gozan de un extremo idealismo disfrazado tras una máscara de cinismo. En Rhett ese idealismo quedará expresado en la escena del incendio de Atlanta, cuando, habiendo mostrado hasta ese momento un cínico desinterés por la Guerra Civil que le rodea, es informado de la inminente derrota del ejercito sureño. Es entonces cuando decide alistarse ante la oposición de Scarlett O'Hara (Vivien Leigh). Rhett le dirá: -Soy amigo de las causas perdidas, pero cuando están perdidas de verdad. Tanto Rhett Butler en esta película como Rick en "Casablanca", darán primacía a lo que consideran una responsabilidad moral, frente a sus necesidades y compulsiones emocionales. Todo esto, insisto, tras una aparente actitud cínica, lo que da un carácter totalmente desinteresado a sus acciones, haciendo que ambos personajes evolucionen de antihéroes desencantados a HÉROES, pues la heroicidad, para serlo, no debe esperar ser recompensada siquiera con un lavado de imagen, ya que al héroe, solitario e individualista(individualismo formal, no de fondo) le importa poco la imagen que de ellos puedan manejar los mediocres. Los que no lo son, como el Capitán Renault en Casablanca, sabrán apreciar ese heroísmo sin necesidad de demostraciones de cara a la galería. Lo dicho: aconsejo su revisión, pero esta vez, con ojos nuevos...

Si tuviese que explicar lo que es el cine a seres de otro planeta que nunca hubiesen visto una película, les pondría esta para mostrarles lo que es. Con eso creo que lo he dicho todo.

Es la mejor película de la historia del cine, y seguramente lo seguirá siendo mientras el mundo sea mundo. Una obra maestra de la narración, la poesía visual y de la analítica personal y sentimental del ser humano. Es increíble como un tostón de tres horas de duración, pueda enganchar de tal manera. Su narrativa es tan perfecta, que es capaz de convertir una historia costumbrista y romántica de lo más corriente en una experiencia que despierta los sentidos y las emociones y te mantiene en vilo hasta el final. Sus personajes son tan sumamente atractivos, tan vivos que pasan a ser parte de ti y ya nunca los olvidas, desde los protagonistas (inolvidable y mítica Scarlata O´Hara) hasta el último secundario.

Ambientación cuidada hasta el más mínimo detalle, vestuario fastuoso, fotografía en color deslumbrante, iluminación impecable y sofisticada, música evocadora…
En definitiva, una joya cinematográfica. No es una película; es LA PELÍCULA.

LO MEJOR
-Todo

LO PEOR
- Nada (tal vez un poco larga, pero tratándose de una película así, cuanto más larga mejor)