Los Tenenbaums destila constantemente el sabor de lo que pudo haber sido pero quedó trunco. Empezando desde el resumen inicial de la brillante carrera de los niños prodigios convertidos en adultos neuróticos con sombra de fracasos - incluyendo el éxito del menos talentoso del círculo (el personaje intepretado por Owen Wilson) -y durante todo el film con el fracaso de la familia como tal, al no poder reproducir y afianzar sus lazos.
Como fondo de esta sucesión de desarrollos diversos - en la mayoría frustrantes - a su promesa embrionaria se pueden escuchar melancólicas y magníficas melodías de los años 60, reforzando el contenido nostálgico, de un pasado que prometió algo mejor que su resultado real.
Este componente de sensación de derrota, frustración (y neurosis) hace carne en los personajes de los 3 hijos de la familia Tenenbaum (Luke Wilson, Ben Stiller y Gwyneth Paltrow) junto al psiquiatra que interpreta Bill Murray.
Por otro lado, el clima nostálgico convive con el cinismo y el humor disruptivo personalizado en Royal Tenembaum (G.Hackman) y el personaje de Owen Wilson, ambos amorales capaces de traicionar sin remordimientos y hasta sin medir la magnitud de sus traiciones. En este tono encontramos también algunos personajes secundarios notables como el mayordomo indio o el botones que simula ser médico.
La combinación de ambos climas produce como resultado un film brillantemente desparejo - enriquecido por una narración de tono solemne que hila a los sucesivos capítulos -en el que la gama de emociones es notablemente amplia.
Esta película no deja ninguna enseñanza ni es un canto a la vida. Es lógico también que defraude a los que buscan una comedia. Y sin embargo es una forma deliciosa de burlarse de la característica trágica de la existencia.

Roma son dos películas con un ensamble lógico pero no del todo armónico.

Por un lado un amargo escritor diseñando su salida de escena, en contrapunto con un asistente que esta empezando su carrera. En este juego se ponen de manifiesto los puntos en común que unen a dos separaciones diferentes y recelosas por distintos motivos una de la otra.

Por el otro lado, la infancia y juventud del escritor en proceso de retiro, recordadas con la excusa de la publicación de una autobiografía.

Esa primera película goza de una notable actuación de Sacristán, haciendo del malhumorado escritor un personaje simpático y generador de empatía. El desarrollo de esa historia (la relación del escritor con el tipeador) es breve y predecible, pero aún así agradable de seguir.

La segunda película (el recorrido por infancia y juventud) tiene muchos altibajos y muchos lugares comunes. La construcción de personajes parece muy estereotipada (los universitarios, los militantes, los chupacirios, los rebeldes, etc ) desprovista de la complejidad apropiada. Por otra parte también hay una idealización repetitiva de los años ’60 y ’70. En ese sentido me recordó a Los Soñadores de Bertolucci. Con una diferencia en contra de Roma: las referencias culturales en la película de Bertolucci son sostenidas por discusiones y argumentos, mientras que aquí parece un catálogo editorial de autores (en su forma más patética en la caminata del protagonista con Renee). La supuesta influencia de la madre, Roma, parece quedar plasmada en el sacrificio económico para que el egomaníaco protagonista pueda vivir lejos del país. Antes de eso, Roma es uno más de los personajes secundarios que en la poco problemática estructura del relato sólo sirven para dar el pie para las supuestas respuestas brillantes y libertarias del protagonista.
Con su alusión obligada a la represión ejercida desde los aparatos estatales la película cierra de forma abrupta el relato autobiográfico, dejando la sensación de incompletitud.

Queen Kelly debe ser una de las películas que mayor sorpresa me generó. El resultado de un conflicto entre el director y los productores deriva en un formato muy novedoso que acentúa el contenido cínico del relato. Fuera de epoca - es una película muda cuando ya se había avanzado con la sonorización-, la habilidad de Stroheim para construir personajes y su talento para enhebrar un relato es una despedida digna de una de las etapas más creativas del cine. Luego de una primera parte convencional y hasta cursi, la segunda mitad del relato avanza con un ritmo vertiginoso y muestra los mejores pasajes, tanto en lo que refiere al relato como a los aspectos estéticos.

Hacer un comentario sobre esta película devela la edad del comentarista, y nunca se lo puede hacer de forma objetiva. En mi caso, más que a la película, que ví sólo una vez unos 35 años atrás, remite a la banda de sonido que tenía en LP, y que además de las canciones incluía los diálogos. Trapito es simple es casi todos los sentidos, pero esa simpleza no deja de tener sabiduría, y aún hoy me es útil volver a la noción de la necesidad de emociones para evitar una vida sin sentido. Varios pasajes de la película conmueven, sin necesidad de recurrir a golpes bajos ni a contenidos tecnológicos. Ojalá el cine siga teniendo momentos que logren activar las emociones como lo hizo esta película con gran parte de mi generación.

A diferencia de otras peliculas de Hitchcock, el guión es fallido. Hay muchos aspectos que no se justifican. Jimmy Stewart esta brillante como siempre y Doris Day es soporífera, tanto actuando como cantando. La primera media hora es entretenida y muy interesante, luego la debilidad de la trama va disminuyendo el interes.