Enigmática, conmovedora, especial, maravillosa. Muchos son los calificativos que se pueden dedicar a esta obra maestra de William Dieterle. Como dice la frase de Keats, al principio de la película: "La Belleza es Verdad, y la Verdad es Belleza, es lo único que sabéis en la Tierra". Vuestros corazones os dictarán el significado de la película.

Es fantástica: su fotografía, su guión, la música, con piezas de Debussy, interpretadas por el maestro Tiomkin, ese aire de misterio cada vez que aparece ella, y esas imágenes tomadas como si fueran lienzos, en clara alusión a la especialidad del protagonista. Las tomas en color verde en la secuencia del faro: el verde con ese significado simbólico a lo espectral, como en Vertigo de Hitchcock, cuando aparece Kim Novak transformada y el neón aquel verde la ilumina a ella. Otra toma que impresiona es la de la escalera en espiral del faro, tanto en su toma en picado, como en contrapicado, es alucinante. Esas escaleras son como la subida a lo más bello, a la verdadera esencia de la vida: al amor. Sencillamente genial.

La vi en el cine Doré (Filmoteca) hace trece años y no la había vuelto a ver hasta hoy, y sigue siendo para mí una verdadera obra de arte. En estos tiempos que corren tan materialistas, tan de dar la apariencia y no mostrar lo que verdaderamente sentimos, es cuando ves este film, y te das cuenta de que aún podemos salvar esto. Es el amor loco, L'Amour Fou, que tanto declamaban Buñuel y sus contemporáneos surrealistas, el amor verdadero, por encima de todas las cosas: de religiones, de intereses personales, de tantas cosas que nos preocupan y que verdaderamente no tienen tanta importancia. Entonces es cuando ves a estos dos pequeños seres jurándose amor eterno y es cuando se te pone el vello de punta. Dos pequeños seres que no coinciden ni en el tiempo, pero sus almas conectan por encima de todo. A Joseph Cotten no le importa llenar el estómago ni vivir bien, solo quiere encontrar la verdadera inspiración que le transporte a la belleza más sincera. Preciosa.

Por otro lado, ya menos emocionado, cabe resaltar que David O. Selznick, puso toda la carne en el asador, para que Jennifer Jones se luciera al máximo, pues era su mujer y que sale magnifica, con sus peinados, sus vestidos. Ella fue siempre muy histriónica en sus papeles y aquí la verdad, se sale. Cotten siempre genial, sobrio, taciturno, como en Kane, triste y humano.

A pesar de la religiosidad que impregna muchas de las escenas de la película, podemos decir que La Tía Tula es una precursora de la emancipación femenina en una época claramente marcada por el poder de los hombres en este país, y más en esa época de franquismo, tardío ya, pero todavía intolerante contra las mujeres. En esta película los hombres aparecen como verdaderos depredadores sexuales dispuestos a dar caza a cualquier mujer que se cruce por su camino, sin ningún tipo de escrúpulo. Las escenas de Ramiro (Carlos Estrada), siguiendo con la mirada fija a Aurora Bautista, sediento de deseo, son estremecedoras y casi inquietantes. Por no decir la escena del asalto claro y flagrante que se produce de él hacia ella.

Se producen continuos choques de lucha de sexos, en los que el poder moral (sacerdotes, iglesia), defienden claramente los postulados que dicen que las mujeres se deben a sus hombres. Los dos niños se llaman igual que los dos protagonistas y nos hacen ver como son los dos sexos: el niño empieza a ver postales de mujeres desnudas, compra tabaco al padre, hace de rabiar a la niña, mostrándonos el poder del hombre sobre la mujer desde la infancia. Tula (Aurora Bautista) les espeta a los dos "hombres de la casa", que la mujer es algo delicado y tierno y hay que cuidarla con respeto y amor. Un personaje claramente precursor del feminismo que se hacía valer ya en Europa y que tardaría algún tiempo en llegar a España. Y ahí radica la valentía de esta cinta, en la que la censura y el poder no podían tolerar la emancipación femenina bajo ningún concepto. El cura del film, que hace también de pseudo psicólogo, quita hierro al asunto cuando una de las mujeres le quiere contar un problema, y llama ñoñerías a sus asuntos. En la escena casi al final en la que un grupo de mujeres, bebe, baila y gasta bromas de índole sexual (inocentes todavía, pero algo era algo) en una fiesta privada. Sabemos de qué lado está el director.

Basada en una obra de Miguel de Unamuno y narrada al estilo del neorrealismo italiano y con algunos toques al estilo Murnau y al expresionismo alemán, La Tía Tula demuestra el talento interpretativo de Aurora Bautista haciendo de mujer orgullosa de sí misma y dispuesta a no dejar que ningún hombre la haga perder la dignidad. A medida que transcurre el film va cambiando de vestuario y de peinados haciéndose más abierta, moderna e incluso más bella. Gran película.

Realista y crudo reportaje sobre lo que iba a ser una continuación del festival de Woodstock y que terminó siendo el fin del sueño hippie, que fue el concierto de Altamont. Lo que empezó siendo un movimiento noble y pacífico terminó por ser una pesadilla para muchos y el trágico final para alguno de los héroes que lo iniciaron unos años antes. El film lo trata sin ningún tipo de sentimentalismo y sí en cambio con grandes dosis de realismo. Se atisba a medida que pasa la cinta, que algo trágico va a suceder, y nos mete de lleno en la equivocada e injusta actuación de los Hell's Angels, sobre el público en principio pacífico que fue a disfrutar de grandes actuaciones en directo, incluidos The Rolling Stones. Fueron designados por los Stones como "agentes del orden" y encargados de mantener la paz durante el festival. Craso error. Pronto nos damos cuenta, casi desde la primera actuación que la paz va a brillar por su ausencia. Da pena ver a la gente apaleada sin piedad por este grupo violento, desde el inicio. Se producen continuas interrupciones e incluso llegan a agredir a miembros de grupos emblemáticos del movimiento hippie de la época, como The Jefferson Airplane.

En definitiva, lamentable fin a una época que se inició con grandes ideales y entusiasmo por parte de aquella juventud de entonces y que finalizó tan tristemente. Lo único que al final quedó de todo aquello fueron grandes obras maestras de la música popular del siglo XX. De lo demás, desgraciadamente, poco.

Otto Preminger vuelve a reunir en una película suya a Gene Tierney y a Dana Andrews, con muy buenos resultados, aunque en mi opinión, no supere la magia que irradiaba Laura, que es uno de los mejores films de todos los tiempos.

Clásica fotografía en blanco y negro, mucha oscuridad y nocturnidad rodea este film noir, que cuenta las andaduras de un policía duro y despiadado para con los criminales, que no duda en conseguir pruebas para resolver casos, utilizando todo tipo de argucias violentas e ilegales para lo que es un policía. Sus propios superiores le recriminan sus acciones. Al final de tanto ir con el cántaro hasta la fuente, pues comete un asesinato, eso sí, involuntario, pero delito al fin y al cabo, e incluso prepara pruebas falsas y miente al contar los hechos a sus jefes. Sin escrúpulos, aunque poco a poco se va dando cuenta de lo que ha hecho, y el remordimiento se va acrecentando minuto a minuto. Le pega mucho este papel al siempre frío e impertérrito Dana Andrews, e incluso noto en su aspecto algo de tristeza real, como si el actor no estuviera pasando un buen momento en su vida, pero bueno, son suposiciones mías.

Su frialdad y dureza como siempre, se atempera gracias a la llegada de la gran Gene Tierney, que le devuelve un poco las ansias de vivir, como en Laura. A partir de ahí vemos el lado más humano de Marc Dixon (Andrews) y vemos que es un hombre destrozado por su pasado, pues su padre fue un conocido delincuente, y él, a pesar de no querer terminar como su padre, siempre le pesará el llevar la misma sangre que un criminal. Un hombre solitario, triste y recubierto de una coraza de dureza, que solo una mujer como ella podrá lograr romper solo con su sonrisa y su forma de ser, tan delicada, atenta, bella, cristalina, bondadosa y..... que más puedo decir de Gene Tierney, el rostro femenino más bello que ha dado el cine en su historia

A pesar de que tiene algunas lagunas en el guión, algunos primeros planos de esta película me parecen fabulosos e impresionantes, como el de los rostros de los protagonistas en un primerísimo plano, cuando él le reconoce a ella de quien es hijo, y ella con sus preciosos ojos vidriosos por las lágrimas, escuchándole y animándole.

Una vez más le volvió a ocurrir a Burt Lancaster. En una nueva participación en una película de Robert Siodmak, vuelve a caer en las garras de una mujer fatal. Un hombre excesivamente ingenuo y poco reflexivo, parecido al de The Killers, entra de lleno en un torbellino de violencia y de maldad, del cual no podrá salir bien parado, solo por volver a conquistar el corazón de la mujer que ama. El contrapunto es impresionante: un hombre que llena la pantalla con su sola presencia, viste diferente a los demás, parece diferente al resto, pero que termina cayendo con una facilidad supina en manos de Yvonne de Carlo.

Y con ella hemos topado. La verdad es que viéndola bailar, uno piensa que cualquiera puede caer en la tentación y caer rendido ante ella. Una escena inolvidable, de una sensualidad, provocación y atracción únicas. Los primeros planos de Pete Thompson son para enmarcar. Totalmente embelesado y poseído por el amor que siente hacia ella, la mira sin pestañear. Por cierto, y a modo de anécdota, me da la impresión que el hombre que baila con De Carlo es Tony Curtis. Sería cuando empezaba, pues no sale ni en los títulos de crédito.

En el flashback, que ocupa un tercio de la película (clásico en el cine negro), Thompson nos cuenta como el destino fatal y una serie de coincidencias, hacen que se vea abocado a volver con la que fue su ex mujer, a pesar de reconocer que no podrá funcionar, pues es una mujer materialista y egoísta, que no está bien vista por su familia, ni por su amigo, el policía Ramírez (Stephen McNally). Para más inri, está unida en ese momento a un gángster conocido en la ciudad como Slim (Dan Duryea, el eterno y fantástico malvado). Un cóctel explosivo, acrecentado por un proyecto de robo en un furgón blindado (donde trabaja Thompson).

Uno de los mejores títulos de Siodmak, con grandes referencias al expresionismo alemán del que él formó parte, como por ejemplo más clarificador, la última escena que no voy a comentar. Mark Hellinger produce al igual que en The Killers, y que murió durante el rodaje de esta película.