Que la animación "infantil" en el cine ha ido evolucionando en estos últimos años gracias a grandes empresas como "Dreamworks" o la misma "Pixar" no es nada nuevo. Como tampoco que el rango de edad ahora es mucho mayor por el trasfondo de la nueva era de películas. Pero esta cinta sigue rompiendo esquemas y consigue algo nuevo en el séptimo arte, y es la "película familiar". Si si, ya se que hemos hablado de este concepto siempre, pero "Inside Out" va más allá, creando dos, tres, cuatro lecturas dependientes de la edad del espectador que coexisten, ninguna mas valida que la otra, llevando un hilarante mundo de fantasía y aventuras para el público más joven, y reflexiones sobre la madurez, el paso del tiempo, la negación de los sentimientos etc etc, para el público más adulto, y con una solidez que deja en ridículo a muchas películas no animadas.
Las reflexiones que plantea, llegan al espectador has el punto donde quiera leerlas, pudiendo quedarse solo con un entretenimiento, un mensaje facilón pero contundente, o un verdadero océano de ideas.

La idea más original y el mayor salto de fe de "Pixar" ha sido un completo acierto, teniendo todas las papeletas para haber acabado siendo un desastre. Sumergirnos en la mente humana para conocer su funcionamiento ha salido a la perfección, introduciendo conceptos muy complejos de la psicología de la manera más fácil a la par que divertida. Ni toma al público por tonto sobreexplicandose a si misma, ni te pierde en verborrea científica, y esto, en una pelicular dirigida a todos los públicos es un logro titánico.

"Pixar" también da un golpe sobre la mesa con unos personajes fascinantes, con dos grandes protagonistas femeninas, ambas riquísmas y nada planas, acompañadas de secundarios de lujo, cada uno con una construcción y un sentido coherente en la historia. Y esto nos lleva a otro aspecto de la película de los que me lleva aponer un sobre saliente a "inside Out": Cuando ves las acciones de miedo, asco, ira, alegría y tristeza, e incluso Bing Bong, puedes ver a Riley en ellos, no se como lo consiguen pero en ningún momento se siente que sean personajes separados o independientes de la auténtica protagonista: Riley.

El diseño del cerebro de Riley es una maravilla, y acompañado de la apoteósica banda sonora, que lo abarca todo, consiguen el ambiente necesario para que pasemos con la boca abierta los 100 minutos de visionado.

En definitiva, la mejor película de animación que jamás haya visto y una experiencia obligatoria para cualquier cinéfilo.

En spoiler algunos apuntes

Se acabó la mediocridad en la televisión, ha llegado Breaking Bad, el más claro ejemplo de la época de Oro de las series, referente al que nos referiremos cuando hablemos de este período.

A continuación la mezcla química para crear la mejor serie de la historia:

Nuevo México y sus paisajes desérticos, Albuquerque y sus aparentemente pacíficas calles, ayudan a crear una atmósfera de normalidad y tranquilidad con un subyacente peligro que te hace estar continuamente en tensión. La sensación de la ciudad como una fiera adormilada, de la que no puedes desprevenirte ni un momento, prevalece durante todo el visionado.

El plantel de actores es sencillamente espectacular:
- Bob Odenkirk da vida a uno de los personajes mas hilarante de la televisión reciente, un descomunal Saul Goodman que desborda la pantalla cuando aparece en escena.
- Jonathan Bakns (Michael Ehrmantraut), que aun teniendo relativamente poco tiempo en pantalla construye un personaje que bien podría tener su propia serie de televisión.
- Giancarlo Esposito (Gus Fring) interpreta al villano más meticuloso y calculador, que sorprende con todo lo que llega a expresar teniendo que interpretar a un personaje que se caracteriza por su opacidad en expresiones y nula expresión de sentimientos. Digno de galardón el terror que llega a inspirar con una sola mirada.
- Dean Norris, el ya oficialmente policía duro de la ficción, representando a Hank Schrader, la justicia personificada, uno de los personajes más ricos de la serie. Norris hace un gran trabajo, consiguiendo hacer evolucionar a su personaje mientras evoluciona nuestra empatía con él.
- RJ Mitte y Betsy Brand no destacan por la poca relevancia que tienen sus personajes, pero dan la talla dentro de lo que sus papeles les ofrecen.
- Anna Gun. Colosal y realmente complicado papel de la actriz dando vida a Skyler Withe, el personaje más odiado de la televisión. Su interpretación deja en el mejor de los lugares al sector femenino.
- Aaron Paul (Jesse Pinkman) tiene el que puede que sea el papel más difícil, pues es desde su punto de vista desde el que el espectador verá el transcurso de la historia, aunque el protagonista sea otro. Muy merecidos los Emmys que recibió por este trabajo.
- Bryan Cranston (Walter Withe) realiza la mejor actuación que haya visto nunca. Espectacular los sentimientos encontrados que brinda con un personaje tan complicado y con tantos grises.

En resumen podría decir que el trabajo excepcional se refleja en que todos consiguen con éxito reflejar la evolución, el cambio de sus personajes. Y es que de eso va la serie. Durante 5 temporadas somos testigos de una metamorfosis coral, como un grupo de arboles creciendo en el mismo espacio del terreno, empujándose y entremezclándose para seguir ascendiendo, influenciándose entre ellos y creando un demencial puzzle, una montaña rusa de la que hace participe al espectador en todos los aspectos y que acaba estallando en unas últimas temporadas de órdago.

La narración apuesta por la tranquilidad para disponer todas las piezas, no dejando lugar a las incoherencias o los agujeros en un guión sólido, con un principio, una trayectoria, y un desenlace marcados, algo de lo que adolecen la mayoría de las ficciones televisivas y que juega en favor de esta.

La historia cuenta a demás con el atractivo del realismo mezclado con la espectacularidad que necesita el medio cinematográfico. ¿Nunca os habéis preguntado que pasaría si un profesor de química cincuentón con cáncer se propusiese producir metanfetamina con un antiguo y problemático alumno? Pongo la mano en el fuego por algo parecido a lo mostrado en la serie (salvando la exageración que obedece al espectáculo).

La dirección de Vince Gilligan creará escuela y es el punto clave a la hora de valorar esta serie. Su ritmo narrativo, el uso de los colores, sus planos cargados de simbolismo (La mejor muestra de ello el capítulo Ozymandias) eleva lo que podría a ver sido calificado sobresaliente a una completa Obra Maestra.

Acomódate en el sofá, desconecta el teléfono y prepárate para sumergirte durante casi 2 horas en un descenso a los infiernos que te va absorbiendo y asfixiando hasta dejarte sin aire en los últimos 20 minutos.

Con una técnica apabullante, Aronofsky nos introduce en una historia rompedora en la que consigue que nos impacte tanto el que cuenta como la manera de contarlo ¡Y que manera! Pocas veces se ha sacado tanto partido al original uso de la cámara, que utiliza una interminable lista de métodos para colaborar en la narración. Mención especial a la utilización del plano detalle para hacer hincapié en las obsesiones de los protagonistas, que pasado ya a la historia del séptimo arte. Todo ello aderezado por la genial banda sonora de Clint Mansell y una fotografía genial que deja grabados en la retina fotogramas para el recuerdo.
Esta claro que el director usa trucos para inducirnos una sensación de angustia y desazón creciente pero ¿Es eso malo? ¿Acaso importa saber que un mago nos esta engañando para poder disfrutar del truco? Si el truco que me estan mostrando es tan bueno como este, bienvenido sea.

Este delirante viaje queda repartido en dos hilos narrativos, el protagonizado por Jared Leto y Jeniffer Connelly, que es el que menos innova, y el protagonizado por Ellen Burstyn, con un colosal papel merecedor de Oscar. Es en esta historia donde recae el mayor peso dramático de la cinta (mención especial para una escena a mitad de la cinta en la que encontramos la confesión de las motivaciones del personaje) y que mayor análisis subyace (1)
Los dos nos cuentan las múltiples caretas y caras de un sueño americano (más correcto sería decir occidental) que en conjunto dan una visión realista y devastadora de lo peor de las adicciones y tentaciones, los deseos más bajos y a la vez los más humanos.

Redonda película de ciencia ficción que comienza con una presentación en carne y hueso en la que Robin Wright lleva todo el peso de la cinta con una actuación soberbia. Quizás podrían haber recortado minutos en esta parte pues se sobreexplica en un concepto bastante sencillo, no por ello menos interesante, quizás para diferenciarse de una segunda parte en la que es difícil saber que está ocurriendo en todo momento.
Tras este preludio que servirá de contraste con el chaparrón de surrealismo que se nos viene encima, The Congress por fin alza el vuelo pasando a la animación, como no podía ser de otro modo, contándonos la historia de la gradual decadencia de una sociedad aburrida de la realidad y por ende de la vida.
Este pasaje onírico va cobrando fuerza a medida que pasan los minutos gracias a unos profundos diálogos y una animación propia de un Hayao Miyazaki totalmente desatado y sin barreras creativas.
El mensaje va evolucionando y metamorfoseándose hacia algo más holístico al mismo tiempo que los diálogos se vuelven complejos y el arte alcanza el cénit del surrealismo.
En resumen: El mayor ejemplo cinematográfico de como el diseño artístico puede mostrar una idea mejor que las palabras. En The Congress tú decides hasta donde expandir tu mente y como de lejos te puede llevar.