La directora y productora de Maracambo Venezuela afronta su tercer largometraje, en el que con esta película de estudio de bajo presupuestos, se acerca a la realidad de Mama-Cruz de una manera sutil y con cuidado de dotar de verosimilitud y comprensión su comportamiento. Esto hace que el papel de la abuela se convierta en el eje en torno al que se mueve está trama.de tono dramatico. Aunque la auténtica fuerza del guion está en su capacidad para globalizar los sentimientos de la protagonista, y construir un mensaje que reclama más atención hacia las personas mayores, las cuales siguen teniendo las mismas apetencias y deseos de cuando eran jóvenes.

Ortega logra trascender el relato costumbrista con este elegante y poderoso alegato sobre la sexualidad en la madurez femenina; la cual pivota primero sobre la mística para después derivar en una argumentación más humana: la sororidad como toma de conciencia; primero grupal, después individual. En ese aspecto, la narrativa, valga la paradoja, no da puntada sin hilo, apoyada en un buen guion.

Un libreto que abandona los lugares comunes y afronta con honestidad el despertar de Cruz una mujer introvertida que aborda los albores de la senectud sin interés alguno, descubriendo una salida emancipadora, que logra sacudir a su mundo familiar. Si bien al principio puede resultar un tanto lenta, ante la falta de diálogos, por el afán de mostrarnos su interior, según avanza va siendo más amena.
Pero al largometraje le falta temperamento, su propósito queda muy claro rápidamente y le cuesta conseguir mucha más profundidad.

La interpretación de Kiti Mánver domina toda la película con soltura y otorga poderío a este personaje femenino tan invisibilizado. Todos los demás personajes quedan muy engullidos, por lo que no tienen mucha más relevancia de lucimiento.

El metraje del realizador Barcelona Calparsoro impone desde el inicio un entorno humilde dañado por el paso del tiempo con la obligación de seguir adelante representado por un taxista y padre de familia que vive atormentado por un dolor del que se siente responsable y del que se agarra con fuerza para dotar de humanidad a su personaje. Pero la película gira radicalmente y rompe su perspectiva ante un atentado en la entrada del aeropuerto Adolfo Suárez de Madrid.

Es un largometraje con profundidad, al que se le percibe tener un objetivo marcado con ganas de hacerse con el espectador. No obstante hay un exceso de planos en movimiento y constantemente coreografiados que hace perder naturalidad para servir expresamente a una tensión que ya de por sí nos la daba el argumento. La composición narrativa permanece sólida en todo momento dando sensación de seguridad, pero el guion necesita de intensidad que ensalce más sus personajes y no se sientan fríos en situaciones donde piden a gritos un llanto desesperado o intranquilidad, necesita una trama más compleja e imaginativa que evite ciertas escenas un tanto infantiles.

Su director tiene oficio para salir de la zona de confort, así, aunque la credibilidad salte por los aires en algún momento de la trama y hasta pueda parecer en conjunto un anuncio de recursos digitales sobre la eficacia del sistema de alta seguridad, el filme resulta de gran disfrute ante su ritmo trepidante y las localizaciones familiares de la capital de españa .

No obstante hay lagunas en ciertas situaciones, como la de como introducen a Tosar inconsciente en Madrid, el que el servicio de seguridad no caigan en localizarlos por el GPS del móvil, o como un par de niños se hacen con el teléfono detonador, o el que la tención del terrorista localizado se haga de forma chapucera sin blindar la calle, son esos pequeños detalles que le hace perder un tanto.

La interpretación nos deja ver a un gran Tosar, al más puro estilo de la pelicula "Speed", cuenta con un chaleco explosivo, no pudiendo detenerse en ningún momento o el mismo explotará, dejando escenas memorables como la de caminata por Gran vía. Pero a pesar de contar del protagonismo del propio Luis y la gran Inma Cuesta, más que un thriller la película resulta por momentos una version de la cintas Estado Unidense, donde las fuerzas del estado no pueden permitirse cometer errores, pues todo lo demás puede resultar fatal.

Nos muestra una historia del inicio del movimiento LGTBIQ+ sevillano de 1977. Un colectivo homosexual local de aquellos días, su relación con otras luchas desde los movimientos obreros cristianos y su batalla en las calles por la derogación de la Ley de Peligrosidad Social, los cuales los mantenía en la marginalidad legal más allá de los armarios familiares y culturales.
Una historia contada con claroscuros, pero con talante positivo. Más bien parece contarnos un 'Cuéntame' centrado en la diversidad sexual. No obstante si bien está es la historia de Miguelito y sus aspiraciones a los diecisiete años, pero nos deja claro de que la verdadera protagonista es su madre, la Reme en ese patio andaluz, la mujer que empieza sintiendo vergüenza por la tendencia de su niño y, acabará como pieza social, en la que sobre todo es esposa y madre coraje que sabe sobrevivir al franquismo.
No es una película redonda ni llega lejos en su intento, pero sus personajes crean empatia, ríen, lloran, dudan, se revelan, cambian, y se abrazan como algo imprescindible. Eso al espectador le llega, aunque pasa por el filme de una forma deslavazada, que puede hacer que se confunda en sus intenciones, pero que acaba con una sonrisa del espectador, en este flashback histórico, en su cambio social. Lo más valioso que tiene la cinta es la verdad; cuentan una historia real en esa época.
El metraje tampoco acierta mucho en su tono, que varia entre la seriedad dramática impostada y unos apuntes cómicos, desvían la intensidad y el foco de la cuestión central y más potente de la cinta, que no es otra que esa relación materno-filial que, al margen de la condicin homosexual del hijo, se entiende en cualquier lugar y casi en cualquier contexto. No obstante es ese momento donde Ana Wagener vuelve a brillar una vez más con su buen hacer y su convicción en su personaje, de largo, lo más sólido de un filme que revela todas las limitaciones del cine español industrial a la hora de echar la vista atrás con un lenguaje y unas formas a la altura de los logros o la valentía de aquella época. Su narrativa divaga entre la salida de armario de Miguel y el momento histórico del movimiento LGTBIQ+, por lo que hace que se disperse, perdiendo solidez
Liderado por una maravillosa Ana Wagener, que se come la pantalla, como siempre. Además, el debut de Omar Banana es insuperable, demostrando que viene a por todas en su futura carrera cinematográfica. El elenco secundario es maravilloso, con una Alba Flores en su salsa y un Jesús Carroza espectacular. Los interpretes debutantes están maravillosos y no tienen nada que envidiar al resto del casting.
A nivel técnico la película destaca con un vestuario y un maquillaje magnífico que nos traslada a la época de los 70. La fotografía, la dirección artística y los escenarios están de diez, haciendo más grande aún esta cinta.

Un drama con una construcción de atmosfera opresiva, en la España rural de principios de los 70, duras mujeres que intentan salir adelante en el exigente mundo rural. De eso intenta hablarnos esta historia, de nacimientos y de abortos, de la compleja situación de la mujer enfrentada al hecho de la maternidad en un mundo patriarcal. Su directora y guionista Camborda ubica su relato en la Galicia profunda, esa que se abraza con Portugal de ida y vuelta y comparte miseria y solidaridad, hambre y ganas de vivir.

Se podía haber situado su historia en cualquier otro tiempo y, salvo por detalles de vestuario y atrezzo, y el largometraje conservaría intacta su reflexión y alma. Ese desgarro universal que ahoga e interpela a toda mujer al margen de su origen y situación, en la que se expone la maternidad, la feminidad la supervivencia, y la fatalidad, pues en esta historia las mujeres se ayudan sin pedir explicaciones, incluso cuando tender una mano pueda arruinarles la vida.

Es un metraje de pocas palabras que se recrea en el detalle y el mensaje en un ambiente triste y oscuro, y en el que intenta buscar su rayo de esperanza, con la que salir hacia adelante a pesar de la fatalidad. El guión se ajusta a códigos narrativos más reconocibles en el cine independiente español, con posibilidad de resultar ser más familiar e identificativo para el público.

Tiene un problema a tener muy en cuenta, la película no es capaz de huir de ciertos motivos visuales y conceptuales que en España nos suenan muy mascados,  los vemos en el contraste individuo/naturaleza, ciertas imágenes asociadas a la clandestinidad o la maternidad, por ejemplo. La suerte es que se va abriendo paso todo aquello que la hace también diferente y que Camborda ha conseguido proteger.

La película tiene tendencias conservadoras evidentes, pero por lo menos se atreve a retarnos, en la rima de su introducción y su desenlace final, además de varias secuencias brillantes y filmadas con precisión como la de apertura; la de la verbena; la fatídica, la de la taberna, en ellas esta la esencia a rescatar de esta película, que sin atreverse a romper ciertas cadenas, busca la forma de contar una realidad histórica y al mismo tiempo de interpelar al espectador actual. Una operación compleja, en la que se aúna fatalismo y optimismo que acaba saliendo. Quizás también al final le habría venido mejor, haber desarrollado más la decisión final que nos ofrece, ante el poder obtenido una mejor puntuación por mi parte.

El metraje biopic dirigido, guionizado , y protagonizado por Bradley Cooper,  el cual se centra  en la vida de Leonard Bernstein, el magistral creador, pianista, director, y compositor, forjador de nuevos pentagramas, judío homosexual estadounidense Neoyorquino nacido en Lawrence, Massachusetts,  y su sensible matrimonio con la actriz costarricense Felicia Montealegre, quien en el largometraje es interpretado por Carey Mulligan.
Si bien el filme se envuelve en la sensibilidad del matrimonio hasta la muerte de ella a los 56 años. La película refleja una imagen mundana, exprimiendo con plenitud su apasionante historia sin prejuicios con la música ante la filmoteca nacional de Nueva York, los musicales de Broadway, las fiestas chic en su penthouse, y su agitada vida homosexual, Bernstein confesó "No quiero ser como Toscanini que se pasó la vida estudiando y perfeccionando 50 obras. Me moriría de aburrimiento, quiero hacer lo que me apetece y me gusta". A mediados de los 80 un caso muy sonado fue el beso a Michel Jackson.
Aunque atendiendo a su vida real la cual fue bastante prolija, el largometraje deja en el tintero del guión, cuestiones donde ahondar, como su persecución por el llamado "macartismo" del FBI, ante su apoyo y simpatía al comunismo; su relación con los Panteras Negras como voz en contra del racismo, en el que recaudo fondos, ofreció conciertos gratuitos, y firmo muchas solicitudes de movimientos sociales; los tratamientos psicológicos y terapéuticos a los que se sometido, para mitigar su deseo homosexual, ante su fama como primer director usa nacido en el pais; fue criticado con menosprecio por los medios de comunicación, ante la ironía de defender la pobreza en fiestas de champán y caviar. Son cuestiones que la pelicula pasa en puntilla o deja de lado.
Destacar artísticamente la carectizacion tan buena donde se le nota han puesto bastante interés.
Su dirección heterodoxas ajustándose al manual del melodrama del cine estadounidense.
Las imágenes revelan la narrativa visualmente rica de la película, con escenarios que varían desde áticos hasta catedrales, empleando distintos encuadres y colores para contar la historia, en buen trabajo de producción.
No obstante llama la atención los momentos de vacuidad de la mirada, la consistente futilidad en la que la película se queda en la superficie de los conflictos que plantea. Las elipsis y los fuera de campo dan la impresión de estar marcados por la necesidad de endulzar algunas cuestiones, antes que por una exigencia narrativa. Las transiciones entre comedia y drama son poco elegantes y terminan conformando una película ciertamente bipolar, por lo que no parece querer afirmar a los personajes reflejados.
Si alguien destaca en la interpretación esa es Mulligan, pues resulta desgarradora, en la que igual pueda ser una de sus mejores interpretaciones que le recuerdo, pues logra transmitir mucha sensaciones sin esfuerzo, con contención y naturalidad. Cuestión que no logra Cooper, el cual no siempre logra en su personaje dotarlo de un carisma constante. El personaje Bernstein es bastante heterodoxo, pero es en su última escena donde esconde más secretos.Termino con la impresión de que su doble trabajo de interpretar y dirigir le termina pesando.