El cine francés está en un gran momento, constantemente nos están llegando historias sencillas, humanas, de situaciones y lugares cotidianos. Una muestra de este cine es ‘La Comunidad de los corazones rotos’ que nos presenta un extrarradio humilde en las afueras de una ciudad francesa, un edificio y un clima exterior gris, con nubes constantes, con aspecto frio y desangelado, al compás de las historias que nos cuentan, personajes solitarios, dispares y diferentes, que no parecen tener ni rumbo ni dirección. Solo las casualidades de las situaciones hacen que esa soledad y esa diferencia los unan y puedan compartir su sufrimiento para alcanzar cierto nivel de bienestar en sus vidas, dos personas rotas pueden crear un vínculo comunicativo que les haga sentir mejor, soportar la cruda realidad con una mirada un poco más optimista, ese es el punto de partida de esta fantástica película.

El director Samuel Benchetrit acierta plenamente en estas tres conmovedoras historias, que son capaces de trasladarnos desde la sonrisa más irónica al drama más emocional. Un guion solvente en cada una de las historias, surrealista por momentos, pero funcional, todas se desarrollan y finalizan con un mensaje optimista, poético y reflexivo. Hay que destacar las buenas interpretaciones del reparto, en especial Isabelle Hupper, Valeria Bruni y Gustave Kervern que brillan con intensidad. Su banda sonora es una delicia y el montaje final puede pecar de lento, de excesivamente pausado, pero merece la pena guardar paciencia para disfrutar de momentos llenos de amor y melancolía. Película pequeña pero con un gran mensaje final de optimismo en la lucha contra la soledad de nuestros tiempos.

Los referentes estéticos y visuales de ‘Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina‘ están claros, por encima de todo bebe de las fuentes de ‘Blade Runner‘ (1982)y ‘Matrix‘ (1999) pero no son las únicas, ya que films como ‘Días extraños‘ (1995) ‘Minority Report‘ (2002), y la reciente y maravillosa ‘Ex Machina‘(2015) están presentes en el apartado estético, visual, cibernético y Cyberpunk. En este aspecto el acierto es absoluto, la inmersión es definitiva, ya que el universo creado está a la altura de las expectativas, sumergiéndonos en un mundo hipnótico y atractivo con un Japón futurista con tecnología punta que convencerá al espectador. Las referencias sobre el anime parecen haber alcanzado solamente su punto de partida en el comienzo, según va a avanzando el metraje desparecen las reflexiones filosóficas y robóticas complejas que enriquecían la historia anime para simplificarlas, hacerlas más banales y comprensibles para el espectador medio, no se apuesta por un guion arriesgado en ese aspecto para no complicar la mente del espectador en exceso, es posible que los fans del anime se verán sensiblemente decepcionados en ese aspecto, pero al público en general no le pasara factura.

Ghost In The Shell: El alma de la máquina Japón visual 2029

Otro de los puntos fuertes es la acción, las escenas son realmente espectaculares y están rodadas con todo lujo de detalles, ya que por encima de todo han querido fortalecer este aspecto en detrimento de un guión más solvente, la acción se desarrolla a través de primeros planos combinados con con imágenes fijas, luego estas van recorriendo las tomas desde diferentes ángulos alejando la cámara para ver la amplitud global de las escenas, no pasa desapercibido ninguno de los aspectos que nos quieren mostrar porque se toman su tiempo en hacerlo, la agilidad de las mismas y el montaje sostienen durante todo el tiempo un ritmo perfecto en las escenas de acción.

Ghost In The Shell: El alma de la máquina Scartlett Johanson

El peso interpretativo recae sobre Scartlett Johanson de manera definitiva, en este aspecto es otro acierto, porque su papel lo hace creíble y solvente, se ha mimetizado perfectamente con el personaje y mantiene un gran nivel interpretativo en todo momento para la exigencia física que el proyecto requería, no hay peros en su actuación, a pesar de que hubo muchas dudas sobre si era la actriz adecuada para interpretar el papel, ya que tratándose de un film ambientado en Japón del 2029 muchos pusieron el grito en el cielo por no elegir a una actriz de origen asiático. Es curioso como en el género anime los japoneses alejan esos rasgos propios para dar una imagen más exterior, más global, por lo tanto, ese mismo mundo es el que vivimos también pasa con el reparto de la película. El americano Michael Pitt, la francesa Juliette Binoche, el japonés Takeshi Kitano o el danés Pilou Asbæk forman parte de este elenco multicultural y están correctos en sus interpretaciones en una película de este tipo. Se echa de menos más protagonismo de Takeshi Kitano al que podemos oír en el idioma japonés y le da más consistencia a la película. ‘Ghost in the Shell: El Alma de la Máquina‘ cumple su cometido, sus puntos débiles son su guion, algo de abuso del CGI y su desarrollo final, sus puntos fuertes Scartlett Johanson el apartados visual y la acción. Es ciencia-ficción de la buena, de la que se disfruta y deja buen sabor de boca.

http://elrincon.tv/cine/criticas/ghost-in-the-shell-del-mangaanime-hollywood-blade-runner-matrix/

Después de ver un inquietante trailer de escenas y que los miembros originales de la terrorífica Posesión Infernal, película de culto donde las haya con todo el merecimiento, venia con buenas expectativas, con un interés positivo hacia la película y pensaba que con los medios que hay ahora si bien no podrían llegar al encanto sí que podrían llegar a realizar una revisión con el ritmo y presupuesto que le faltaba a su antecesora.

Tras la introducción que nos sirven para que entendamos "los orígenes del mal", algo que su predecesora no necesitaba, nos sirven un batiburrillo de sangre, cortes, vísceras y movimientos de cámara que al ser tan excesivos y continuos, causan gracia, yo no pare de reírme y eso es algo muy grave en una película de terror, si te partes de risa y cada vez que pasa el tiempo te ríes más y más de la tomadura de pelo que estas viendo, de la falta absoluta de terror/miedo/intriga no queda mas remedio que ponerla en tu lista de las peores películas que has visto.

En fin, menos mal que nos quedan excelentes películas de genero y actuales como "Expediente Warren" para levantar el vuelo y quitarnos el mal sabor de una posesión, que ni es infernal ni es nada. Solo una autentica basura de película.

Pues me ha gustado muchísimo, este James Cameron siempre da en la diana conmigo y quitando "Abyss" que me parece flojita todas sus demás películas me han gustado muchísimo.

La verdad es que cuando vi las primeras imágenes y tráiler me parecía que se había pasado tela con el ordenador, demasiado digital la veía y eso que el mismo presumía que íbamos a quedarnos impresionados de la movilidad de los personajes y que iba a crear digitalmente los seres más humanos posibles. James comentaba que durante 10 años estuvo esperando a que hubiera la tecnología suficiente para poder empezar con su idea y que cuando vio el Golum de "El señor de los anillos" fue el punto de partida en avances tecnológicos digitales para empezar con su "aventura".

Esta película hay que verla en un buen cine para poder apreciar su grandeza. Yo la vi en la sala 25 Digital del Kineopolis de Madrid y quede absolutamente fascinado con esta historia sobre el planeta Pandora, que belleza de imágenes y que película de aventuras mas gozosa, creo que desde los Indiana Jones no había disfrutado tanto con este género, porque yo me esperaba mucha ciencia ficción, muchas naves y mucho espacio exterior, pero para nada, la mayor parte de la trama se desarrolla en el planeta, en localizaciones exteriores con muchos efectos especiales y cuando llevas 20 minutos te has olvidado de que lo personajes son digitales y disfrutas sin mas preocupación. Muy recomendable como digo verla en un buen cine o verla en 3D, desgraciadamente yo tengo un ojo vago y no puedo disfrutarla en este formato, pero supongo que el clímax tiene que ser impresionante.

La trama/guion se le pueda tildar de facilona, que lo es, pero a mí todo el rollo ecologista y esta lucha entre el bien y el mal sobre los recursos de un planeta me encanto y espero que aporte su granito de arena para levantar alguna que otra conciencia, aunque no lo consiga.

Necesaria revisión histórica sobre el levantamiento de la esclavitud en Virginia, situada en el sur de los EEUU en 1831. Estamos ante una película con escenas muy crudas y realistas, donde el sufrimiento de la raza afroamericana queda patente a través de diferentes fases, primero es la perdida de personalidad propia, luego viene la obediencia, no obstante, si las circunstancias así lo exigen toca someterse y si todas las anteriores no son satisfechas por el amo de turno, viene la violencia despiadada. De todo vamos a poder ver en la obra matter de Nate Parker que produce, dirige y protagoniza todo el peso dramático de la cinta dando vida a Nat Turner, que ha tenido la oportunidad de estudiar la biblia y puede predicar la palabra de Dios a sus semejantes, dotándole de una sensibilidad y una capacidad de liderazgo que por las circunstancias le harán pasar de esclavo a héroe. Lo podremos ver desde su niñez en un núcleo familiar humilde, carente de necesidades básicas, pero con el amor de su madre y su abuela que le proporcionan intensos valores. Ya desde pequeño se acostumbra a ver una sociedad hostil para con los de su raza, aunque unos amos con cierta nobleza de ideales le enseñaran a leer y formarse culturalmente, algo que definirá su vida en el futuro, pero antes ha de seguir el camino del trabajo en los campos de algodón, donde le tocara aprender rápidamente para adaptarse lo mejor posible.

Un film con una buena ambientación, con imágenes poderosamente impactantes y una excelente fotografía (Elliot Davis), sus interpretaciones son todas solventes y creíbles, pero por encima de todo destaca Nat Turner que prácticamente acapara todos y cada uno de los planos en su metraje. La película puede pecar de excesiva, de exageradamente violenta, pero habría que trasladarse a la época para ver que realmente ocurrían cosas así, solo hay que documentarse un poco para ver que sucedían escenas atroces.

Aunque el ritmo, la intensidad y la narrativa están bien llevadas durante tres cuartas partes de la película, es en su alegato final donde se desinfla, donde no convence. Su última media hora queda un poco difusa y dispersa, no parece haber acertado en la revuelta bélica de los esclavos, se ven acciones poco coordinadas, sin saber muy bien que se está atacando o que se está defendiendo. Sí que las secuencias finales vuelven a recuperar el tono dramático, reencaminando de nuevo la senda lógica. Su premio en el festival de Sundance y su éxito en Toronto no la han permitido coger la carrera de los Oscars, quedándose fuera de los nominados, no es una película para todos los estómagos, pero dignifica el significado de su título. ‘El nacimiento de una nación’, no es una obra cumbre ni un film notable, pero si es una buena historia que aporta y suma, cine de denuncia y solidaridad que hay que ver, más en estos tiempos que corren.