Tras la enorme decepción que supuso para las arcas de la ya reconocidísima Walt Disney Company el año 1940 con sus estrenos de "Fantasía" y "Pinocho", se tuvo que apretar el cinturón de cara a futuros trabajos que deberían sacarse adelante con mucho ingenio y ahorrándose lo superfluo. Éste es el caso de Dumbo, que costó algo menos de la mitad respecto a "Fantasía":superando los 2 millones de dólares la locura sinfónica y 900 000 la historia del elefante orejón. Lo que queda bien clarito es la nefasta experiencia que supuso para el organigrama superior de la icónica productora, el derroche de malabarismos formales y de pagos ingentes de derechos de autor inherentes a su anterior proyecto, que además no encandilaron precisamente,l o que trajo consigo una pérdida de salas vertiginosa. De hecho, nunca la división animada Disney sin contar a Pixar, ha vuelto a superar los 120 minutos de metraje para que no renacieran los viejos fantasmas, incluso Dumbo supera los 60 minutos por los pelos llegando así a la calificación de largometraje. Ahora sí recuperó parte de los esfuerzos sin inconvenientes ajenos a su calidad que dificultaran su transitar normal por las grandes pantallas, siendo su reestreno en 1949 un extra y no algo trascendente para cuadrar cuentas. Al gozar de escaso margen para elaborar un mosaico de paisajes, decorados y coreografías de ensueño, coherentemente se optó por centrar el film en el guión y en los personajes.
Observamos que entre este Dumbo y Pinocho hay similitudes varias:véanse los seres que acaban de nacer y que por su pintoresca naturaleza son objeto de burla y lucro por parte de quienes se cruzan con él y de "honradísimos" gerentes de shows respectivamente, una conciencia que les ayuda a encontrar su rinconcito en territorio comanche y una madre quizás no muy presente en lo físico, pero sí en el fondo de la cuestión.

Podemos calificar a Blancanieves y los Siete Enanitos como el primer blockbuster de animación de toda la historia. Walt Disney hasta entonces se había labrado un nombre como productor de cortos tan emblemáticos como las historias de Alicia o los Tres Cerditos, pero había que comprobar si su talento servía para sacar adelante un proyecto con tanto riesgo económico y artístico, y vaya si lo logró. No cabe duda que la actual reina de la animación, Pixar, toma como referente para potenciar su estilo inconfundible, la fantasía creativa, el carisma en los personajes y un desenfado plenamente disfrutable tanto por los nenes como por los que un día esperábamos a un gordinflón vestido de rojo con su zurrón lleno de regalos, elementos todos muy activos en este film que llevó al olimpo al genio del cual se dice que se conserva congelado. No obstante, el que hizo de Blancanieves un alegato de la limpieza como espectáculo y no como tortura, o plasmó una princesa alejada de su habitual tirantez respecto a la masa popular fue David Hand, que con su estado de gracia llevó a todo el mundo, con una frescura imperecedera 7 de las características que todo bicho viviente aúna dentro de sí, dispuestas a que las circunstancias las saquen al mundanal ruido. Con el ruido que hizo en todos los mass media de finales de los 30 acerca de un casi seguro fracaso en todos los sentidos, por la honorabilidad de la obra original de los Grimm y el que parecía excesivo coste por incluir la vanguardia técnica, convirtió a la bruja y al flirteo princesa/príncipe en clichés, que en el género infantil, como mucho, llegaron a un resultado digno. Respecto al desenlace, criticado por los puristas, servidor sintió que para combatir la envidia, que no la maldad pura, ¿qué mejor que un ritual que todo el mundo entiende sin excepción de razas,edad o condición social? El rencor genera más violencia, violencia que en los críticos años 30 era conveniente soterrar en propuestas más enfocadas a un público que demandaba la densa realidad.

En la vida en ocasiones los prejuicios hacen mucho daño a quienes los sufren y aunque no lo queramos notar, a los que se ven imbuídos por ellos, por las prohibiciones a las que le obligan estos acompañantes tan característicos de la sociedad contemporánea. Filmes como Interview demuestran que son innecesarias las gafapastadas eternas en cuanto a metraje que con demasiada asiduidad tenemos que tragarnos, por parte de aquellos que creen que lo saben todo de cada recoveco de nuestro alma imperfecta e incompleta. Esta película con sólo 80 y pocos minutos y yendo al grano desde el minuto 1 sin manierismos que nos hagan perder la atención de lo que el autor de turno nos quiere contar, pone de manifiesto que cuando por las circunstancias laborales/personales nos sentimos obligados a adentrarnos en ambientes que no hemos mamado desde nuestra infancia o adolescencia, aparece nuestro miedo a que la nueva experiencia desmonte todo en lo que habíamos creído y porqué no, atormentarnos con la gran y absurda burbuja en la que podríamos haber malgastado un buen trecho de nuestra vida. Para que el receptor de este universal postulado le dé al coco precisa de un trabajo actoral cuanto menos serio y un ritmo narrativo con el que no se quede k.o pero que tampoco emule al Tony Scott de turno, pongamos que lo adecuado es un clasicismo a lo Clint Eastwood o que evoque la teatralidad en cuanto a espacios e importancia de la palabra. Interview se acoge a esta última característica, nada plúmbea por el duelo cuasi del far west que mantienen el madurito que se cree dios por soportar las calamidades bélicas y la nena que se cree Hera porque la entrevistan en el Vogue. Excepcionalmente, Sienna Miller (esperemos que no sea flor de un día) compatibiliza a la perfección el desequilibrio del estrés de una estrella con la lucidez que suponemos le llevó al corazón de miles de fans y Steve Buscemi, un pelín por debajo de su complemento, representa apoyado por su demacrado físico a un aparente perdedor por la degradación que ha sufrido de sus jefes, que gana algo más importante que eso, con la solvencia de todo un veterano como es el caso.

Cuando 3 hermanos llevan un año sin dirigirse ni un mísero hola y adiós, lo único que queda es hacer un cambio de raíz en el destino vital de éstos. ¿Por qué no se puede producir en un marco en el que no hay más remedio que afrontar los problemas que han hecho posible tan indeseable situación familiar? Bueno, aquí el tendente a la comicidad estrambótica no entendible por muchos, entre los que me hallo, Wes Anderson, no pierde su estilo pero consigue ese punto no pretendiendo arrancar carcajadas, sino esbozar una sonrisa cómplice en el espectador. Esto lo considero altamente positivo en una historia con otras circunstancias comunes e individuales aún más oscuras, no demasiado proclives al cachondeo puro y duro.Se desdramatiza con una filosofía del carpe diem, no por ello desprovista con un recuerdo de aquellos regalos o instantes que en su día no valoraron de ningún modo, pero que en un viaje para analizar seriamente qué es lo que tienen que cambiar en sus desajustadas almas, adquieren una nueva dimensión por la que terceros pueden sentir cariño por los personajes. De los 3 protagonistas, me quedo de largo con Jason Schwartzman,que con sólo una mirada sin excesivos ademanes, deja sus intenciones al aire, no resultando nada grotesco su aspecto de bigotón, lo que tiene un mérito encomiable por parte del tipo (seguro que en ello influye que intervino en el guión). Owen Wilson puede descolocar por estar caracterizado en esta ocasión de tío responsable, pero ni mucho menos está hostiable como en la mayoría de los film en los que interviene, considerando a título personal que la mano de Anderson se nota de buena manera. El que está horrendo es Adrien Brody, a la altura de un Orlando Bloom de pacotilla, desganado,actuación alimenticia donde las haya y muy lejos del que disfrutamos en King Kong y el Bosque. Esperaremos a su Manolete con los brazos abiertos.

El tercer largometraje de Walt Disney trae el primer ejemplo de animación adulta, que bastantes años después reanimarían Dreamworks con su franquicia Shrek en especial, Focus y el maestro Hayao Miyazaki.
Se compone de hasta 8 piezas musicales clásicas que sustituyen casi por completo a la palabra, excepto en las presentaciones del narrador. Personalmente, disfruté sobre todo de "El Cascanueces" por lo embebido que está del espíritu tan particular de 2 tipos tan amables y odiables como Buñuel y Dalí, al cual Disney le propuso integrarse en el staff, y de "La Gioconda" por su juguetonería, picardía y transmisión de una alegría tan sana moral, física y mentalmente. Existe el atrevimiento de pretender reproducir una abstracción sin concesiones, la melodía de una obra paradigmática del Barroco alemán cual "Fuga" de Bach en fotogramas, de forma sorprendentemente muy fiel. "El Aprendiz de Brujo" supone un icono, eso sí, algo simplón en consonancia con las demás secciones, que se revalorizará comercialmente con el estreno para 2010 de una versión en imagen real con Nicolas Cage y Jay Baruchel como protas, producida a su vez por Jerry Brukheimer. Destacar, por último, el lirismo tan lleno de ira contenida, de aroma melancólico y de lluvia de sentimientos encontrados que lo mismo te transporta al Paraíso, que al peor de los infiernos, en los segmentos de Mussorgski y Schubert, muy impregnados del mejor Tim Burton, del Ingmar Bergman más oscuro y, por supuesto, del Expresionismo de Murnau.