El cine es muy curioso saben, es capaz de aburrirte, extasiarte, hacerte volar y como es el caso de Inside Out maravillarte. En un tiempo fílmico en el que pocas cintas le hacen a uno sentir de verdad, visionar esta película ha sido como volver a tener fe de nuevo. Fe en la originalidad creativa, fe en el buen hacer inventivo y fe en la fantasía. Y es que Pixar se está acostumbrando a tomar el papel de oasis en un desierto de atrevimiento cinéfilo. Un desierto lleno de superhéroes tediosos, explosiones sin sentido y cromas verdes.

La animación está de enhorabuena, otra joya ha salido a la luz y ésta luce como las mejores y más resplandecientes. La historia de Riley, una niña que debe mudarse a San Francisco debido al trabajo de su padre, conmueve. Y más aún si está orquestada por cinco de los personajes más enternecedores que recuerdo: Alegría, Miedo, Ira, Asco y Tristeza. Aunque el personaje de Alegría tiene un claro protagonismo en el film, todos realizan una aportación coral a la trama y nivelan la cinta con gags que emocionan y divierten a la vez. Se nos narra el crecimiento de Riley pero a unos niveles más extrasensoriales, lo importante en la película es la conexión entre lo que pasa dentro de la mente de la niña y la repercusión que esto tiene en la vida exterior. Ni más ni menos, asistimos al desarrollo emocional de una niña de once años, con todo lo que ello significa: rabietas, traumas, tristezas… Aún así nada hace a Riley una niña especial, podría ser cualquiera de nosotros. El extremo naturalismo nos fabrica una hacedera empatía personal con la joven.

Hay multitud de detalles a explorar en el largometraje: la aparición estelar del amigo invisible, con una enternecedora escena que si no le hace emocionarse debe saber que posee nieve en vez de sangre, los titulares del periódico de Ira, las secuencias en las que se muestran las mentes de otros personajes (principalmente el padre y la madre) entre otros y muchos más. A simple vista Inside Out es una de las cientos de películas que se han hecho sobre una joven que llega a una ciudad extraña sin amigos y sola, ahí esta la grandeza del film: ser original con un tema repetido hasta la saciedad. El paso de la infancia a la adolescencia que se presupone en Riley se enfoca aquí como un mero acto mental, se deja a un lado la propia personalidad de la joven ya que según parece, todo está en la mente.

Un punto a tener en cuenta es el detallado nivel de precisión con el que están narradas las distintas funciones del cerebro. El equipo creativo de Pixar, con Pete Docker y Ronaldo del Carmen a la cabeza, hacen un sensacional trabajo para dar verosimilitud a algo tan complejo como puede ser el funcionamiento de la mente humana.

Aunque vean que la película es etiquetada como “animación para niños” desconfíen. La profundidad que la cinta rezuma no está al alcance de los más pequeños pero, como si de una paradoja se tratara, serán los que más disfruten con ella. Pixar ha vuelto a la senda de las obras maestras y si Up, Wall·E y Toy Story nos habían quebrado el corazón, Inside Out ha puesto “del revés” nuestra razón.

Durante los siglos XVI y XVII los europeos matamos a cientos de miles de mujeres por su presunta relación con los gatos negros, las cabras satánicas, las escobas incendiadas y los calderos con ojos de tritón. Esta paranoia psicótica que recorrió los campos europeos, ha servido a los ávidos guionistas de todo el mundo para crear las más descabelladas historias sobre brujería que uno se puedan imaginar. Pero la obra de Eggers no se centra en los convencionales juegos de escoba y mujeres arrugadas que solemos ver, explica, sobre todo, el radicalismo puritano que estaba detrás de dicha psicosis.

"La bruja" cuenta la historia de una familia de protestantes norteamericanos que son expulsados de su colonia para adentrarse en lo más profundo del bosque. Allí descubrirán un mundo demoníaco que los acecha y los vuelve unos contra otros. La película, una de las grandes triunfadoras del Festival de Sundance del año pasado, planea entre el efectismo de Polanski y las confesiones heréticas de Dies Irae del maestro Dreyer. Al igual que Dreyer, el director hace enfrentar a los personajes por una culpa que se retroalimenta cada vez que la criatura Lucifer se muestra ante los ultracatólicos y asustados peregrinos.

Mención especial merece la excelente interpretación de Anya Taylor-Joy, al joven actriz asume toda la carga de terror en un rostro que, sin verruga, representa los más oscuros estigmas de la bruja moderna. La lucha interior del personaje, entre la explícita locura religiosa de sus padres y la fortaleza de una bruja con orejas de conejo, llevan a la actriz hasta su máximo ofreciendo imágenes estimulantes.

Eggers hace que sus personajes se acusen los unos contra otros en un bucle de culpa y temor a una bruja que se representa en forma de mujer, cabra y gemelos. Las represiones de una fe puritana, la carga psicológica de la culpa, la excelente ambientación peregrina, un guión inteligente y un respeto por el género que es de agradecer, hacen a "La Bruja" un filme con personalidad que debería servir de refresco para el cine de terror, casi siempre manido y poco arriesgado.
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El simple hecho de atreverse a adaptar la obra de Lorca ya es un acto de descaro innegable. La película de Paula Ortíz es un canto a la belleza desasosegaste de la mujer del sur: pasional, sangrienta, provocativa, sumisa, destructiva, tradicional y sexual encarnada con brillantez por Inma Cuesta. La película nos plasma la obra “Bodas de Sangre” en noventa minutos incluyéndonos todos los amores, celos, pasiones, emociones y sobre todo traiciones. Con paso firme y hacia un final anunciado, se sigue una dinámica “in crecendo” de angustia estilística al contemplar las pasiones a flor de piel. El ambiente y los actores obligan al espectador a entrar en un ambiente poético donde el amor se eleva y los instintos se desatan.

El teatro “lorquiano” está llevado al extremo con una rigidez formal que agota a los sentidos del espectador. Ni un segundo tiene el público de pausa en esta orgía de sentimientos descorazonadores. Aunque esta historia nos la han contado multitud de veces, Ortiz consigue darle a la cinta un empuje teatral mágico. Los temas de Lorca son intensamente tratados: la luna, el caballo, la tradición, la sangre y sobre todo el clima de una sociedad surrealistamente real que aflige al espectador.

Los versos del maestro duelen en las bocas de los actores, no hay exceso de patetismo en ello, todo sale con naturalidad, el maravilloso ambiente ayuda. Todo huele duende en una producción provocativa de música cautivadora. Mención especial merece Gavasa y su mágnifica interpretación de suegra del sur. Un sur que en manos de la directora exhibe una belleza poética, un sentido teatra poco visto en nuestro cine. No se pierdan la “tarara” al son de una guitarra junto al fuego de “Bodas de Sangre”. Quema la magia y los mitos se ciernen en un crisol de cenizas y dolor que a muchos espectadores conmoverán y a otros aburrirán. Los primeros saldrán con ganas de leer a Federico, los segundo jamás lo vuelvan a leer.

Con acordes de guitarras esta experiencia de cine oriental con sede en Oregón se presenta como una de las más ambiciosas y originales películas de animación de la temporada. Kubo es magia, portentosa metáfora de las emociones familiares con una profundidad que deja muy atrás a sus competidores más directos.

La cinta de stop motion cuenta la historia de Kubo, un joven muchacho que alberga en su interior una terrible maldición perpetrada por su propio abuelo. Para combatirlo solo contará con la protección de su madre y de un compañero muy particular en forma de escarabajo gigante. Los personajes se mueven en una suerte de sensibilidades fraternales para con Kubo trasmitiendo una calidez que traspasa la pantalla. Una calidez que se diferencia de los primeros acordes de la película, más fríos y desasosegantes. Los toques de humor hacen las delicias del público más infantil que no entenderá los matices metafísicos de una cinta que, sin abandonar lo buen rollista, muestra al espectador adulto una verdadera leyenda homérica sobre la intervención de los dioses en el mundo terrenal. Esta dicotomía entre oscurantismo épico y buenas intenciones infantiles va acompañada por un conjunto de imágenes y que revelan a Kubo como una de las grandes películas de animación del año.

Ambientada en el Japón medieval, Kubo ofrece una combinación entre sólidos preceptos de moralidad asiática, el arte del origami y samuráis tirando flechas. Una historia en planteamiento simple, con el héroe clásico que es acompañado por unos secundarios en un viaje que le lleva a encontrar su destino pero a esto hay que añadir una animación en stop motion que deja imágene impresionantes que reflejan el talento de su creador.

Travis Knight firma su primera y mejor obra de todo el estudio Laika, y lo hace en un momento en el que la animación estadounidense sufre de una multipolarización en lo que a temas y autores se refiere. Luz y oscuridad se unen con los acordes de la guitarra de un personaje valiente pero alejado del héroe común seguro y altivo. Kubo tiene miedos, siente la pérdida de sus padres pero es capaz de alzar el perdón como la gran paradoja de la película.

Con un fondo rojo pasión la nueva película de Almodóvar se muestra más sutil que nunca en un drama lleno de intensidad narrativa, sosegamiento estilístico y sentimientos encontrados. Como no podía ser de otra forma, un excelente reparto de mujeres rodean al manchego en su huída por los libros de Alice Munro.

La historia de Julieta, una mujer embargada por la culpa, que recuerda su pasado tras encontrarse con Beatriz, la mejor amiga de su perdida hija embriaga al espectador inundando la pantalla con una nada vacía y bella. Llena de situaciones insólitas que rozan el lado más onírico del cine, la cinta renueva el drama insólito de los gestos. Nada es aclarado pero todo se puede relacionar en una película de gracia inherente a la propia exquisita visibilidad de la misma. En un viaje en tren hacia el abismo de la culpa, Julieta explora los lugares más siniestros de nuestra mente en los que se encuentra el abandono como eje principal y articulador de toda la historia. Emma Suárez y Adriana Ugarte dan vida a un personaje extrañamente usual que respira hermetismo moviéndose por las inusuales formas de la mente del sapiens en lo que a las relaciones personales se refiere. Julieta está salida de la nada, una nada que se presenta en la película en forma de ciervo majestuoso, enhiesto y pedigüeño. Julieta camina por las nieves de una vida que le vino por el azar, el azar de encontrarse a un suicida en un tren, el azar de enamorarse de un misterioso bonachón del norte y el azar de concebir a su hija Ayden.

Hay algo de nada en el propio azar, nada es lo que controla Julieta de su propia vida. Ni su hija, ni su relación con su padre ni siquiera su relación con su marido. Precipitándose a lo desconocido, Julieta el personaje se mueve en las olas profundas de la vida, sin un derrotero específico y sin que parezca que le importe lo más mínimo.

Julieta la película es un viaje visual con remitente, una gozada de colores reprimidos que se recuerdan con actrices sobresalientes. Otra muestra del indudable talento del director Almodovar. Menos histriónico y alejado de su faceta festiva, el director más internacional de nuestro cine se muestra maduro y agridulce. El creador de la nada y la culpa no contentará a muchos pero ofrece en su Julieta tornasol de vivacidad culpable.