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Rep. Dominicana La usurpadora
432
11 de julio de 2011
21 de 21 usuarios han encontrado esta crítica útil
Al parecer (porque la mayoría de su obra sigue siendo inaccesible para muchos cinéfilos) John M. Stahl fue uno de los primeros grandes directores del melodrama sonoro de Hollywood, y durante mucho tiempo ha sido más conocido entre los cinéfilos de a pie porque Douglas Sirk rehizo un par de sus películas que por sus propios méritos (descontando, quizás, “Que el cielo la juzgue”). Afortunadamente este problema se está solventando, y recientemente ha sido editada “La usurpadora”, por lo visto su primera llamada de atención sobre lo mucho que tenía que ofrecer en el género.
Y verdaderamente, “La usurpadora” ofrece ya mucho: Stahl filma esta historia, sobre una mujer que se ve convertida, a su pesar, en “la otra”, la querida de un hombre casado, con una contención y sobriedad casi ascética. Y es que aunque el adjetivo “melodramático” suele usarse en sentido peyorativo, no tendría por qué ser así cuando el melodrama sirve, como en esta ocasión, para la reflexión reposada y genuinamente conmovedora sobre situaciones dramáticas, en lugar de buscar la manipulación emocional y las lágrimas como fines en sí mismos.
Así, con una dirección de actores que tiende mucho más al naturalismo que otros productos de la época (excelente, como casi siempre, la Dunne), con muy pocos primeros planos (salvo en el crescendo final), con un uso muy austero de la música, con una planificación que acentúa lo cotidiano y reposado sobre lo excesivo o trágico (incluso en situaciones que se prestarían al desmelene, como la escena en la que una mujer se quema su propio vestido), la historia va dejando un poso melancólico y va tejiendo un discurso más preocupado por las consecuencias de las elecciones vitales de los protagonistas, y por la descripción minuciosa de las ideas y sentimientos que causan esas decisiones, que por subrayar los momentos claves en que esas decisiones son tomadas, que es lo que haría un director más inclinado hacia ese sentido peyorativo que a veces tiene el término “melodramático”. Hay una escena mágica, con los protagonistas sentados en silencio en la mesa de un restaurante, que sirve solamente para reposar los sentimientos y darle el peso necesario a lo sucedido, en lugar de para hacer avanzar la trama de manera convencional.
Toda esa contención sirve para poner el acento en los aspectos más interesantes del drama: qué lleva a alguien a aceptar una vida como la de los protagonistas (y lógicamente aquí Stahl deja ver, aunque sin ponerlo en el centro como haría Sirk después, todo el contenido de crítica social que el melodrama tiene cuando se hace bien), y qué sentido último tiene una vida vivida así, en el “callejón de atrás” del título original, preguntas que hacen de los últimos minutos algo emocionante y trascendente. Siempre y cuando, claro, a uno le guste el melodrama cuando es sólido, riguroso y reflexivo. Los fans del melodrama más gritón igual se quedan fríos.
Y verdaderamente, “La usurpadora” ofrece ya mucho: Stahl filma esta historia, sobre una mujer que se ve convertida, a su pesar, en “la otra”, la querida de un hombre casado, con una contención y sobriedad casi ascética. Y es que aunque el adjetivo “melodramático” suele usarse en sentido peyorativo, no tendría por qué ser así cuando el melodrama sirve, como en esta ocasión, para la reflexión reposada y genuinamente conmovedora sobre situaciones dramáticas, en lugar de buscar la manipulación emocional y las lágrimas como fines en sí mismos.
Así, con una dirección de actores que tiende mucho más al naturalismo que otros productos de la época (excelente, como casi siempre, la Dunne), con muy pocos primeros planos (salvo en el crescendo final), con un uso muy austero de la música, con una planificación que acentúa lo cotidiano y reposado sobre lo excesivo o trágico (incluso en situaciones que se prestarían al desmelene, como la escena en la que una mujer se quema su propio vestido), la historia va dejando un poso melancólico y va tejiendo un discurso más preocupado por las consecuencias de las elecciones vitales de los protagonistas, y por la descripción minuciosa de las ideas y sentimientos que causan esas decisiones, que por subrayar los momentos claves en que esas decisiones son tomadas, que es lo que haría un director más inclinado hacia ese sentido peyorativo que a veces tiene el término “melodramático”. Hay una escena mágica, con los protagonistas sentados en silencio en la mesa de un restaurante, que sirve solamente para reposar los sentimientos y darle el peso necesario a lo sucedido, en lugar de para hacer avanzar la trama de manera convencional.
Toda esa contención sirve para poner el acento en los aspectos más interesantes del drama: qué lleva a alguien a aceptar una vida como la de los protagonistas (y lógicamente aquí Stahl deja ver, aunque sin ponerlo en el centro como haría Sirk después, todo el contenido de crítica social que el melodrama tiene cuando se hace bien), y qué sentido último tiene una vida vivida así, en el “callejón de atrás” del título original, preguntas que hacen de los últimos minutos algo emocionante y trascendente. Siempre y cuando, claro, a uno le guste el melodrama cuando es sólido, riguroso y reflexivo. Los fans del melodrama más gritón igual se quedan fríos.
5 de agosto de 2011
21 de 24 usuarios han encontrado esta crítica útil
Excelente melodrama realizado por el especialista John M. Stahl (1886-1950). Escrito por Gene Fowler, Ben Hecht, Gladys Lehman y Lynn Starling, adapta la novela “Back Street” (1931), de Fannie Hurst. Se rueda en los Universal Studios (Universal City, L.A, CA) con un presupuesto modesto. Producido por Carl Laemle para Universal Pictures, se proyecta por primera vez en público el 1-IX-1932 (EEUU, preestreno). La acción dramática tiene lugar en Cincinnatti (Ohio), NY y París entre 1907 y 1932 aproximadamente.
La protagonista es Ray Schmidt (Dunne), hija de un tendero de origen alemán, establecido en Cincinatti, viudo y casado en segundas nupcias. Ray es de carácter independiente, liberal, vitalista, alegre e inteligente. No se deja dominar por la madastra, autoritaria e intrusiva. Tiene éxito con los hombres de su edad y mayores, pero se mantiene soltera a la espera de encontrar el amor de su vida. Le gusta acudir a los bailes que organiza la Cervecería Rhin. Mantiene una buena amistad con el joven Kurt Shendler (Meeker), trabajador, serio, servicial, amable, soñador y ambicioso, que regenta un negocio de venta y reparación de bicicletas y forma parte de la colonia alemana local. En la estación del tren conoce al joven Walter Saxel (Boles), de Hamilton, apuesto y elegante, que acude a visitar a su prometida, la hija de los Travers. Freda (Clyde) es la hermanastra de Ray, que confía más en ésta que en su madre sobreprotectora y absorbente.
El film desarrolla una narración contenida y sumamente austera, que se apoya en gran medida en la exploración serena y equilibrada de los sentimientos internos de los personajes. Se interesa por su mundo interior de afanes, deseos, frustraciones, alegrías, ideas y esperanzas. Evita las expresiones desmelenadas, arrebatadas y desmesuradas de dolor, desesperación, pasión y amor, para focalizar la atención en el análisis de los sentimientos humanos que se manifiestan a través de la mirada, los silencios, pequeños gestos y la expresión corporal espontánea y natural de los actores y actrices. Los diálogos son breves y las intervenciones casi lacónicas, pero claras y terminantes. Nadie dice una palabra más alta que la otra. La acción avanza con elegancia, equilibrio y una sobriedad sorprendente y muy gratificante.
Al servicio de la narración, el realizador hace uso con sentido de la oportunidad y de la fuerza expresiva de figuras como la elipsis, el sobreentendido y el fuera de campo, que complementa con sugerencias e indicaciones sutiles y bien templadas. El resultado es un trabajo sólido, exquisito, sensible y cautivador. Refuerza la potencia del film con una soberbia economía de medios que evita lo accidental y lo accesorio para explicar solo lo que es esencial y realmente significativo.
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La protagonista es Ray Schmidt (Dunne), hija de un tendero de origen alemán, establecido en Cincinatti, viudo y casado en segundas nupcias. Ray es de carácter independiente, liberal, vitalista, alegre e inteligente. No se deja dominar por la madastra, autoritaria e intrusiva. Tiene éxito con los hombres de su edad y mayores, pero se mantiene soltera a la espera de encontrar el amor de su vida. Le gusta acudir a los bailes que organiza la Cervecería Rhin. Mantiene una buena amistad con el joven Kurt Shendler (Meeker), trabajador, serio, servicial, amable, soñador y ambicioso, que regenta un negocio de venta y reparación de bicicletas y forma parte de la colonia alemana local. En la estación del tren conoce al joven Walter Saxel (Boles), de Hamilton, apuesto y elegante, que acude a visitar a su prometida, la hija de los Travers. Freda (Clyde) es la hermanastra de Ray, que confía más en ésta que en su madre sobreprotectora y absorbente.
El film desarrolla una narración contenida y sumamente austera, que se apoya en gran medida en la exploración serena y equilibrada de los sentimientos internos de los personajes. Se interesa por su mundo interior de afanes, deseos, frustraciones, alegrías, ideas y esperanzas. Evita las expresiones desmelenadas, arrebatadas y desmesuradas de dolor, desesperación, pasión y amor, para focalizar la atención en el análisis de los sentimientos humanos que se manifiestan a través de la mirada, los silencios, pequeños gestos y la expresión corporal espontánea y natural de los actores y actrices. Los diálogos son breves y las intervenciones casi lacónicas, pero claras y terminantes. Nadie dice una palabra más alta que la otra. La acción avanza con elegancia, equilibrio y una sobriedad sorprendente y muy gratificante.
Al servicio de la narración, el realizador hace uso con sentido de la oportunidad y de la fuerza expresiva de figuras como la elipsis, el sobreentendido y el fuera de campo, que complementa con sugerencias e indicaciones sutiles y bien templadas. El resultado es un trabajo sólido, exquisito, sensible y cautivador. Refuerza la potencia del film con una soberbia economía de medios que evita lo accidental y lo accesorio para explicar solo lo que es esencial y realmente significativo.
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SPOILER: El resto de la crítica puede desvelar partes de la trama.
Ver todo
¡Patos!
4 de marzo de 2013
11 de 11 usuarios han encontrado esta crítica útil
Cine sin artificios ni adornos innecesarios, "La usurpadora" es una película que roza lo sublime, simple, directa y emocionalmente brillante. Cuenta una historia de amor, donde (no nos engañemos) el director ha querido plasmar una historia atemporal; y lo ha conseguido. Con una interpretación magnífica de Irene Dunne y una realización tan discreta como concisa, John M. Stahl consigue dejar para la historia de sus películas, un drama por el que no pasa el tiempo y a la altura de lo mejor que podemos ver de Douglas Sirk. Una película desconocida, una joya escondida entre lo mejor que uno pueda encontrar de las historias de amor en el cine clásico....(o no).
10 de marzo de 2016
6 de 6 usuarios han encontrado esta crítica útil
Solidez. Palabra sencilla y a la vez difícil de atestiguar al ver innumerables realizaciones que se anteponen el título de drama sin caer en la táctica de la lágrima fácil o las situaciones superpuestas. Stahl, con una visión y un toque de aplaudir, consigue llevarnos a través de esta historia de amor subyugado y de sacrificio, por los vericuetos de la intimidad de los sentimientos y las emociones de forma exquisita y delicada, apoyado en la coherencia de situaciones y tiempo del argumento, además de las actuaciones, sobretodo de la colosal Irene Dunne. La historia de Ray (Dunne), una mujer que como muchas, nos recuerda que la vida no es un camino de rosas y que los finales no son siempre felices, aún más si a conciencia se toman decisiones consientes con el corazón pero en contravía con la razón, como ella lo hace, sacrificando literalmente su felicidad en pos de una relación, la relación de su vida, con un hombre casado. Como siempre, nunca me ha interesado contar apartes del film para decir lo que opino de la película, por el sólo hecho de contribuir a que, tanto los antiguos o nuevos cinéfilos se tomen el tiempo de dejarse sorprender y puedan disfrutar de un trabajo, excelente como éste, y sacar sus propias conclusiones. Simplemente, dejarse llevar y transportarse para entender a éstos personajes que retratan situaciones que pueden ser más comunes de lo que parece sin importar la época o la cultura, y mucho más, si es una película de hace ya más de ochenta años pero que conserva sobre todo la frescura y limpieza que la encuadran dentro de las joyas por valorar y descubrir. Mérito de un cuidadoso argumento. Méritos de un elegante Stahl. Mérito de una inolvidable Dunne.
6 de diciembre de 2021
5 de 5 usuarios han encontrado esta crítica útil
Tildo de indignante la historia que nos cuenta este película no porque sea de calidad pésima sino porque el proceder de los protagonistas, es decir, la relación amorosa que mantienen a lo largo de más de dos décadas, por muy realista o verosímil que pueda resultar (a mí, al menos, sí me lo resulta), pone demasiado a prueba nuestra comprensión de la debilidad humana, y en especial nuestra capacidad de comprender la inmensa capacidad (valga la redundancia) de amar abnegadamente a un hombre egoísta que puede llegar a albergar el corazón femenino.
Entiendo perfectamente a los espectadores actuales, sobre todo si son jóvenes y mujeres, que se rebelan contra esta historia por esa misma sumisión de la mujer enamorada, que casi llega a lo abyecto, rechazo que hasta les mueve a desdeñar los méritos artísticos de la realización, pero la parte final, y me refiero sobre todo a las dos o tres últimas escenas, la debe redimir absolutamente. De pocas películas puede decirse con tanta justicia que tenga un final tan sublime y conmovedor, capaz de situar al amor, al amor verdadero de hombre y mujer, muy por encima de cualquier juicio moral, ético o, como se diría ahora, "de género".
Entiendo perfectamente a los espectadores actuales, sobre todo si son jóvenes y mujeres, que se rebelan contra esta historia por esa misma sumisión de la mujer enamorada, que casi llega a lo abyecto, rechazo que hasta les mueve a desdeñar los méritos artísticos de la realización, pero la parte final, y me refiero sobre todo a las dos o tres últimas escenas, la debe redimir absolutamente. De pocas películas puede decirse con tanta justicia que tenga un final tan sublime y conmovedor, capaz de situar al amor, al amor verdadero de hombre y mujer, muy por encima de cualquier juicio moral, ético o, como se diría ahora, "de género".
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