"La última noche", una historia realmente conmovedora, cuenta las últimas horas antes de entrar en prisión de Monty Brogan, condenado a siete años por tráfico de drogas, un joven aparentemente normal que alcanza el éxito por la vía rápida y fácil, que se adentró de forma estúpida en un mundo siniestro y peligroso y ahora ha de pagar por ello.

En esas últimas horas, acompañado en diversos momentos por su padre (Brian Cox), su pareja (Rosario Dawson) y sus dos amigos de juventud (Phillip Seylour Hoffman y Barry Pepper), le pasa toda la vida por delante, asume la realidad del pozo sin fondo en el que ha caído y de como estaba tan cerca y a la vez tan lejos de sus seres queridos. La irresponsabilidad y la soberbia de la juventud que le hizo pensar que era indestructible lo lleva a una realidad desoladora, incluso más que por el hecho del castigo que le espera, por la conciencia de que ya es demasiado tarde y de que todo se podría haber evitado mucho antes de forma relativamente sencilla.

Monty asume que es el único y total responsable de su destino sin posibilidad alguna de redención, una realidad realmente insoportable, una desesperación irracional que explota a través del brutal monólogo (muy Spike Lee) fuck you frente al espejo del baño donde estaba cenando con su padre.

La película muestra también definitivamente como ninguna otra toda la depresión de un fantasmagórico New York post 11 de septiembre, impregnado de pesimismo y sueños truncados.
Fantástico Edward Norton, como casi siempre, así como la música del trompetista de Nueva Orleans Terence Blanchard (habitual colaborador de Spike Lee). Y grande Lee con su habitual pericia en el hábil retrato de los personajes, con escasos pero muy bien insertados flashbacks y una narración concisa y siempre más más atento a las preguntas que a las respuestas.

"Una de la cosas que tenemos en común es que escuchábamos las mismas emisoras, esas estaciones X de México que eran ilegales en Estados Unidos, pero pasaban mucho blues: Freddie King, Albert King, Muddy Waters, Howlin' Wolf. Nosotros sin conocernos habíamos crecido los mismos programas y estábamos muy influenciados por ellos. Eso nos encantaba, pero también amábamos el rock'n'roll, nunca dijimos que éramos una banda de blues. Sólo interpretábamos blues." Dusty Hill

"Tomaron los licks del blues y tocaban rock'n'roll, con sus amplificadores grandes y su batería ruidosa. Era la combinación de esos licks de blues, ese sonido único de sus amplis y las letras. Entones ZZ Top toca blues pero no canta blues. Hacen del blues música para fiestas." Robin Hood Brians

"ZZ Top: That Little Ol' Band from Texas", de Sam Dunn, uno de los mejores documentales musicales que he visto en los últimos años. Estrenado en 2019, un par de años antes del fallecimiento de Dusty Hill, narra la historia de la banda a través recuerdos y experiencias de los tres protagonistas con muy buen tono y de forma concisa y entusiasta, centrándose en lo realmente importante: la música, el origen (imágenes fantásticas de 13th Floor Elevators y The Moving Sidewalks), las influencias y un buen puñado de jugosas anécdotas.

Con grabaciones en estudio para la ocasión, se aportan pinceladas muy discretas y limitadas de tipos como Joshua Homme, Dan Auerbach o Billy Bob Thornton, así como colaboradores de la banda como el técnico de sonido Robin Hood Brians. Se recuerda y se hace justicia al manager que los acompañó toda su carrera hasta su fallecimiento (Bill Ham) y se dan detalles de eventos tan cruciales como el Texas Worldwide Tour, el contrato con Warner, el origen de las barbas, la publicación de "Tres Hombres" o la irrupción de la MTV.

Una gozada esta película para los fans de Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard, tres tipos discretos (cuatro con Bill Ham) que consiguieron desarrollar una fantástica carrera juntos durante más de cinco décadas, todo un ejemplo. Máximo respeto.

California Split (1974). Previa a la mastodóntica "Nashville", "California Split" es un retrato del mundo del juego a través de las andanzas de dos jugadores, Charlie y Bill, interpretados por Elliott Gould y George Segal. Al igual que en "MASH". "Un largo adiós" o "Ladrones como nosotros" una historia de amistad ocasional y complicidad entre perdedores y un ácido retrato de una polémica fracción de la sociedad americana.

Charlie es desenfadado y espontáneo, un tipo que disfruta de su adicción tanto si gana como si pierde, vive para el juego y no pretende ocultarlo, acepta de buena gana su maldición. La vida monótona y aburrida de Bill ha entrado en franco declive, se adentra en mundo desconocido y peligroso, pero que le resulta claramente excitante y encuentra en el juego y en en Charlie un nuevo estilo de vida que le sirve de escape. Una película divertida, a veces grotesca (gracias en buena parte a la fantástica presencia de Gould) que se beneficia, en buena parte gracias a los dos personajes femeninos (Ann Prentiss, Gwen Welles), de un tono realista y auténtico en las escenas cotidianas. Con tres segmentos realmente brillantes rodados con tono austero, casi documental empleando escenarios y jugadores reales: el primero en la partida de póquer inicial, después visita al hipódromo y el final en el casino de Las Vegas. Altman no está interesado en mostrar la emoción o el suspense de las partidas de póquer o las carreras de caballos, sino cómo afecta todo esto a la vida de un ludópata, como su compulsión lo lleva a abandonar una cita con una mujer o el trabajo para acudir a jugar.

Para algunos no queda clara la intención de Robert Altman y del guionista Joseph Walsh (con una vibrante aparición en una escena del film como prestamista), incluso se les acusó de practicar cierta exaltación del mundo del juego que en aquellos años en USA era una verdadera lacra (lo sigue siendo, claro). Creo que Robert Altman es un potentísimo narrador que siempre muestra y pocas veces juzga, lo cual siempre es de agradecer. En California Split la tragedia está perfectamente expuesta.

Bueno, pues unas palabrejas sobre MANK, la película de David Fincher que tanto nos está gustando a la muchachada. Ya sabéis, el proceso creativo que dio lugar al guion de "Ciudadano Kane" firmado por Herman Mankievicz... y por Orson Welles, de forma más o menos honesta según versiones lo que supone quizá el punto de conflicto más elevado del film (por ejemplo, Bogdanovich defiende que Welles participó de forma muy activa en la elaboración del guion). Pero la película pasa de puntillas por este debate y, de forma muy astuta, también por Orson Welles y por el rodaje de la película, esto corresponde a otra historia.

Estructurada mediante una sucesión de flashbacks que salpican y alimentan el hilo principal con las semanas que Mankievicz pasó en reclusión doméstica escribiendo el texto. Es en estos flashes donde está el meollo, donde se cuenta su relación con William Randolph Hearst, con su "lacayo" Louis B. Mayer y con Mario Davies y se muestra la época dorada de los estudios de Hollywood, los años 30. Cine dentro de cine, pero no tan deudora de "Cautivos del mal" (pese a los flashbacks) o de "El juego de Hollywood" de Altman, sino más bien de "El último magnate" o, claro, "Barton Fink".

Tan sensacionales son algunos de esos viajes al pasado (1933 y 1834) de la película (como la primera velada en casa de los Hearst con el paseo nocturno con Marion Davies, la brutal secuencia de la cena de disfraces en la que Mankievicz aparece muy borracho, el momento el la que el cínico Mayer ofrece un recorte de sueldos a su familia de la Metro o, mi escena favorita, la cachonda visita de los guionistas al despacho de David O. Selznick para contarle el proyecto en el que estaban trabajando) que pareciera que el hilo principal queda muy ensombrecido, muy falto de la chispa que tienen las otras escenas. Por ejemplo, la relación que se establece entre Monk y la mecanógrafa interpretada por Lily Collins queda un tanto descafeinada.

Gary Oldman interpreta a un Herman Mankievicz inteligente, brillante y subversivo, un rebelde que plantó para al orden establecido y que pagó las consecuencias con el ostracismo, no sin antes ajustar cuentas con su libreto de Ciudadano Kane. ¿Cuánto de verdad y cuánto de leyenda? Ni el propio Fincher lo desvela, el guion original de Mank se basa en el trabajo de investigación de su padre, trabajo que nunca pudo culminar en vida.

‘ELVIS UNLEASHED’ (STEVE BENDER, 2019)

A estas alturas era difícil de creer que ‘Elvis Unleashed’ pudiera incluir algún material extra que no se conociera con anterioridad y no estuviera incluido, por ejemplo, en la edición deluxe del pack Elvis: ’68 Comeback Special. Pero qué diablos, eso es lo de menos para cualquier aficionado; menuda gozada verlo, escucharlo y disfrutarlo en pantalla grande, ha sido una experiencia realmente inolvidable. Y si no me equivoco la primera vez que ocurre al tratarse originalmente de un programa de televisión.

«Elvis Desatado» (magnífico título) se inicia con un episodio documental que sirve de presentación al show original, dirigido por el crítico musical del LA Times Randy Lewis y que cuenta con la presencia de Dennis Quaid y Jade Jackson que hablan sobre The King e interpretan algunos temas clásicos de Elvis (da gusto ver en qué buena forma se encuentra Randy Quaid, por cierto). Y lo más interesante con diferencia, del director del especial televisivo original Steve Binder (también lo es de esta película) que cuenta interesantes e ilustrativas anécdotas sobre el rodaje y sobre su relación con Elvis. Por suerte no se alarga demasiado y da paso pronto a las imágenes originales del 68.

En ningún caso se reproduce el programa televisivo original, se obvian los números especiales y los clips musicales con sus legendarias coreografías y la película se centra en los dos bloques fundamentales: el llamado Black Leather Sit – Down Show del 27 de junio y el Black Leather Stand – Up Show del 29 de junio. O sea, lo del traje negro sentado en círculo con Scotty Moore, DJ Fontana, Charlie Hodge y Alan Fortas y la actuación dos días después con el mismo traje negro, de pie en el cuadrilátero y con la orquesta y el coro góspel que se corona con el «If I Can Dream» que cerraría el especial televisivo.

Originalmente fueron dos sesiones distintas de cada formato, habiéndose seleccionado una de cada para ‘Elvis Unleashed’, sin cortes y sin edición alguna, lo cual es el gran logro del fin ya que podemos disfrutar de un Elvis radiante, cercano, y relajado, con máxima complicidad con sus músicos y con comentarios sarcásticos y autoparódicos que suponen un documento de máximo interés para conocer a una persona casi siempre poco comprendida. Una leyenda rejuvenecida que fue todo un descubrimiento para una nueva generación.

Pero lo más importante, cómo no, es la música. El Elvis con su banda y sus guitarras (acústica y eléctrica) resulta arrebatador, las interpretaciones siguen sonando brutales, «Lawdy Miss Crowdy» o «Trying To Get To You» suenan como un cañón, en realidad todos sus grandes clásicos 50s; «Blue Suede Shoes», «Heartbreak Hotel» o «That’s All Right» seguían siendo en 1968 el ABC del Rock & Roll y lo siguen siendo ahora.

El segundo segmento con Elvis en pie solo en el escenario no es menos interesante. La estrella brilla como nunca, Elvis se desenvuelve en unos pocos metros cuadrados como solo una rock star de su calibre se puede permitir. Suenan «Jailhouse Rock», «Don’t Be Cruel», el imbatible medley «Heartbreak Hotel / Hound Dog / All Shock Up» o sus baladas tipo «Love Me Tender» sin las que Elvis sería lo que es. Se incluye también la grabación de las piezas que luego se utilizarían en el especial televisivo en playbacks, como «Trouble / Guitar man» o el ya comentado «If I can Dream» con el que se cerraría especial enfundado en su espectacular traje blanco.

En definitiva, Elvis sigue estando más que vigente y sigue siendo el gran referente para todas aquellas generaciones que nos hemos aficionado en algún momento al rock, es un privilegio poder disfrutar con documentos tan brillantes en pantalla grande y comprobar que su espectacular legado sigue siendo de máximo interés para cualquier aficionado al rock.