Los Fabelman

Hace muuuucho tiempo, un crítico sabio y también prestigioso (todavía quedan) me aseguró que el cine de verdad se acabó a finales de los 70 cuando se estrenó 'La Guerra de las Galaxias'. George Lucas, Steven Spielberg y luego Robert Zemeckis, Joe Dante, JJ. Abrams y tantos otros habían acabado con la política, sexo, compromiso, experimentación y, también, mucho aburrimiento de Godard, Fellini, Penn, Saura, Bergman, Bogdanovich, Antonioni y demás. Una afirmación temeraria y discutible, pero para nada ilusa. Pues bien, Los Fabelman, la última película de Spielberg, es la mejor prueba. Una narración de amor por el cine de un muchacho, siempre con el éxito como objetivo y, también, de una infidelidad de su madre, sin un mísero beso como prueba. Todo apto para todos, como siempre. Eso sí, salpicado de gotas de arte con mayúsculas, sea en una vena de un cuello que deja de latir o en una madre (inmensa Michelle Williams) jurando a su hijo que no puede quererle más. Excelente cine, pero el cine también es otra cosa. Y basta ya de la cara con los labios apretados de Paul Dano. Joder, que era su primer papel de buen rollo. Ver menos
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Con Steven Spielberg no sé que problema tiene la academia, pero lo que pasan con sus películas perdonadme, pero no es normal.

En su día El color Púrpura, 11 nominaciones y ni un solo Oscar y no me vale que se enfrentaba a Memorias de África, da igual, había contenido para haber rascado más de una estatuilla.

Años después se lo vuelven a hacer con Los Fabelman, 7 nominaciones y ni un solo Oscar. ¿Les suena esta historia?

En lo relativo a Los Fabelman, es cierto que no es la mejor película del año, ni siquiera de Spielberg. Creo sinceramente que si no hubiese estado inspirada en la vida del director, habría obtenido mejor crítica y me explico.

Si la ves desde el punto de vista cinematográfico, para mí no es parte de una biografía, es una historia de amor al cine. Nos cuenta la historia de un niño que temía entrar en una sala de cine en su niñez y una vez que entra por primera vez, le cambia la vida. A raíz de ahí, decide ver el mundo a través del objetivo de una cámara, comenzar a mostrar a los demás, lo que él quiere realmente que vean.

Poco a poco iremos viendo como a medida que va creciendo, sus historias son diferentes, más trabajadas, con guiones más correctos, con más actores, efectos especiales y tomas realmente dignas de encomio para un chaval de su edad. Evidentemente el material con el que filma va subiendo de categoría. Esta es la esencia de la película para mi. Bueno, meto de extra los problemas del chaval en su adolescencia por su ascendencia judía, por meter un poco de drama. Y la peli sería una especie de Cinema Paradiso pero con más personajes, salvando las distancias obviamente.

Pero, pero, pero, al contar Spielberg que trata sobre una parte de su vida, comienzan a verse las costuras en el guión, en primer lugar si me cuentas una historia sobre tu vida, pero los protagonistas cambian su nombre, no esperes que me identifique con lo que me están contando. No hijo no. Y por otro lado, le falta alma a la historia y es curioso, porque hablamos de un director que se maneja muy bien en el drama. Todo esa etapa de su vida, se verá envuelta por un suceso que el chaval descubre a través de las imágenes de su cámara y cuya verdad no le podrán negar.

Si, perfecto, pero todo es muy superficial, me suena a falso. No me creo que fuese de esa manera, ni que actuasen de la forma que vemos en pantalla.

Sinceramente, me quedo con la primera parte y la puntúo por la segunda, como ha hecho la Academia.

Solo Spielberg puede hacer que una película solemnemente aburrida con un argumento tan plano se convierta en una sólida candidatura a los Óscar. La única baza con la que juega la película es aquello tan manido de "el cine dentro del cine". En fin, buenas actuaciones, buena dirección para un tostón mayúsculo, de un director que dentro de su brillante carrera se puede permitir estas licencias autobiográficas.

“Meter la cabeza en la boca del león es tener pelotas. Que el león no me coma la cabeza... eso es arte.”

-Los Fabelman- (The Fabelmans)


Si el jueves pasado, con Babylon hablábamos sobre el amor hacia el cine, que decir en esta película. Como hace Giuseppe Tornatore en “Cinema Paradiso”, Spielberg también lo muestra en esta película de cómo ama el cine y que dos películas lo marcaron en su infancia.

Película ganadora de dos Globos de Oro (La mejor película -Drama y a mejor director). Respecto a los Oscar tiene 7 nominaciones (mejor película, mejor director, mejor guion original, mejor banda sonora, mejor diseño de producción, mejor actriz y mejor actor de reparto), aún me quedan por ver algunas películas pendientes nominadas a la mejor película pero sin embargo ya tengo mi favorita. Como curiosidad es la primera vez que Steven Spielberg está nominado en la categoría de mejor guión original el cual han trabajado Spielberg y Toni Kushner que llevan trabajando juntos desde 2006 en la película Munich.

Por todo el mundo es sabido que el divorcio de los padres de Spielberg lo afectó mucho, donde en las películas dirigidas por él, habían familias desestructuradas. Y hasta el día de hoy, no había hecho una película que hablase sobre ello concretamente y como él mismo dijo, esta película es para pedirle perdón a sus padres, donde su madre falleció en 2017 y su padre en 2020 que fue lo que lo impulsó hacer el rodaje.

Como he comentado anteriormente, para mí es la favorita de ganar los Oscar a la mejor película y también destacar, como se nota el amor hacía el cine, así que si tenéis pensado verla, dónde mejor que verla dónde se hace la magia, en la Magia del Cine.

La película, tiene muy buena fotografía con buenos juegos de luz para que te sumerjas en la historia cuando se esta realizando una grabación o se esta viendo una proyección. De la misma manera la caracterización de los personajes es muy buena por todos los actores ya actrices, así como los aspectos de esa época.

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14/14(14/01/23) Bonita película, con sus altibajos, pero dejando un reguero de momentos especiales de los que se recuerdan. Spielberg (en su 34 largometraje en la dirección) con 75 años se encuentra en el apogeo creativo-prolífico estrenando prácticamente un film por año (el año pasado fue el remake de “West Side Story”), ha realizado su obra más personal e íntima, ha entrado en la moda de los cineastas que se miran el ombligo de sus vidas e intentan utilizar los rodajes como terapia de aceptación y homenaje a su pasado, exorcizando fantasmas y loando las virtudes de su niñez y adolescencia. Algo que ya hicieron directores como Ingmar Bergman, Truffaut, Fellini, Woody Allen, o más recientemente Cuaron, Brannagh o la que para mí más entronca con esta que comento, la de Sorrentino “La mano de Dios”, también está la coetánea (aun no la he visto) de Iñárritu “Bardo”. Film semiautobiográfico (semi por darse la libertad de cambiar aspectos a su antojo dramático, para ello lo de no ponerse el mismo nombre y apellido al protagonista) de los que indagan en el despertar a la madurez donde se pueden elementos de su filmografía a lo largo de las décadas (en varias de sus obras explora a familias desestructuradas, con relaciones paterno-filiales complicadas), y como ha evolucionado su punto de vista ‘spielbergiano’ con respecto a sus padres con películas. Película que Spielberg y coprodujo con Tony Kushner (“Múnich” o “Lincoln”). Explorando la fascinación del futuro Rey Midas del Cine por el poder de las imágenes, exponiendo como fue creciendo el ingenio visual del protagonista con sus films amateurs (en los que se homenajea a varios géneros de acción desde el de catástrofes, terror [el divertido tramo envolviendo a sus hermanas en papel higiénico cual momias], westerns [por que no ha hecho aún un western Spielberg si su director más admirado es John Ford?], guerra [imposible no ver la conexión en “Escape to Nowhere” con “Salvar al soldado Ryan”), e incluso montajes festivos-domésticos. Pero donde priman los problemas familiares por los roces afectivos entre la muy sentimental madre y su más pragmático padre, también hay lugar para el antisemitismo, el bulyng, y para el despertar sexual.

Comienza en la noche del 10 de enero de 1952, en Haddon Township (Nueva Jersey), la pareja judía Mitzi (Michelle Williams) y Burt Fabelman (Paul Dano) llevan a su pequeño hijo Sammy (en esta primera fase Mateo Zoryan Francis-DeFord) a ver su primera película, el niño tiene miedo de entrar, y sus padres le convencen con unos argumentos que son una carta de amor al cine que va dirigida sobre todo al espectador.

Asimismo es inevitable ver referencias a otros films famosos, sobre todo en la mejor escena del film cuando Sam hace una edición de una película doméstica y descubre en los márgenes una dura verdad, algo similar ocurre en la aclamada cinta de Michelangelo Antonioni “Blow Up”. Queda también el homenaje que Spielberg hace a dos tipos de cámara pioneras en las filmaciones domésticas, como la Super 8 mm y la Arriflex de 16 mm.

Spielberg demuestra la maestría de los años de cine en muchas fases. Tenemos el hermoso tramo de campamento en el desierto de Arizona, todo con un aire muy bucólico, teniendo su zenit en la hermosa e hipnótica danza nocturna de Mitzi, con camisón y alumbrado lírica y sensualmente por los focos del auto que transparentan su figura, ello filmado por el ‘voyeur’ Sammy con su cámara (mm; Este tramo tiene su trémula contraparte cuando, tras la insistencia de su padre, Sammy edita lo filmado en el campamento. Un estremecedor tramo. Hermoso y neurálgico tramo que marca todo el devenir del resto del metraje, donde la familia irá saltando de un hogar a otro, intentando dejar atrás los problemas, fruto principalmente de una madre voluble sentimentalmente, que lucha por equilibrar sus sentimientos entre el amor a su familia o su amor furtivo.

En el tramo último saltaremos a una película ochentera para quinceañeros típica de John Hughes, donde el protagonista llega a una escuela secundaria en California y allí es objetivo del bullying por parte de dos cafres típicos con sus chaquetas deportivas de instituto, y donde conocerá el amor; Esta parte me resulta manida y muy facilona, poco estimulante, solo por el final que se le da con la película que Sammy filma, edita y proyecta en la fiesta escolar. Y que nos hace ver el poder de manipular a las masas del cine.

Para todo desembocar en un muy buen rush final, primero con la conmovedora charla de Sammy con su padre Burt, con unas fotos de por medio. Y como colofón ese encuentro entre mitos, el veterano y el que está por llegar, los dos con el ‘horizonte’ como meta. Y coronado con ese grácil epílogo de metacine.

Hay una entrada fulgurante en la cinta, apenas unos minutos antes de la mitad del minutaje. La del tío Boris que viene de visita a los Fabelman. Un tipo mayor que ha trabajado en el cine mudo y en el circo, es una especie de Oráculo griego que viene terminar de abrir los ojos en su vocación a Sammy, lo hace antes de irse a dormir (al suelo, no sin antes romperse la camiseta en señal de luto), lo hace con un apasionado monólogo sobre el poder del arte, ‘Somos adictos!... El arte es nuestra droga… (y también le advierte) El arte te dejará solo’, El arte no es un juego. El arte es como poner la mano en la boca del león’, y le pregunta Sammy si esto es arte, y Boris le responde, ‘No! El arte es que no te muerda’. Todo este volcán que irrumpe en la trama es embestido por un sensacional Judd Hirsch con 87 años demuestra una vitalidad y electricidad envidiables, mientras está en pantalla se roba la película, ello en una escena arrolladora. Esto inspirado en el verdadero tío abuelo del mismo nombre de Spielberg, que al parecer inspiró a este en sus sueños de celuloide.