El canadiense David Cronenberg es uno de los directores de cine con más personalidad del panorama actual. Sus películas no dejan indiferente a nadie. Original, creativo y transgresor, es un autor que nunca ha realizado películas para hacer caja. Sus obras pueden calificarse de muchas maneras menos de ser comerciales.
Es cierto, sin embargo, que sus últimas películas se distancian bastante de la temática y del estilo que le caracterizaba anteriormente. Sus primeras obras tratan temas oscuros, con algunas escenas incluso gores, historias surrealistas, predominando la ciencia ficción, el thriller y algunos toques de terror. En este sentido ha dejado, al menos por un tiempo, la ciencia ficción de lado y se ha adentrado en temas más propios del cine negro (“Una historia de violencia” y “Promesas del este”) y ha tratado incluso la caída del capitalismo con la reciente “Cosmopolis”.
Debo mencionar la genial “Spider” de 2002, donde Ralph Fiennes encarna a un paciente con esquizofrenia de forma magistral y que pasó bastante desapercibida aún siendo una de las mejores de Cronenberg.

“Un método peligroso” se centra en la vida de Carl Jung (Michael Fassbender) y su relación con la que en un principio es su paciente, Sabina Spielrein (Keira Knightley), y con el padre del psicoanálisis, Sigmund Freud (Viggo Mortensen).
Spielrein acude a la clínica Burghölzli (Zurich) con graves alteraciones emocionales y constantes cambios de humor, negándose en un principio a seguir el tratamiento. Una vez Spielrein mejora después de una largo periodo de terapia, estudia medicina, especializándose en psiquiatría y termina ejerciendo como psicoanalista.
Spielrein acaba desarrollando una gran dependencia hacia su doctor, Carl Jung, y terminan enamorándose y empezando una relación sentimental.

Uno de los puntos fuertes del film son las interpretaciones del elenco protagonista, destacando a Keira Knightley. Viggo Mortensen confesó su inseguridad a la hora de estar a la altura al interpretar a una figura tan importante como Sigmund Freud pero la verdad es que hace un buen trabajo.
Como decía más arriba, el aspecto fundamental del film son las relaciones existentes entre el trío protagonista. Freud y Jung, en un principio muy unidos, compartiendo teorías y discutiendo de forma sana y productiva, terminan distanciándose y la relación se convierte en un auténtico choque de egos. Por otro lado, el film nos muestra los conflictos del propio Jung por ser infiel a su esposa y violar el código deontológico al iniciar una relación sentimental con su paciente. Esta relación desencadena en el doctor Jung una lucha protagonizada por el ello y el superyó. Sus instintos más primitivos y placeres entran en conflicto constante con la educación y la propia moral.

Personalmente me hubiera gustado que la película hubiera reflejado la práctica clínica del psicoanálisis con los pacientes, mostrando su psicopatología y todo lo que envuelve al mundo de la terapia, la psicología, la psiquiatría, etc.

Aún sin haberme dejado huella, la película posee grandes interpretaciones y una buena recreación de la época. Es cierto que se distancia mucho de todas sus demás obras así que no esperéis ver una peli con el peculiar estilo de Cronenberg, aunque como biografía está bien hecha y se ajusta bastante a la realidad.

Puntuación: 6,5/10

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Hay películas que consiguen dejarte una huella permanente y ésta, sin duda, es una de ellas. Tarde o temprano me veía obligado a hacer una crítica de éste magnífico film. La mejor película de todos los tiempos y hablo, lógicamente, desde un criterio marcadamente subjetivo. He perdido la cuenta de las veces que la he visto y aún así siempre consigue hacerme disfrutar y emocionarme. Tal es mi predilección por esta obra que incluso elegí el tema para tratarlo en el “treball de recerca” cuando estaba cursando el bachillerato. Mi objetivo fue realizar un estudio comparativo entre la verdadera historia del héroe de Escocia, William Wallace, y la película dirigida y protagonizada por Mel Gibson.

Cuando fui de viaje a Escocia a finales del 2008 disfruté de sus paisajes, del ambiente que se respiraba por las calles de Edimburgo, Stirling, St. Andrews…aunque las sensaciones que experimenté al visitar los monumentos y localizaciones relacionadas con “el guardián de Escocia” (éste es su apodo o al menos uno de ellos) fueron bastante especiales y lógicamente indisociables de la influencia que “Braveheart” ejerció sobre mi persona.

Profundizando en la historia:

A finales del siglo XIII Escocia vive tiempos difíciles. Eduardo I de Inglaterra (Patrick McGoohan) “Longshanks” (apodado así por la longitud de sus piernas) azota sin piedad el látigo de la tiranía sobre el pueblo escocés. Éste, a su vez, presenta conflictos internos. La nación no tiene un rey que la represente y los distintos nobles se enzarzan en continuas discusiones derivando en una situación de conflicto para hacerse con el trono.

William Wallace (Mel Gibson) sufre la trágica muerte de su padre y su hermano a temprana edad por lo que su tío Argyle (Brian Cox) se hace cargo de él, instruyéndole en el arte de la guerra y sobre todo otorgándole una educación y cultura ejemplar. Ya siendo toda una persona adulta, regresa a su ansiado pueblo para vivir pacíficamente trabajando sus tierras pero un hecho en particular, que no voy a desvelar por si alguien quiere ver la película, hace que su vida tome un drástico y dramático giro.

Cansados de vivir bajo la opresión y órdenes de Eduardo I, el pueblo escocés liderado por Wallace poco a poco va reclutando soldados hasta conseguir un escaso aunque temible ejército y deciden pasar a la acción. A partir de aquí empieza una auténtica revuelta contra su país vecino y a la vez su mayor enemigo para conseguir la independencia y merecida libertad que todos desean.

Todo en ésta película es sublime: las interpretaciones, el guión, la fotografía, la banda sonora, la dirección, el maquillaje, etc.

Desde el punto de vista del guión, la película tiene “fallos históricos” como muchas otras películas de época en las que, lógicamente, se hace adrede para que el film cobre más dramatismo, espectacularidad o lo que sea que el director esté buscando.

Se pueden criticar obras en las que estos tipos de “desajustes históricos” son evidentemente inintencionados pero cuando un guionista se propone hacer un auténtico biopic termina por ceñirse completamente a la realidad.

Aunque Mel Gibson tenia pensado únicamente dirigir la película (en un principio el actor escogido fue Liam Nesson) está sensacional delante de las cámaras. Plasma perfectamente la valentía y perspicacia en el personaje de Wallace.

Patrick McGoohan está perfecto en el papel de Eduardo I. Consigue despertar el odio y desprecio del espectador.
Por otro lado tenemos a Hamish (Brendan Glesson), amigo de infancia de Wallace, un hombre rudo pero con un gran corazón, y el excéntrico y gracioso Stephen (David O’Hara). El resto del reparto como Sophie Marceau y Catherine McCormack, por poner un ejemplo, como la princesa Isabelle y Murron MacClannough respectivamente están geniales. La banda sonora es una de las más hermosas y emotivas que haya escuchado. Consigue potenciar perfectamente el efecto dramático de las imágenes. Su autor, James Horner, es responsable de las bandas sonoras de películas como: “Titanic”, “Una mente maravillosa” y “Avatar”, por citar algunos ejemplos. Otro de sus puntos fuertes es la dirección. Estamos hablando de una película estrenada 18 años atrás y las escenas de acción están rodadas de forma magistral. No soporto algunas escenas de películas actuales que, con el objetivo de ofrecer unas frenéticas escenas de acción, acabas por no apreciar nada debido a la velocidad de las cámaras. Las escenas de las batallas son impresionantes, realistas, crueles, todo ello sin que pase un sólo momento en el que pienses: “No sé ni a quién le han dado” o “¿Quien es el malo?”
Creo que uno de los motivos por los cuales me gusta tanto el film es porque sientes una gran empatía por los personajes y acabas involucrándote en sus vidas. Consigue hacerte aflorar emociones intensas y fusionarte con su historia.

Recomiendo fervientemente esta película a todas las personas que, por algún inexplicable motivo, no la hayan visto. Ganadora de 5 Oscars (incluyendo mejor película), “Braveheart” es una historia emotiva, desgarradora, excitante. Una auténtica obra maestra.

Puntuación: 10/10

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La verdad es que descubrí este film por casualidad. Un día, decidiendo que película alquilar en uno de los videoclubes de mi ciudad (me tomaba mi tiempo mirando portadas y leyendo sinopsis…), me tope con “Snatch: cerdos y diamantes”. No había oído nada sobre ella, no tenía ningún tipo de expectativa. Me quedé observando la carátula, buenos actores. Algunos más conocidos que otros. Al leer el argumento supuse que no podía estar nada mal: combates amañados, atracos, mafiosos de poca monta, personajes peculiares, etc. La sorpresa fue mayúscula hasta tal punto de convertirse en uno de mis títulos predilectos y de ocupar un lugar en mi colección personal.

A Guy Ritchie le han llamado el “Quentin Tarantino inglés” y la verdad es que si te fijas en su filmografía: “Lock, Stock and two smoking barrels”, la misma “Snatch”, “RocknRolla”, etc., hay ciertos aspectos en común entre los dos como la violencia, el humor negro y los diálogos ingeniosos.
Sus dos últimas entregas, “Sherlock Colmes” y “Sherlock Holmes 2” se desmarcan de la temática a la que nos tiene acostumbrados al igual que hizo Quentin Tarantino, aún dejando, por parte de uno y del otro, cierto estilo característico en sus películas.
Tarantino quizás ruede de manera más clásica y pausada a diferencia de Ritchie al cual hace uso de un montaje más acelerado.

Guy Ritchie es uno de los directores que saben fusionar la música y las imágenes a la perfección, aspecto también muy cuidado por otros directores como Martin Scorsese y el mismo Quentin Tarantino. En “Snatch” esto no es una excepción. Las canciones que conforman la excelente banda sonora encajan sensacionalmente en los distintos momentos del film. A destacar la escena donde suena “Angel” de Massive Attack y “Fucking In the Bushes” de Oasis. Espectacular.

Uno de los motivos que consiguen hacer que “Snatch” sea una buena película son sus personajes. Todos con un carisma y una personalidad muy bien definida. Destacan el gitano nómada interpretado por Brad Pitt de forma estupenda, Tony “Dientes de Bala” (Vinnie Jones, el que fuera uno de los jugadores más agresivos, sino el que más, de toda la historia del fútbol inglés), el frío Boris “el Navaja” (Rade Šerbedžija), el mafioso “El ladrillo” (Alan Ford), “Turco”, el promotor de boxeo ilegal (Jason Statham) y el siempre enojado Avi (Dennis Farina). Como se observa, el elenco de personajes es muy amplio y de gran calidad. Todos y cada uno de ellos consigue transmitir algo.

El humor es otro de los ingredientes esenciales de la película, presente en toda la obra mediante situaciones absurdas y conversaciones llenas de ironía.

Un ejemplo del humor que desprenden los diálogos:

- “¿Fangaron?, háblame en cristiano Tony. Los ingleses tenéis fama de ser finolis y habláis fatal. Hablar bien no cuesta una puta mierda”.
Avi Denovitz

- No quiero que ese perro babee mis asientos.
- ¿Tus asientos?… Tyrone, este es un maldito coche robado, tío.
Diálogo entre Vinny y Tyrone

- Tú no lo conoces, pero tiene madera.
- ¿¡Madera?! ¡No me importa que se trate de Mohamed Cojones Cuadrados Bruce Lee! ¡No se puede cambiar de boxeador!
Diálogo entre “El ladrillo” y “Turco”

El montaje es uno de los aspectos cuidados. Desde los originales títulos de crédito hasta la escena final. En muchas escenas predomina un estilo frenético con lo que la película gana en fuerza y dinamismo, sin llegar a abusar de este recurso.

“Snatch” sigue la estela de “Lock, Stock and two smoking barrels” (otra gran película) añadiéndole calidad y presupuesto. Diálogos llenos de sarcasmo, grandes actuaciones, banda sonora de gran nivel, ritmo endiablado, gángsteres, boxeo, atracos, personajes carismáticos, y mucho humor. Una película muy recomendable.

Puntuación: 9/10

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El día en que desaparezcan directores de la talla de Martin Scorsese, Clint Eastwood, Woody Allen y Ridley Scott entre otros, todos ellos bastante mayores, el mundo del cine les va a echar irremediablemente en falta. Y es que, el nivel de calidad alcanzado por las obras que estos señores nos han regalado, parece difícil de superar. Aún así nos quedan muchos años para disfrutar de las magníficas películas generadas por David Fincher, Quentin Tarantino, Danny Boyle, Christopher Nolan y un largo etcétera.

Scorsese es uno de mis directores predilectos. Autor prolífico, el director neoyorquino ha abordado muchos géneros y el resultado, en la mayoría de ocasiones, ha sido sensacional. Se ha criticado, sin embargo, a la academia de las artes y las ciencias cinematográficas (organizadora de los premios Oscar) por no haberle otorgado anteriormente el Oscar en reconocimiento a su labor. Finalmente la película elegida para paliar esa injusticia fue “Infiltrados”, la cual cosechó 4 Oscars incluyendo mejor película y mejor director. Y no es que sea un film mediocre, todo lo contrario, pero “Goodfellas” (“Uno de los nuestros”) la supera con creces.

“Uno de los nuestros” es una gran película por varios motivos. Uno de ellos son las actuaciones. El trío protagonista (Liotta-De Niro-Pesci) ofrece unas interpretaciones magistrales. Recordemos que Joe Pesci ganó el Oscar al mejor actor secundario por encarnar al despiadado Tommy de Vito. Robert De Niro, como es de esperar, está en su salsa y Ray Liotta hace también un gran trabajo.
Por otro lado, la ambientación de la época y la recreación de las distintas situaciones típicas de la vida criminal es simplemente genial. Aunque creo que uno de los factores clave del film es su ritmo narrativo. El manejo que hace Scorsese de éste es toda una lección. La inclusión de la voz en off de Henry Hill y el uso que se da a la banda sonora hacen que las casi dos horas y media de metraje pasen volando.
Habrá quien considere una aberración comparar esta película con “El padrino” de Francis Ford Coppola, calificada por muchos críticos y usuarios como una de las mejoras películas (sino la mejor) de todos los tiempos. Mi opinión no sería del todo objetiva ya que vi las dos primeras partes de “El padrino” hace ya bastantes años (la tercera nunca la he visto) y no tengo una visión nítida de ella, aunque son películas muy diferentes, con un ritmo más pausado y un enfoque diferente del tema en el film de Coppola.
A modo de anécdota, “Uno de los nuestros” está basada en la historia real de Henry Hill quien estuvo presente en el rodaje. En el caso de “El padrino”, la historia esta adaptada del libro de Mario Puzo, donde la mayoría de hechos son ficticios.

La violencia y el humor están muy presentes en “Uno de los nuestros” sobretodo gracias a las actuaciones de Tommy de Vito. Hay escenas donde esto se refleja a la perfección como son la del joven camarero apodado “Araña” o la de los tres protagonistas que van a la casa de la madre de Tommy cuando tienen que deshacerse de un cadáver.

En los primeros minutos del film ya te das cuenta que vas a ver algo grande. Una película que seguro no va a dejarte indiferente. Un excelente montaje y banda sonora conforman junto una interesante historia una de las mejores películas que he visto en mi vida. Imprescindible.

Puntuación: 10/10

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“The road” (La carretera) es la adaptación cinematográfica de la novela homónima de Cormac McCarthy ganadora del premio Pulitzer en 2007. La historia nos sitúa en un mundo devastado y cruel a consecuencia probablemente de la contaminación o del cambio climático. Un padre (Viggo Mortensen) y su hijo (Kodi Smit-McPhee) deben abandonar su hogar a causa de escasez de recursos y emprender una aventura por esa tierra gris y hostil en el que cada día se convierte en un auténtico reto para conseguir mantenerse con vida.

La película de John Hillcoat es una adaptación fiel del libro de McCarthy. El existencialismo, la desesperación, la soledad de sus personajes, están perfectamente reflejadas en el film.

La historia es cruel y emotiva y en determinadas escenas no es nada difícil conectar con los personajes. Hay un par de escenas que tocan la fibra profundamente. Si no recuerdo mal leí el libro después de ver la película y puedo asegurar que todavía es más duro. Me viene a la cabeza un momento en particular. Supongo que no se atrevieron a mostrarlo en una pantalla por lo perturbador que podrían ser las imágenes. Aún así hay un momento en el film que consigue estremecer verdaderamente. Me refiero a la escena en que padre e hijo bajan a un sótano de una casa y descubren aterrorizados lo que alberga en su interior. Se trata de una de esas escenas que perduran en la memoria. Realmente escalofriante.

Otra escena, aunque diferente a la interior y de corte más emotivo es el encuentro con el anciano (interpretado por Robert Duvall) el cual a penas puede ver, totalmente hambriento y debilitado.

El film ahonda en lo más primitivo del ser humano. El bien y el mal, el amor, la esperanza y el suicidio son otros temas que se tratan de forma excelente.

El hijo representa la bondad absoluta. En la escena más arriba mencionada siente una gran pena y un profundo deseo de ayudar al hombre mayor pero su padre es consciente de que no pueden malgastar provisiones y que cargar con él seria una pérdida de tiempo y energía e intenta hacerle entender que este “exceso de caridad” con el prójimo puede significar la diferencia entre la vida y la muerte.

El dilema entre elegir el suicido o seguir con la desgraciada existencia que les toca vivir a los personajes es tratado en los diferentes flashbacks que aparecen en la película. La duda no tiene lugar en el caso del padre y la perseveranza y el auténtico instinto de supervivencia se convierten en sus mayores bazas.


Algunas personas me han comentado que encuentran el film demasiado lento y en ocasiones aburrido. Que la película posee un ritmo lento no se puede negar aunque es cierto que se toma su tiempo en profundizar en los sentimientos de los protagonistas y opta por lo psicológico, incluyendo contadas escenas de acción aunque perfectamente aprovechadas. Si lo que buscas es acción continua y espectacularidad te recomiendo que veas “El libro de Eli”, con un planteamiento similar aunque mucho menos profunda. Personalmente me quedo con “The Road” sin dudarlo.

Quizá los aspectos a mejorar en el film serian un mayor ritmo (aunque personalmente no se me hizo pesada en ningún momento) y un mayor realismo en la representación de las consecuencias de la falta de satisfacción de las necesidades básicas y de la soledad.

Destacar por último la excelente actuación de Viggo Mortensen. Un actor que siempre ha sido de mi agrado y que en está película realiza un gran trabajo. Kodi Smit-McPhee hace también un buen papel. La fotografía muy conseguida así como la atmósfera, opresiva y deprimente. Una de las pocas películas, relativamente nuevas, en la que al salir del cine puedes afirmar con satisfacción haber visto una muy buena obra, y esto no es poco.

Puntuación: 8/10

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