Tras el éxito sin paliativos que supuso “Batman”, Tim Burton consiguió definitivamente entrar por la puerta grande de Hollywood, y en estos primeros años noventa iba a dirigir algunas de sus mejores y más recordadas películas.

Concretamente en 1990 iba a llegar a las pantallas la que para mi es sin lugar a dudas su gran obra maestra: “Eduardo Manostijeras”. Iba a suponer además la primera de las muchas colaboraciones de Burton con Johnny Depp, un por entonces jovencísimo y casi desconocido actor que a partir de entonces iba a convertirse en el actor-fetiche del genial realizador de Burbank. Depp da vida en el film al protagonista del mismo, un joven llamado Edward que vive en total soledad en una misteriosa mansión y que tiene la peculiaridad de tener tijeras en lugar de manos. Poco a poco iremos descubriendo que Edward fue creado por un anciano inventor (papel que Burton reservó a su ídolo de la infancia Vincent Price regalándole una memorable despedida del cine) que no pudo acabar su gran creación, que quedó incompleta y sola hasta que un día una peculiar vendedora de Avon (Dianne Wiest) llega al castillo y descubre al bueno de Edward, al que no duda en llevar a su casa e intentar integrarle en la vida rutinaria de su colorista urbanización. Allí veremos como este ser bondadoso y noble no termina de encajar demasiado bien, y solamente la hija de su descubridora de nombre Kim (Winona Ryder) termina aceptándolo y queriéndolo por lo que realmente es.

“Eduardo Manostijeras” es probablemente la más personal de todas las obras de Burton, y quizá precisamente por ello sea la mejor de todas (con permiso de “Ed Wood”). El pintoresco realizador se pone desde el primer momento (y nosotros con él) del lado de Edward, y a través de sus ojos vamos descubriendo la falsedad de las vidas de todas esas personas que viven en esa vecindad de casas de colores y aparentemente felices que esconden en realidad a los verdaderos monstruos de la película: gente que tras su cara amable y su sonrisa muestran en realidad una desconfianza hacia el “raro”, el diferente, al que en el fondo no dejan de ver como una amenaza (algo parecido a lo que ya vimos en el cortometraje “Frankenweenie”). Burton ha reconocido en más de una ocasión que se inspiró en el barrio en el que él mismo vivió de niño, y en el que evidentemente alguien como él jamás terminó de encajar al igual que no lo hará Edward.

Esta es mi película favorita, por lo cual me resulta absolutamente imposible ser imparcial al hablar de ella: es uno de los motivos por los que amo el cine, la principal causa de mi admiración por Tim Burton y uno de los cuentos (porque es lo que es en realidad... no obstante así se nos muestra desde el principio con la anciana narrándole la historia a su nieta) más hermosos que jamás se han contado. Podría hablar de la maravillosa banda sonora de Danny Elfman, de escenas y diálogos de una belleza tan enorme que resulta difícil no conmoverse profundamente ante ellos, de la soberbia interpretación de la joven pareja protagonista, de su inconfundible aspecto visual que es el más fiel reflejo de la obra de su director... pero creo que ni con todo ello le haría justicia, así que ya que se trata de un cuento, hagámosle el homenaje que merece:

“Érase una vez un anciano inventor que vivía en un castillo. Érase una vez un joven con tijeras en lugar de manos y un corazón hecho de galleta. Érase una vez un mundo demasiado estúpido como para aceptarle. Érase una vez un amor imposible. Érase una vez un baile bajo la nieve. Érase una vez un director genial en la cima de su carrera. Érase una vez una obra maestra. Érase una vez “Eduardo Manostijeras”.

Continúo el repaso a la obra de algunos de mis directores favoritos, y escojo en esta ocasión al que probablemente ocupe el primer lugar en mi lista: el genial, imaginativo y absolutamente inimitable Tim Burton. Un realizador que cuenta con tantos partidarios como detractores pero que indiscutiblemente no deja a nadie indiferente por su particular estilo visual y por un micro-universo tan peculiar como fascinante. Tétrico en ocasiones, colorista en otras... pero casi siempre tremendamente original y único. Con ustedes: Tim Burton.

Aunque en su niñez y adolescencia ya dirigió algunos cortos como “The Island of Dr. Agor” o “Houdini”, su primer trabajo ya entrado en la edad adulta fue este “Doctor of Doom”, co-dirigido junto a Jerry Rees (que después tendría una discreta carrera como cineasta). Se trata de un cortometraje de 10 minutos de duración, de carácter claramente amateur y en el que como curiosidad también colaboró Brad Bird, director bastantes años después de maravillas como “Ratatouille” o “Los Increíbles”.

“Doctor of Doom” es, visto a día de hoy, un rudimentario producto que simplemente cabría recomendar a completistas de la obra de Tim Burton, pues evidentemente su calidad tanto desde el punto de vista visual como argumental deja bastante que desear. Es un cortometraje de tono cómico en el que el propio Burton interpreta a un extraño “mad-doctor” que recuerda inevitablemente al de “El gabinete del Doctor Caligari” y que tiene entre sus “cualidades” el dominar la hipnosis o el ser capaz de insuflar vida a una estrafalaria criatura que mantiene una pelea absolutamente delirante con uno de los protagonistas de la historia.

Una mera curiosidad muy ingenua y amateur, con cierta gracia pero absolutamente olvidable. Obviamente lo mejor estaba todavía por llegar ;)

Entre medias de sus dos primeros largometrajes, Tim Burton colaboró en dos series de televisión de éxito en la década de los 80: “Cuentos de las estrellas” y “Alfred Hitchcock presenta”. Para esta última dirigió un episodio titulado “El Tarro” protagonizado por Griffin Dunne, que cuenta la historia de un artista que no goza de demasiado éxito en sus exposiciones hasta que se encuentra con un misterioso tarro que da nombre al relato y que contiene una extraña forma que flota en un líquido azulado y que por algún motivo provoca una inmensa atracción y fascinación entre todo el que lo contempla.

El capítulo es la adaptación de un relato de Ray Bradbury y lo cierto es que tampoco da mucho más de si, y ni siquiera su golpe de efecto final resulta especialmente sorprendente ni efectivo. Tampoco hay nada que permita identificarlo como una obra de Burton, salvo quizá el inconfundible estilo de Danny Elfman en la banda sonora y muy poquito más.

Estamos pues ante un mero trabajo de encargo que evidentemente debe ser reseñado a la hora de repasar la filmografía del realizador de Burbank y cuyo visionado al margen del resto de capítulos de la serie en la que se integra únicamente tiene interés desde el punto de vista completista de la obra de Burton. Un trabajo correcto pero a todas luces irrelevante dentro de su carrera, que daría por fin su primer gran salto cualitativo un par de años después con la espléndida “Bitelchús”.

Esta película se encuentra justamente en el punto intermedio dentro de la filmografía de Miyazaki, y probablemente se trate del punto más alto dentro de su brillante carrera como realizador. Tenemos aquí algo relativamente novedoso en dicha filmografía como es la aparición de un protagonista masculino (aunque no es el primero ni será el último) llamado Marco, que a causa de una extraña maldición que no nos llega a quedar del todo clara a lo largo de la película (y tampoco es necesario) tiene la apariencia de un cerdo (un cerdo bastante humanizado, eso si, pero cerdo al fin y al cabo).

La acción se sitúa en la Italia fascista anterior a la 2ª G.M. y aquí por fin Miyazaki le da el protagonismo máximo de una de sus películas a la que junto al cine probablemente sea su mayor pasión: el mundo de la aviación. Marco (o Porco, como es conocido también nuestro protagonista debido a su ya mencionado aspecto) es un piloto de hidroavión que tras abandonar las fuerzas armadas de su país se gana la vida ejerciendo de cazarecompensas y lidiando con los piratas aéreos del mar Adriático. Además de perseguir a estos piratas, Porco debe también tener siempre un ojo pendiente de los hombres del Gobierno fascista que quieren darle caza y encarcelarle por sus ideas políticas.

“Porco Rosso” es en mi modesta opinión la obra maestra indiscutible de Miyazaki, y se trata de una película absolutamente redonda a la que prácticamente nada se le puede reprochar: tiene la duración justa, un protagonista carismático, el perfecto equilibrio entre la comedia y el drama... y tiene además a dos de los mejores personajes secundarios de toda la historia de Studio Ghibli que como no podía ser menos son dos mujeres, que además responden perfectamente a los ideales femeninos en el cine de este director: personas de carácter fuerte, inteligentes y decididas y auténticas roba-escenas de las que es inevitable no terminar absolutamente prendado. Se trata de Gina, el eterno amor platónico del protagonista (esa evocadora y preciosa escena en la que Porco sobrevuela su terraza es mi favorita de toda la obra de Miyazaki) y sobre todo Fio Piccolo, una pizpireta joven que marca un punto de inflexión dentro de la historia, no solamente reparando de manera inmejorable el avión de Marco sino (sobre todo) también devolviéndole una ilusión por la vida y una confianza en el género humano que nuestro protagonista perdió tras la 1ª G.M. (soberbio ese flashback en el que vemos lo que sucedió con sus compañeros de batalla, por cierto. Otro de mis momentos favoritos del cine de este director).

En fin, que mucho se podría contar de esta maravillosa película y todo bueno: Joe Hisaishi vuelve a regalarnos una banda sonora absolutamente portentosa, los animadores de Ghibli demuestran una vez más por qué son de los mejorcitos del mundo en lo suyo... y sobre todo Miyazaki consigue llegarnos más que nunca al corazón con la inolvidable historia de este cerdo aviador y de su peculiar rivalidad con el también piloto norteamericano Curtiss, que termina con un divertidísimo enfrentamiento con marcados ecos al cine de John Ford (director del que Miyazaki ha reconocido ser admirador). No os la perdáis, porque es un 10.

Segunda película de esta dupla y un nuevo acierto. Esta por desgracia me la perdí en pantalla grande pero la he podido disfrutar en la pequeña ;)

Es muy diferente a "La pasajera": aquí el humor desaparece prácticamente por completo y tenemos una angustiosa película de terror que podríamos calificar como "apocalíptico" en la que algo misterioso y horrible comienza a suceder a la gente anciana en el asfixiante entorno de un Madrid que padece la peor ola de calor de su historia.

Repite Paula Gallego (al final me voy a hacer muy fan de esta chica, vaya descubrimiento) y destaca también la interpretación de Zorion Eguileor dando vida al anciano protagonista a través del que nos vamos introduciendo en una pesadilla digna del mismísimo John Carpenter (por citar a uno de los grandes).

Aunque puestos a elegir me parece más redonda "La pasajera", esta es otro notable alto.