"El año pasado en Marienbad" es un film enigmático, misterioso, ininteligible (o no). Ofrece diversidad de interpretaciones. La película crea un universo que puede ser real o imaginario. Incluso, para algunos críticos, el hotel barroco donde se desarrolla la acción puede ser un centro psiquiátrico. Todo puede servir para despejar las incógnitas de una perturbadora historia en la que los protagonistas son: una mujer mustia, vestida de Chanel, que se aloja en el hotel con su supuesto marido, el narrador que afirma que dicha mujer prometió encontrarse con él el año anterior y su marido. Ella niega que ese encuentro anterior haya tenido lugar y el narrador va dando pistas sobre situaciones y lugares donde, presuntamente, han estado juntos.
Otros actores permanecen en algunas escenas estáticos mientras los protagonistas se mueven entre ellos a cámara lenta. Parece que se desarrollan varias películas dentro de la misma. El tiempo parece no existir. Narrador y mujer establecen diálogos influidos por el pasado pero sólo llegan a algo claro, a un acuerdo, cuando ella le acompaña hacía lo desconocido abandonando a su, hasta entonces, pareja.
Hay varios planos en los que el irracional compañero de la mujer propone a diferentes personajes, incluso al misterioso narrador, algunos juegos a los que sorprendentemente gana siempre. En otras escenas, en el exterior, ocurren cosas que ya han ocurrido o, simplemente, están ocurriendo en ese momento. En esas escenas exteriores todo está desierto, sin embargo en las interiores, el resto de alojados baila o están todos juntos como si formasen un ente único.
El film de Resnais, estrenado en 1961, y escrito por Alain Robbe-Grillet, ha suscitado y suscitará mucha polémica. Se dijo que director y guionista no estaban de acuerdo en el contenido de película. También que esa divergencia era un recurso meditado para que el espectador abordara la película sin ideas preconcebidas… Todo vale si el resultado final es bueno. Se trata de una película que es de visión obligada.
Confesar que la he visto un par de veces. La primera vez, al cuarto de hora de visionado, me quedé dormido. En la segunda, ya sin sueño, y pasado ese cuarto de hora con una voz casi ininteligible y una cámara recorriendo el hotel , pude comprobar que se trata de una obra magistral y que, de alguna manera, debido a su forma y estructura, la convierte en una de las obras maestras del cine modernista.

Elling (Noruega, 2001) es una comedia sencilla, de poco presupuesto. Director (Setter Naess) y actores (Sven Nordin, Per Christian Ellefsen) son prácticamente desconocidos. Los protagonistas son dos enfermos mentales con algún rasgo autista. La acción se desarrolla en Oslo donde los servicios sociales gozan de una economía y una mentalidad bastante más avanzada que la nuestra, intentan facilitar la integración al medio a dos personajes “con alguna rareza” que han permanecido internados en un psiquiátrico durante dos años.

Aunque parece que la cinta apenas cuenta nada, van surgiendo los típicos problemas de adaptación a la nueva situación. Los protagonistas se encargan de hacer el resto. Su excentricidad, las necesidades diferentes, su actitud para afrontar los problemas, nos van atrapando por la ternura de dos adultos que dominan pocos protocolos sociales y con la inocencia de los niños.

He leído alguna crítica sobre ella catalogándola de sensiblera, creo que no es así. Es una comedia tierna, romántica –algunas veces- y que no es nada tópica ¡faltaría más! Se trata de una película alternativa a las historias previsibles que acostumbramos a ver en el cine comercial. Se va desarrollando sin prisas, simplemente venciendo obstáculos, logrando pequeños avances, quedando atrapados por la ternura de esos dos individuos cuya única obsesión es vivir, con la dificultad que requiere ser distinto para encontrar “su” normalidad. Se trata de intentar hacer un esfuerzo para comprender a los personajes: meternos en su realidad. Algo muy difícil en esta sociedad tan competitiva y cruel.

La primera película del director australiano David Michôd, basada en hechos reales, está causando estragos en el mundo cinematográfico. Hay críticas de todos los tipos y para todos los gustos. Desde mi modesta opinión considero que es una de esas películas que no hay que dejar de ver.
El guión es complicado de explicar. Trata de un joven, menor de edad, cuya vida da un giro inesperado cuando fallece su madre por una dosis de heroína. Ella proviene de una familia formada por cuatro hermanos (que se dedican a traficar) y su madre. Al igual que en la ley de la selva (el título alude a ello) los débiles tienen que buscar la protección de los más fuertes. En esa situación se encuentra el menor cuando es recogido por su familia materna. Su abuela, como escribe J.A. Barrueco, es retorcida y maquiavélica, y en esa especie de mafia italiana que es su familia, demuestra, con el paso de las escenas, que controla a la perfección el hampa que fluye alrededor de la marginalidad que le rodea.
La película es violenta, hay escenas estremecedoras que se escapan de la realidad pero el contexto general de la historia te atrapa de tal manera que estás esperando que ocurra algo más para desentramar esas situaciones angustiosas que estás viviendo desde la butaca.
Por momentos, ese director novel me ha recordado a los hermanos Cohen en “Sangre fácil”, coincidiendo con Barrueco, y aunque con menos sangre, a alguna película de Tarantino.
El final puede ser esperado o inesperado, todo depende de la apuesta que tome el espectador cuando un policía pregunta al protagonista ¿estás con ellos o con nosotros? Creo que ese es el quid de la cuestión que no se desvelará, por suerte, hasta que aparezcan los créditos finales.
Espero que mi crítica les haya servido para quedar convencidos de verla. No se arrepentirán.

Aunque el Mercader de Venecia es una de las obras más conocidas y representadas de William Shakespeare personalmente ni la he leído ni he visto anteriores adaptaciones a la pantalla grande. Me ceñiré por tanto a lo que Michael Radford ha realizado.

Considero que películas de estas características, con buen guión y dirección, excelente ambientación, buena interpretación por parte de todos los actores (magistral Al Pacino) hacen que el cine europeo suba peldaños, es un orgullo para nuestro cine continental una aportación de tal envergadura y en base a una obra de Shakespeare, ayudándonos a conocer a uno de las mejores plumas de la literatura universal.
He tenido la suerte de verlo en V.O.S.E. y la recomiendo, la voz de Jeremy Irons es insustituible y los diálogos están muy bien estudiados sonando, muchas veces, a poesía.
En general me ha entusiasmado la fotografía, ha sabido captar los colores de la época, produciendo una gran riqueza plástica y visual, máxime teniendo en cuenta que el presupuesto, según he leído en algún lugar, era escaso.
El único “pero” es la escena del juicio, creo que sale un poco de los márgenes que va marcando el guión, creando una sensación poco verídica de la seriedad que deberían provocar los jueces en esa época de la historia.

Algo parecido a la felicidad es algo parecido al infierno. Con poco presupuesto, pocos exteriores y mucho poder interpretativo esta película europea se salva. Es diferente, prácticamente no hay sonrisas, trata de un barrio y sus problemas: inmigración, soledad, tristeza, pobreza… pero buenos corazones.
No me esperaba mucho pero me he dejado llevar por su historia poco corriente y ha merecido la pena.