Aunque su filmografía ha seguido un curso irregular, el neozelandés Andrew Niccol siempre genera cierta expectativa cinéfila, considerando los logros de su atractiva ópera prima de 1997, "Gattaca", y los aciertos de su colaboración al año siguiente en el guión de la notable "The Truman Show", de Peter Weir. Aunque en 2002 decepcionó mucho con su segundo trabajo, "S1m0ne", y también en sus dos filmes anteriores a este, "El precio del mañana" (2011) y "La huésped" (2013), hay que reconocer que en 2005 volvió a despertar algo de interés con "El señor de la guerra". Esta nueva incursión en la dirección, estrenada en la competencia oficial del Festival de Venecia, tiene un elemento común con las dos películas que ha filmado con mayores resultados positivos: las tres cuentan en su elenco con Ethan Hawke, quien en esta ocasión encarna a Thomas Egan, un piloto de combate que ahora pasa la mitad del día encerrado en una minúscula cabina de una base militar en las afueras de Las Vegas, donde junto a otros oficiales pilotea drones que a miles de kilómetros de distancia bombardean territorios de Medio Oriente intentando desmantelar células talibanes.

La creciente frustración y sensación de alienación del protagonista, tanto en su cuestionamiento interno a las misiones que debe asumir en lo profesional, como en su vida familiar como esposo y padre de familia, es muy coherente con lo que Niccol ha desarrollado previamente en sus anteriores entregas, así como su cuidada visualidad; la buena actuación de Hawke y la fotografía de Amir Mokri, que captura las luces de Las Vegas, la rutina de la vida suburbana y la frialdad impasible de los recintos militares, acentúan el tono opaco y desencantado de la película, en el que las bromas y el sarcasmo de los oficiales no hacen más que acentuar la deshumanización que refleja esta interesante reflexión sobre la guerra en la actualidad, tan absurda como en todas las épocas.

Estrenado mundialmente en la competencia oficial del Festival de Berlín, donde obtuvo el Oso de Plata al mejor guión, este documental de Patricio Guzmán continúa explorando las ideas que el realizador chileno ya comenzara a desarrollar en la elogiada y premiada "Nostalgia de la luz" -y que concluyó como trilogía en 2019 con "La cordillera de los sueños"-, enlazando la fascinante naturaleza del territorio de su país de origen con los hechos históricos que conforman un pasado estremecedor. En esta ocasión a partir del agua, vuelve a abordar misterios de alcance cósmico, conectándolos con el dolor de la historia chilena, en este caso con los habitantes originales de la Patagonia y también con los presos políticos de la dictadura de Pinochet. El resultado, de incuestionable belleza visual, puede generar opiniones diversas por su personal enfoque temático y narrativo: algunos se emocionarán de inmediato y volverán a aplaudir a su autor, mientras otros no terminaremos totalmente convencidos o entusiasmados con la propuesta.

A lo largo de las últimas dos décadas Bettina Perut e Iván Osnovikoff han llegado a ser considerados entre los nombres de referencia del documental chileno actual, con títulos como la notable "Un hombre aparte" o "La muerte de Pinochet", y en este trabajo vuelven a demostrar su talento visual y narrativo. Filmada en la zona del salar homónimo en el Norte Grande, de partida es indiscutible que cautiva por la belleza de sus imágenes y la espléndida fotografía de Pablo Valdés; pero la película es mucho más que una serie de postales del altiplano chileno, ya que por sobre todo es un atractivo retrato humano y geográfico, en el que los directores una vez más se lucen con los detalles de su mirada atenta y oportuna, capaz de capturar momentos que reflejan muy bien la relación entre los lugareños y su entorno, e incluso con sus animales (los perros se roban la película).

Ganador en la primera edición del premio "El Ojo de Oro" del Festival de Cannes -trofeo que desde ese año distingue al mejor documental de la selección oficial del certamen francés-, esta coproducción chileno-mexicana es el primer largometraje de Marcia Tambutti, nieta del fallecido presidente chileno Salvador Allende. Imponiéndose a las reticencias que su propia familia ha desarrollado a lo largo de más de cuatro décadas a la hora de abordar la figura del mandatario, la realizadora emprende una reveladora y sensible indagación en diversos aspectos que revelan inesperados aspectos del estadista en su faceta menos difundida y más humana. Donde más de alguien podría esperar rabia o rencor a la hora de sincerar los recuerdos, o también una mirada demasiado condescendiente y apologética que dejara a Allende en un altar intocable, bajo una superficie convencional dentro de los marcos del género va apareciendo una entrañable serie de memorias familiares que van más allá de los clichés políticos, por lo que incluso quienes no son partidarios del personaje o su ideología deben reconocer que estamos ante un trabajo sincero y emotivo, lleno de calidez y humanidad.

En su quinto largometraje, el realizador chileno Matías Bize sigue profundizando en las relaciones de pareja, esta vez desde una perspectiva más madura, compleja y a la vez más sutil. En su anterior trabajo, "La vida de los peces", ya había confirmado su interés en ahondar aún más en los personajes y sus motivaciones, mucho más allá de los desafíos técnicos o argumentales que se había planteado en sus primeras películas: realizar una película en una sola toma sin dejar de grabar en su ópera prima, "Sábado", contar una historia con sólo dos personajes en una sola locación con "En la cama" y abordar la crisis de una pareja a lo largo de una extensa noche en Barcelona, con "Lo bueno de llorar".

Acá la historia es mucho más dolorosa, contenida e introspectiva, al centrarse en una pareja -Javier y Amanda- que ha sufrido la pérdida de su hijo y cómo ésta afecta su relación, aunque intentan seguir adelante con sus vidas. Lo que pudo ser pero no fue, lo que se piensa y no se dice, están presentes en las miradas y los silencios, que siempre han sido fundamentales en el cine de Bize, quien acá demuestra que ha ido depurando cada vez más su estilo, algo que se refleja por ejemplo en las sutilezas de la fotografía de Arnaldo Rodríguez, o en las composiciones de Diego Fontecilla en la banda sonora.

Sin recurrir a efectismos o manipulaciones emocionales que traicionen el espíritu de la película o que hicieran caer fácilmente en un melodrama lacrimógeno y convencional, se agradece que el director confíe más en los matices y en la fuerza de las actuaciones. El elenco es fundamental en este resultado, incluyendo los roles secundarios -por ejemplo, Sergio Hernández aportando calidez y credibilidad en el rol del padre de Javier-, y especialmente por las conmovedoras interpretaciones protagónicas de la actriz española Elena Anaya y Benjamín Vicuña, en uno de sus mejores papeles, que de seguro debe haber sido aún más complejo para él por su conexión personal con el tema. La pugna entre la contención interna y la necesaria y sanadora catarsis, será finalmente lo que esté en juego a lo largo de "La memoria del agua".