La historia que nos cuenta el Sr. Ozu en este filme conmovedor —realizado allá en Japón mientras acá en España andaban los españoles desatando sus odios fraternos— es la de una mujer trabajadora, sola y con un único hijo en un pequeño pueblo japonés. Ella trabaja y se sacrifica por obtener algo de dinero para que el muchacho vaya a la capital y haga estudios superiores, todo esto en 1923.

Pasan el tiempo y la acción se traslada al año 1935, cuando la madre viaja desde el pueblo hasta Tokio para visitar a su hijo, al que cree estar gozando de un estatus superior conforme a los estudios que realizó. Pero una vez in situ contempla la cruda realidad de su vástago; descubre que éste sólo alcanzó ser un maestro pobretón en una escuela periférica para muchachos en horario nocturno. Y no sólo eso, además descubre que...

Merece mención y honor el guionista de este filme, Albert Maltz. Antes de "Flecha rota" era de los escritores más famosos y valorados de Hollywood, pero poco tiempo después de esta película, en plena "caza de brujas" contra los comunistas, Maltz pasó a formar parte de la lista negra de vetados, rechazados y segregados. Parece ser que su valiente guión cinematográfico, inusual en el género western hasta ese momento, presentando a los enemigos clásicos (en este caso los indios autóctonos norteamericanos, y más concretamente los apaches-chiricahuas de Arizona, que lucharon bravamente por mantener su identidad y territorio) como personas honestas, civilizadas, cuya palabra tenía valor de ley, capaces de tanta belleza, ternura y sensibilidad como los colonizadores venidos del Este, parece ser que todo esto no fue bien visto a mediados del s. XX por las sesiones del Comité de Actividades Antiamericanas o los directivos de la industria cinematográfica amedrentados por el senador McCarthy y un clima social donde se extendía el fanatismo de descubrir a comunistas infiltrados en la sociedad USA que supuestamente estaban al servicio de la URSS. Recordemos que el inicio de este miedo e histeria persecutoria tuvo lugar a raíz del estallido de la primera bomba atómica soviética en 1949 y del peligro de esta superpotencia bélica que acababa de bloquear Berlín y se extendía ideológicamente cada vez más por el mundo.

Para mí, "Flecha rota", es de las películas más conmovedoras y dignas en cuanto a mostrar la inculturización del occidental tolerante, abierto a la convivencia, a la mezcla, al respeto hacia los auténticos dueños de la tierra americana; así mismo, uno de los primeros y más bellos exponentes en cine del "Oeste americano" del enamoramiento interracial entre hombre-mujer de mundos y vidas en pugna. Al menos "Flecha rota" marcó en el campo cinematográfico una estela de consideración y empatía hacia los nativos autóctonos de Norteamérica, de sacar a la luz relaciones de amor entre nativas y colonizadores, que luego seguirían otros filmes hasta llegar al gran o magnífico "Bailando con los lobos" (Kevin Costner, USA 1990), que sin duda es un producto-nieto del hito fílmico dirigido por Delmer Daves. Lástima que el filme tenga también su churrete impresentable: poner al indio Jerónimo como el malo-malísimo de la película. Se podían haber ahorrado, tanto el guionista como el director, este facilismo histórico, esta deshoneta desacreditación de un nativo que sólo se comportó como un hombre que se resiste a que los invasores de su tierra le avasallen hasta límites humillantes.

La película hace gala de excelentes máximas entre personajes de índole dialogante. De entre todas ellas me quedo con una que sale por la boca del nativo Cochise (dignísimamente interpretado por Jeff Chandler): "Hablar de paz es sencillo, pero vivirla no."

Notable película por el guión en sí, por la filmación tan buena que hace Fred Schepisi y sobre todo por el papelazo de protagonista principal que encarna la inolvidable Stockard Channing (aquella que jamás olvidaremos por su entrañable papel y canciones de Betty Rizzo en la película, "Grease (Brillantina)", dirigida por Randal Kleiser, USA 1978).

Pues bien, Stockard Channing, aquí en "Seis grados de separación", demuestra que merecía un buen primer papel de calidad, pues sin lugar a dudas lo borda junto a Donald Sutherland. Cierto que Stockard Charnning ha tenido otras películas donde le han dado la oportunidad de lucirse en papeles de protagonista principal, por ejemplo en la reciente "Sparkle", de Tom Hunsinger & Neil Hunter, GB 2007; sin embargo en esta película británica el guión y el papel no resultan atractivos y en cambio en "Seis grados de separación", todo brilla para hacer asimismo brillar, como la estrella que es, a la Channing, tanto que fue nominada al Oscar de ese año aunque no logró que se lo dieran finalmente.

Resumiendo el inicio de la trama: un joven negro se presenta herido en la casa de un rico matrimonio de Nueva York, diciendo que es hijo del gran actor Sidney Poitier, también compañero de sus hijos estudiantes en la Universidad de Haward y camelándolos hasta el tuétano con su excelente oratoria y capacidad de cautivar por medio de las palabras. Pero, ¿todo ese esfuerzo de engaño para qué?, pues cuando es descubierto resulta que no les ha robado nada. Entonces la pareja matrimonial queda tan intrigada del motivo que le movió al extraño a adoptar una identidad falsa e introducirse en sus vidas, que a partir de ahí toda la película será un ir desvelando la madeja enrolladísima que resulta la vida de ese muchacho de tan hábil labia.

Filme muy recomendable para los aprendices a políticos, a vender turrones o mantas en las ferias o simplemente a hipnotizar por medio de la palabrería a cualquier tipo de oyentes, pues con su despliegue argumentativo, ya intelectual ya religioso ya del tipo que sea, y su tono convincente logran en los oyentes la sensación de que están ante un revelador de la VERDAD (en cualquiera de sus campos); luego suele venir el desengaño.

Dos perlas filosóficas del guión:

+ Noy hay peor cobardía que tener miedo de uno mismo.

+ Cada ser humano es una nueva puerta abriéndose hacia otros mundos.

"En la duda, a favor del reo". Este es un aforismo jurídico latino que se ha de tener muy en cuenta en el ejercicio de la justicia o de los juicios, sobre todo por parte de los fiscales y de los jueces. "In dubio pro reo", es la más clara manifestación de la trascendente misión que debe desempeñar el poder judicial en una sociedad civilizada, donde lo honesto y digno es antes absolver a un culpable que condenar a un inocente. Y este aforismo resume el fondo de la motivación y resolución en el presente filme.

El fiscal (interpretado con una parsimonia excelente por el actor Dana Andrews), se haya ante un reo al que todos los testigos y pruebas acusan de haber cometido un crimen; sin embargo, según las propias investigaciones que él y su equipo de la fiscalía llevan a cabo, hay muchas cosas que no encajan para que el acusado sea verdaderamente el asesino.

Cierto que aquí el fiscal hace en realidad la función que le corresponde al abogado, ante la sorpresa de éste, quien viendo como le facilitan su labor ni rechista; pero es que el fiscal ha de mostrarle a la mayoría del pueblo (fanatizado por creerse en posición de la "verdad" evidentísima) que él ha descubierto perspectivas insospechadas de esa misma "verdad".

Una muy buena película, donde se ejemplifica de forma sobresaliente la forma de conducirse de un hombre honesto, honrado: no se amilana ante las presiones de sus jefes, políticos, partido o gente poderosa; no siente temor a perder su puesto de trabajo o poner en grave riesgo la comodidad de su futuro; simplemente hace lo que en conciencia cree que debe de hacer, dejando a los demás que a su vez actúen como crean que deben actuar —lamentablemente Elia Kazan, que supo describir de maravilla aquí y en otras películas suyas, el prototipo ideal de hombre honrado y valiente que no se rebaja en sus convicciones por más presiones o amenazas que reciba, no tuvo valor él mismo de conducirse así en la vida real, según esa ejemplaridad, por esto cuando recibió las presiones de la caza de comunistas desatada en los EE.UU. sucumbió a las mismas de forma cobarde—.

Película en un estupendo y encantador blanco y negro. Muy recomendable y educadora para recordar y enseñar el sentido noble de la "Justicia" que nunca deben perder de vista los funcionarios a sueldo de la misma.

Notable película de tensión bélica (en concreto de un pelotón de militares desactivadores de minas, bombas, proyectiles y todo tipo de artefactos explosivos) en el Irak contemporáneo, donde los norteamericanos siguen vigilando la sociedad in situ, pero ésta en líneas generales les mira con recelo, enemistad, odio y deseos de venganza.

'The Hurt Locker' es un filme casi de permanente temor a ver saltar en pedazos a alguien. Describe con bastante veracidad la peligrosa estancia y oficio de los militares de base en Irak, aunque a veces haya también algún coronel "metementodo" que se juegue el pellejo por insensato.

Se ven escenas grandiosas de exteriores, como la del enfrentamiento con los francotiradores insurgentes en pleno desierto o el intento de desactivar al hombre-bomba, y también excelentes escenas de interiores como la de cuando la esposa del sargento artificiero le pide dentro del supermercado que compre un paquete de cereal y éste se queda pensativo ante la intrascendente tarea de tener que elegir uno en una estastería inmesa y repleta de infinitas marcas del citado producto artificial, artificioso y completamente innecesario.

Así mismo, emocionantísima la escena donde el sargento artificiero es abordado por un oficial que le pone de ejemplo delante de sus hombres a la par que le pregunta con admiración por las artefactos que lleva desactivados y el especialista responde vagamente como si eso fuera la cosa más habitual e insignificante del mundo.

Filme muy recomendable. Ayuda a meterse en la piel de los militares, de la gente uniformada que se tiene que ganar la vida de esa forma quizás porque no halló jamás vías para acceder a trabajos más "pacíficos" o cómodos; ayuda a comprender mejor a los profesionales de los ejércitos, a experimentar por unos minutos algo del enorme estrés y sinvivir que algunos de ellos viven en situaciones extremas.

Viendo las tremendas escenas de esta película donde los que padecen del corazón corren el peligro de que se les salga del pecho, uno piensa en esas palabras de Antonio Lobo Antunes, cuando dice: «La lógica de nuestra vida no es cartesiana, aristotélica. Es una lógica de los afectados, de las pulsiones. Queremos racionalizar las emociones y eso es imposible.»