Cuando escuché hablar por primera vez de Boogie Nights pensé que se trataba de la biografía del actor porno John Holmes, pero luego me informé un poco más y resulta que no es así. Es cierto que el personaje protagonista, Dirk Diggler está inspirado en ese famoso actor, pero no se trata de una biografía.
Partiendo de la misma estructura de todas las películas que tratan sobre el mundo del espectáculo, es decir, inicios > éxito > descenso, Boogie Nights nos cuenta la historia de un chaval que, gracias a su miembro viril de más de 30 centímetros, consigue convertirse en toda una estrella del porno, aunque como siempre suele ocurrir, el ego y los excesos acabarán le pasando factura. Y no sólo a él, porque aunque la película se centre en Dirk Diggler, hay toda una galería de personajes secundarios que no están ahí para rellenar. Todos tienen una importancia y una historia, y de hecho, casi todos ellos acaban protagonizando alguna secuencia memorable. Se podría decir que Boogie Nights es casi una película coral, aunque no termine de serlo.

Paul Thomas Anderson (un director como la copa de un pino, por cierto) también escribió el guión de Boogie Nights. Un guión que daba para tres horas de película, algo que quiso dejar claro a los productores: una película de tres horas sobre un actor porno. Sabiendo como son de mojigatos los americanos, me sorprende que la película se llevase a cabo sin problemas significativos, aunque finalmente su metraje se viera reducido a dos horas y media. ¿Muy larga? Para nada. La película se pasa en un abrir y cerrar de ojos gracias a un ritmo que nunca decae. De hecho, me hubiese encantado que durase tres horas.
Lo que sí fue un palo de cara al público fue el hecho de que la mayoría esperaba encontrar una especie de comedia gamberra, pero no, se trata de un drama que alterna momentos cómicos con otros bastante crudos, y alguna que otra escena un tanto surrealista.


No sé si Paul Thomas Anderson usó como referencia a Martin Scorsese, pero toda la película recuerda al estilo de este director. La iluminación, los movimientos de cámara, la banda sonora, los planos secuencia, los diálogos, las explosiones de violencia... todo. Si os gusta Scorsese, os tiene que gustar Boogie Nights casi por fuerzas, os lo aseguro.

La banda sonora es una interminable lista de canciones setenteras y ochenteras que suenan casi constantemente a lo largo del metraje. Otro punto a favor del ritmo inagotable de la película.
También es interminable la cantidad de caras conocidas que desfilan por la pantalla: Mark Wahlberg, Julian Moore, Burt Reynolds, Thomas Jane, Philip Seymour Hoffman, John C. Reilly, William H. Macy, Luis Guzmán, Heather Graham, Alfred Molina, etc.

Una película redonda. Poco más puedo añadir.

El argumento es muy simple; un grupo de chicos viajan a Texas para comprobar que la tumba del abuelo de uno de ellos no ha sido profanada, pués se han dado casos de robos de cadáveres. Esa misma tarde/noche se topan cara a cara con los profanadores, una familia de matarifes locos.
Si hay algo que me impresionó especialmente fué esa sensación de que el director (Tobe Hopper) no tocó nada. Que no usó elementos de atrezzo y que, efectivamente, encontró una casa real tan macabra y sucia como la de esta desquiciada familia. Evidentemente, esto no fué así. Todo está "adornado" para dar una perfectísima sensación de dejadez, enfermiza y realista.

Luego tenemos el elemento sugestivo que he mencionado antes. La película consigue hacernos creer, al terminar, que hemos presenciado numerosos descuartizamientos y chorros de sangre a presión, pero nada más lejos de la realidad. De hecho, yo mismo me di cuenta de que no había sangre cuando la había visto dos o tres veces. Algo muy curioso, la verdad.

¿basada en hechos reales? Eso se ha dicho muchas veces, pero no es del todo cierto. Está inspirada (que no basada) en el caso del asesino en serie Ed Gein, psicópata que ya inspiró otras películas como Psicopsis, El silencio de los corderos o American Psycho.
La matanza de Texas eleva la historia en la que se inspira hasta cotas grotescas y esperpénticas tras unos extraños títulos de crédito.

Luego está la banda sonora, compuesta por sonidos estridentes, chirridos y similares, que no hace más que sumergernos más en esta pesadilla veraniega.
Conocí a un muchacho que no podía escucharla de lo incómodos que le resultaban esos sonidos.

Escenas que perduran en la memoria, como esa en la que Cara-Cuero, en plena rabieta, blande su motosierra con el sol del amanecer como fondo.
Otra en la que el vejestorio del abuelo intenta matar a la protagonista a martillazos, dando golpes sin fuerza mientras los demás miembros de la familia sujetan a la chica (es una escena que agobia cosa mala).
O esa primera aparición de Cara-Cuero, una escena breve pero con una fuerza de impacto visual acojonante.

Resumiendo, si quereis ver una película de terror diferente, realista y que consiga meteros de lleno en el asunto, La matanza de Texas es y será la mejor.

Como dato personal diré que, uno de los conceptos que influyó en mi amor por esta película, y a la vez esa sensación de inquietud que me provoca, esté relacionado con el hecho de que cuando la vi por primera vez vivía en un entorno rural muy similar al que se puede ver en La matanza de Texas, lo que hizo que me sumergiese más en la historia, casi pudiendo oler la tierra y el polvo, y sentir el calor que veia en pantalla. Sentirme identificado de alguna manera.
Un cóctel de sensaciones que hizo de esta película, para mí, algo realmente especial.

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La comedia nunca ha sido un género que me agrade demasiado, pues mi sentido del humor es bastante peculiar, así como las cosas que me hacen gracia. Dicho de otro modo, la mayoría de las cosas con las que me río no les saca ni una mísera sonrisa al resto de los mortales, y viceversa.
Lo peor, en ocasiones, es que las cosas que no están pensadas para resultar graciosas, hacen que me parta el pecho, aunque este no sea el caso.

Cuando fui a ver Tropic Thunder, lo hice con un poco de miedo, pero también con esperanza, ya que su director era Ben Stiller, quien anteriormente había hecho Zoolander, una comedia que no me canso de ver y que me parece absolutamente genial, despiadada y grotesca.
Pero tenía miedo de que Zoolander fuese el fruto de un estado de gracia e inspiración que no se volvería a repetir, y que Tropic Thunder sería la típica comedia tonta americana… pero me equivoqué.
Tropic Thunder es idéntica a Zoolander; mismo humor, mismos chiste con mala leche, surrealismo, ridiculización de todo un gremio, etc. Mientras que Zoolander machacaba sin piedad al superficial mundo de la moda, las pasarelas y demás, Tropic Thunder lo hacía contra el cine, satirizando y disparando toda su munición envenenada contra productores despiadados, actores excéntricos, superproducciones, tópicos, fracasos en taquilla y las consecuencias de estos, blockbusters pasados de moda y, en definitiva, todo lo que rodea al mundillo del cine comercial.

Otro de los detalles más interesantes de esta película es el modo en que plasma en pantalla a todos los estereotipos de actores. Por un lado tenemos al héroe de acción, especializado en cine comercial y sagas interminables que quiere desencasillarse.
Luego está el actor cómico de moda, cuyas películas tienen éxito pero nada de calidad.
Por supuesto también está el actor del método, ese que, con tal de meterse en su papel, llega a hacer auténticas e innecesarias gilipolleces. Es un actor que hace buen cine y actúa a las mil maravillas, pero en su vida privada resulta un ser excéntrico y maleducado.
No olvidemos al actor novel, joven e inexperto, que sueña con conseguir alguna nominación al Oscar por su primera película.
Y luego está el prototipo que más odio; el cantante de moda metido a actor sin tener ni pajolera idea de interpretación. El típico reclamo comercial del que no se espera nada, salvo ver en aumento las cifras en taquilla gracias a la asistencia a las salas de los fans que sólo quieren ver a su ídolo, aunque no sepan ni de qué va la película que protagoniza.

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El drama del director Nicolas Winding Refn fue darse a conocer al gran público con una película fabulosa, bellísima… pero que en absoluto representa el verdadero ADN del director danés. Estoy hablando de Drive, claro. Por supuesto que en ella está impresa la marca de su director (largos silencios, violencia, cuidada estética), pero pasada por un filtro que la hace accesible a un elevado porcentaje del público. El problema de todo esto reside en que, después de Drive, Refn siguió haciendo sus cosas; películas muy suyas, y a la gente se le arrugó la nariz. Ellos querían más Drive porque pensaban que este director era siempre así, y la realidad es otra. La realidad es que Drive es un pequeño oasis en la filmografía del director. Un caramelo.
Por eso, cuando se estrenó Sólo Dios Perdona le dieron palos hasta en la foto del carnet; el público masivo, el que había disfrutado con Drive, quería más de lo mismo… y Sólo Dios Perdona no es más de lo mismo: es Nicolas Winding Refn en estado puro. Volvía a ser él, y la gente que no conocía sus anteriores trabajos se llevó un decepcionante desengaño.
Ahora llega su nueva película, The Neon Demon, y auguro que con ella ocurrirá exactamente lo mismo, pues su visionado resulta aún más duro y complejo que el de Sólo Dios perdona.

The Neon Demon narra la historia de Jesse, una jovencísima chica que huye a Los Ángeles con la intención de triunfar en el mundo de la moda. Allí encontrará belleza y glamour, pero también envidia, enfermiza competitividad y gente sin alma. La mayor maldición de Jesse es ser preciosa por naturaleza, sin que ningún cirujano la haya modificado para ajustarse a los cánones. Jesse irradia una luz con la que sus compañeras sólo aspiran a soñar, y eso puede ser peligroso en un ambiente competitivo, frío y deshumanizado.

La película, una suerte de híbrido entre Suspiria, de Darío Argento, Mulholland Drive, de David Lynch, y la literatura de Bret Easton Ellis, cimienta sus mayores armas en una estética perfectamente diseñada, donde la luz, el color y el uso de la cámara en combinación con la música cobran protagonismo absoluto. También posee una fuerte carga onírica y simbólica, de modo que verla con la idea preconcebida de estar ante un thriller de terror al uso con inicio, nudo y desenlace es un error. The Neon Demon va más allá de los convencionalismos, algo que desde luego no resulta nuevo en el cine de Winding Refn, y no busca contar una historia que vaya del punto A al C pasando por el B; en lugar de eso nos ofrece una trama no del todo lineal, difusa, donde las sensaciones acaban siendo más importantes que lo narrado. No es de extrañar, pues, que a pesar de tener un ritmo pausado y contemplativo, donde reinan los grandes silencios, las hipnóticas dos horas de película atrapen al espectador igual que a un conejo que sucumbe ante las luces del coche que se aproxima en la oscuridad.
Y como no podía ser de otra forma, bajo el glamour mostrado en The Neon Demon subyace una crítica feroz hacia ese mundo superficial e implacable, donde lo único que importa es poseer un físico impecable. El demoledor momento en que un personaje afirma que con veintiún años ya estás mayor para esos menesteres resume el espíritu de la película. De ahí que, entre las palmeras, los atardeceres y los locales de moda de Los Ángeles, surjan monstruos capaces de cualquier cosa por una dosis de belleza y juventud.
En el reparto destaca sobre todo la protagonista, Elle Fanning. Su aspecto frágil y delicado ayuda a que nos creamos su personaje, una chica desubicada, temerosa y fuera de lugar que poco a poco irá mutando hacia una oscura dirección.

En resumen, The Neon Demon es una película impecable y no apta para todos los públicos; si lo fuese no resultaría ni la mitad de interesante de lo que es.

Koldo Serra es para mí, junto con Nacho Vigalondo, uno de los directores españoles más prometedores del panorama cinematográfico patrio actual. Lo que se suele llamar “un soplo de aire fresco”.

Este hombre ya sorprendió al público con su agobiante cortometraje El tren de la bruja, donde, sin enseñar prácticamente nada salvo a un hombre sentado y rodeado de la más absoluta oscuridad, consigue hacer que el espectador se inquiete y se pregunte qué está pasando. Uno de los mejores y más efectivos cortometrajes que he visto nunca. Lo recomiendo.

Después de ese debut no era de extrañar que Koldo Serra saltase a la gran pantalla con su primera película, Bosque de sombras, todo un homenaje al cine de supervivencia y suspense rural como La presa, Deliverance y, sobre todo, Perros de paja (y este es el mayor parecido que tiene con el cine de Peckimpah, aunque muchos se empeñan en compararla con Grupo Salvaje. No entiendo por qué… no se parecen ni en el blanco de los ojos, pero en fin). Pero también tiene un cierto tufillo al spaghetti western de Sergio Leone, y esto lo podemos comprobar al final de la película. Un guiño bastante evidente y descarado.
También veo que tiene ciertas similitudes con Furtivos, no argumentalmente, pero si en las maneras. Ambas son un crescendo de tensión que el espectador sabe que, de un momento a otro, va a estallar en violencia. Esto mismo es lo que le pasa a Perros de Paja, con la diferencia de que Bosque de Sombras y el clásico de Peckimpah comparten algo más que maneras.

El argumento cuenta la historia de dos matrimonios extranjeros que vienen al norte de España a pasar unos días de tranquilidad en una casa de campo. Un día, estando de caza, los dos hombres del cuarteto descubren una cabaña en la que hay una niña pequeña encadenada, con las manos deformes. Los hombres tratarán de liberarla, pero esto desembocará en un choque de culturas con pésimas consecuencias. Es lo que pasa cuando se enfrentan la razón y la superstición con escopetas de por medio, en resumen.

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