De entrada digo que me gusta mucho el cine de Xavier Dolan, pero no soy un entusiasta y no creo que tenga ninguna obra maestra. Aunque Mommy tiene muchas cosas que hacen pensar que estamos cerca de una obra maestra.

La más interesante de las películas del joven canadiense cuenta la recurrente (en su filmografía) historia de una madre que tiene problemas con un hijo. Una historia que aunque pudiera parecer trillada, parece totalmente nueva en manos de Dolan.

Lo primero que te llama la atención es su cámara. Para empezar la película parece haber sido filmada desde un iphone. Parece mentira que las siempre estéticas dimensiones cinematográficas a las que estamos acostumbrados puedieran dejar paso a un claustrofóbico plano cuadrado que encierra a los personajes y no los deja respirar, muy afin a la historia que cuenta. Dentro de este pequeño espacio Dolan recurre a atractivos movimientos de cámara (ese Steve dando tumbos con un carro), a primerísimos planos en los que es imposible mentir… Aún así, he de decir que no me parece la más cuidada de sus películas en este aspecto, quizás también porque Mommy es callejera, es rápida, es salvaje, es joven, como los selfies que los adolescentes suben continuamente a su móvil, como el selfie que los tres protagonistas se hacen en un momento de la película.

Los tres (podemos decir que únicos) protagonistas de la cinta son dos antiguas musas del director (aunque adoro a Suzanne Clément, creo que Anne Dorval está en esta película insuperable, como la barriobajera y divertida madre coraje. Por momentos, su cara y sus aspavientos me recuerdan a Victoria Abril) y un joven desconocido (probablemente el papel que hace 10 años hubiera deseado protagonizar el mismo Dolan, pero que en manos de Antoine-Olivier Pilon adquiere una profundidad y realismo alucinantes).

Personalmente me sobran 30 o 40 minutos de la película, que disfruto, pero no del mismo modo. Tengo una continua sensación, durante la última media hora, de que no necesita ese plano de ahí, aquel otro de allá, para dejar cerrada la película en condiciones. Y sin embargo, Dolan (que no sólo dirige, también escribe) consigue volver a atraparme los últimos minutos de película con un impactante final.

PD: y sí, si has escuchado hablar maravillas de la secuencia en la que suena Wonderwall de fondo, por algo será.

Desconozco si, en una década, vamos a ver un Después de Medianoche. Pero de momento, se puede decir que pocas veces se ha contado en el cine una relación de amor y amistad, una relación, al fin y al cabo, con tanta veracidad como esta. Es lo que suele ocurrir en las series de tv, que cuentan con horas y horas para explicar cosas que aquí explican un par de impresionantes elipsis de 9 años.

Un guión escrito a seis manos, aunque parece totalmente improvisado (en el buen sentido). Y eso, en gran parte, se debe a los actores. No quiero quitar mérito a Linklater, que ha demostrado ser un buen director y tener un ojo muy acertado detrás de la cámara. El simple hecho de haber imaginado una película y rodarla en (de momento) 20 años es grandioso. Pero creo que Antes del anochecer es, en resumen, Delpy y Hawke. Celine y Jesse. Dos actores que nunca han estado mejor. Totalmente creíbles y totalmente cercanos. Me creo totalmente que hace 9 años se reencontraran en París y hubiesen seguido juntos hasta ahora. Preciosa la relación que parecen tener en la vida real (que no sé si es idílica o inexistente) porque en estos paisajes griegos parecen estar replicándola. No parecen personajes: parecen personas.

En definitiva, muy recomendable película, a la altura de la primera entrega, madura, triste, que deja poso.

En algunas ocasiones, cuando acaba una película, me atrapa tanto una historia que me gusta imaginarme el futuro de una pareja, de una persona. Me ocurrió hace años al ver a Ricky y Marina llorar y cantar Resistiré al final de Átame. Y me ocurre con muchos de los personajes de esta película coral.

En la ciudad, una película aparentemente pequeña, sencilla, me recuerda mucho a algunas escenas de Woody Allen. En la ciudad podría ser un Manhattan con aspecto mediterráneo y sabor a aceite de oliva. Una comedia más agria que dulce, de unos personajes, desubicados unos, e ignorantes otros. Cesc Gay y Tomás Aragay hablan de muchas cosas pero de una en particular: lo duro que es querer (el personaje de Eduard Fernández), ser querido (el de Brendemühl), o ni siquiera llegar a ser odiado (Pujalte), aunque estas casi 2 horas dan para que sus roles cambien continuamente, como la vida misma.

Parece injusto destacar algún personaje o alguna interpretación por encima de este reparto coral tan perfecto. Pero siento debilidad por los papeles de Irene y Mario y por las interpretaciones de los actores que los soportan: una espectacular -lástima que haga tan poco cine- y contenida Mónica López con una escena final que recordaré toda mi vida; y un sobrio Eduard Fernández -su papel fue premiado con un Goya de reparto- cuya sensibilidad hace perdonar los "delitos" que su personaje comete en la trama. Ambos están maravillosos.

Nunca he tenido problema en invertir momentos más o menos largos de mi vida en ver secuencias en películas que parecen aportar sólo belleza a nivel visual pero que carecen de contenido. Pero es que Somewhere parece ser una gran secuencia de 98 minutos que sólo muestra imágenes preciosas sin tener que contar gran cosa.

Estaba en el cine y me imaginaba a Sofia Coppola cargada con una cámara moviéndose detrás de los actores a los que dejaba improvisación absoluta. Probaba a ver qué pasaba.

Afortunadamente, las interpretaciones Dorff y (sobre todo) Fanning son muy creíbles y ayudan a que te creas esta historia de un padre no del todo ejemplar con una niña perfecta. Es, sin lugar a duda, lo que más me ha gustado de la película, esa relación cariñosa de padre e hija. Lo más fácil podía haber sido ver a una niña molesta con un padre actor que sólo piensa en sí mismo; sin embargo, esa niña (que parece una Sofia de hace 25 años) está enamorada de su padre (¿Francis?), al que admira, quiere, respeta y cuida.

Muy buena elección, como siempre, de la música. Y preciosa, los planos que acompañan "I'll Try Anything Once" de los Strokes, el baño en la piscina tomando te.

Somewhere se deja ver, aunque, puestos a comparar, no se acerca a la intensidad de Lost in traslation, una película que aparentemente tampoco tenía guión pero que contaba de un modo bellísimo la eterna historia de amor.

Siempre me han parecido interesantes las películas que recurren a recursos como el flashback o el flashforward para contar historias. Me gustó en Lucía y el sexo; me gustó muchísimo en La mala educación (fue, probablemente, lo único que me gustó de La Mala Educación); y Lost es otro gran ejemplo de lo que puedes lograr haciendo uso de tiempos pasados... o futuros.

En La Piel que habito, Pedro Almodóvar recurre a un gran flashback para explicarnos la historia de Robert y Vera, el cual no entiendo. No sé por qué existe. No sé por qué la historia no se cuenta de un modo lineal. No me aporta nada. Es más, me desvela, en cuanto empieza, la trama de la película (puesto que me hace intentar unir historias y buscar coherencia).

Almodóvar ha querido construir una película superprofunda que hable de muchas cosas, entre otras, de la libertad y del sentimiento de posesión. Me ha gustado Antonio Banderas (el cual no es santo de mi devoción) y mucho Elena Anaya (que sí lo es). No entiendo mucho la profundidad del personaje de Marisa Paredes (ella está estupenda) y por qué se empeña siempre en ser tan intensa (sin llegar a Portillo de Los Abrazos Rotos); y me sobra el personaje de Roberto Álamo. No sé por qué está ahí, vestido de tigre. Me gustan Susi Sánchez y Barbara Lennie, que aportan un mundo surrealista y divertido, cercano a las comedias de Almodóvar que tanto nos divertían. Y me ha sorprendido, para bien, Jan Cornet, con un personaje muy bien construído.

No me atrapa la historia que me quieren contar. No me la creo, me parece fea, por momentos, grotesca. Los 5 primeros minutos me pregunto qué ha hecho Elena/Vera para estar secuestrada por un loco (que parece la evolución del Ricky de Átame). A continuación... pierdo el interés.

Se merece un aplauso la música de Alberto Iglesias. Soy incondicional de su arte desde hace tiempo y creo que ha hecho una BS portentosa llena de fuerza y con algunos temas muy originales.

Espero que La Piel que habito sea el "Laberinto de pasiones" de los 80; el "Kika" de los 90; el "La mala educación" de los 2000... y que en esta década que estamos estrenando, las próximas películas de Almodóvar sean más cercanas a "La ley del deseo", "Tacones Lejanos" o "Hable con ella".