Casi todos conocemos a alguien que emigró a otro país en aquella difícil década de los sesenta. Tratándose de un tema tan familiar para muchos españoles, extraña que no se haya tratado demasiado en nuestro cine.

Sin ser una obra fuera de serie, sirve para que todos aquellos que emigraron en el pasado esbocen una sonrisa al verse reflejados en aquellas situaciones, y para desterrar para siempre muchos tópicos falsos sobre el carácter de los extranjeros y su trato hacia los españoles.

Escrita, dirigida e interpretada por Carlos Iglesias, quién le ha visto y quién le ve. Tras encarnar a Benito en Manos a la obra y engendrar a Pepelu en el programa de Pepe Navarro, se estrena en cine de forma aceptable, sin demasiadas pretensiones. Todo lo que se ve en la cinta pasa de verdad cuando dejas tu país para vivir un tiempo en el extranjero.

La despedida es difícil, la adaptación es dura, y unos años después vuelves para sentirte extraño en tu patria. La vida del emigrante entre dos mundos, sin pertenecer completamente a ninguno de ellos. Es que, además, por aquellos tiempos se vivía mejor en cualquier país de Europa que en el nuestro.

No creo que esté edulcorada, ni que sea demasiado sensiblera, como algunos han dicho. Eran circunstancias difíciles y si no, preguntad a alguien que lo haya vivido. Es muy oportuna para quitarnos la venda de los ojos y recordarnos lo que éramos hasta hace no tanto, ahora que España es un país receptor de emigrantes.

En esta historia hay tiempo para la risa y para la reflexión. Iglesias sabe plasmar muy bien esa incertidumbre que se siente al estar en una tierra extraña.

Una de esas obras que se aprecia que están hechas con amor e ilusión, y que transmiten esa ilusión al espectador, que pasa un buen rato viendo las peripecias de los protagonistas. El resultado es una de esas cintas que puedes recomendar con tranquilidad a tus amigos, teniendo la seguridad de que ninguno te va a reprochar que le haya disgustado.

Los debutantes Jonathan Dayton y Valerie Faris firman una espléndida comedia off Hollywood. Es una de las sorpresas más gratas del año, no en vano fue nominada para el Oscar a la Mejor Película.

Se trata de una película con situaciones hilarantes e impredecibles, en la que se da otra vuelta de tuerca a la típica familia disfuncional. Los Hoover lo pasan mal, tienen muchos problemas, la vida es muy perra. Pero son felices; se nota, ¡cómo se ayudan los unos a los otros! A la hora de la verdad sus relaciones son de comprensión y cariño.

Es una invitación al optimismo, un intento de enderezar los maltrechos valores de nuestra sociedad, regida por el materialismo, la competitividad y la envidia.

La industria del cine en Estados Unidos es una máquina de devorar actrices una vez que superan la treintena. Toni Collette me parece una de las pocas actrices cuya carrera está resistiendo la aparición de las arrugas.

Greg Kinnear es un tipo que tiene cierto criterio a la hora de escoger sus proyectos. Dio el salto en la magnífica Mejor… imposible, y desde entonces ha alternado fracasos comerciales con alguna incursión en el cine independiente, por ejemplo en Desenfocado, de la mano de Paul Schrader.

Pequeña Miss Sunshine es una forma divertida de pasar el rato; te deja una sensación agradable al terminar. Digamos que es uno de esos casos en los que no se espera nada y nos vamos gratificados.

A veces sucede que alguien nos recomienda con entusiasmo que veamos una determinada película. “Tienes que verla, de verdad, que está muy bien”. Si varias personas nos repiten lo mismo, vamos a verla con unas expectativas inusitadas. Y generalmente no era para tanto. Nos creamos tantas ilusiones, que cuando termina se nos queda un mal sabor de boca.

Y también ocurre al contrario: que vamos a ver una peli sin esperar nada de ella, y nos sorprende gratamente. En ese momento nos alegramos de haber ido al cine. Aunque es improbable, así podemos descubrir alguna obra maestra cuya existencia desconocíamos. Os aseguro que eso fue lo que me pasó cuando mi destino se cruzó felizmente con The man who wasn´t there. Apoyada en dos sólidos pilares como son Billy Bob Thornton y Frances McDormand, los Coen entregan una original y densa intriga que homenajea al cine negro destilando elegancia y sobriedad.

Un Billy Bob Thornton en estado de gracia ejecuta una actuación perfecta. Tal como yo lo suelo decir, Thornton está sobrado, algo que sólo detecto cuando estoy ante genios como Jack Nicholson o Tom Hanks. Aluciné viendo todo el rato su rostro impasible rodeado del humo espeso de su cigarrillo.

Estamos habituados al humor negro, las situaciones surrealistas, chantajes, o personajes estrambóticos que suelen aparecer en el cine de estos hermanos que tanto han hecho y están haciendo por el cine contemporáneo. Todos los años, los buenos aficionados al cine esperamos impacientes los nuevos trabajos de Clint Eastwood, Woody Allen y los Coen. O por lo menos yo. Son los momentos, no por breves menos dulces, que me liberan puntualmente de la amarga cartelera.

La magia de esta película está en su fotografía en blanco y negro, a cargo del británico Roger Deakin, quien ha repetido en dos trabajos posteriores de los Coen: Crueldad intolerable y The ladykillers. Lo curioso es que fue rodada en color, y luego editada en blanco y negro, lo que explica una fotografía tan luminosa. En televisión han emitido la primera versión, con colores apagados, pero claramente en color. Para mí no hay comparación.

Por un lado, es un poco triste e injusto el escasísimo público con el que contó en su estreno. Pero, por otro, esto no impide que la valoremos como una joya perdurable en nuestras mentes. La crítica ha coincidido en alabarla pues, sin duda, se trata de uno de los trabajos menos conocidos y más acertados de los hermanos.

Es un film de silencios prolongados, parco en palabras pero generoso en gestos y tabaco. Cuentan que Thornton pasó un tiempo ingresado después del rodaje, enfermo de tanto fumar. James Gandolfini (¿o era Tony Soprano ?) es el tercer vértice del triángulo en esta historia. Ojo a la fugaz pero intensa aparición de una jovencísima Scarlett Johansson, la sensación del momento.

Good night and good luck es una de las mejores películas americanas que se han estrenado en España a comienzos de este 2006. Sin ir más lejos, compitió por el Oscar a la mejor película con Munich, Brokeback mountain o Crash.

Quienes la consideren ópera prima de George Clooney, deben saber que éste dirigió Confesiones de una mente peligrosa (2002), en la que centraba ya su mirada en el mundo de la televisión, obteniendo buenas críticas en Estados Unidos.

Salta a la vista el arduo trabajo de documentación llevado a cabo por Clooney y Grant Heslov (guionistas). Sabían que el tema del film requería datos e ideas contrastadas. Se han incluido grabaciones de la época y videos reales del propio McCarthy. La ambientación es adecuada, la puesta en escena es realista y elegante. Se corresponde muy bien con el estilo de Clooney, el blanco y negro con sus trajes negros y el pelo gris. Tiene ese aire que el popular actor suele pasear por los actos sociales y el papel cuché.

La fotografía está sumamente cuidada. Te sitúa perfectamente en la época en que tuvo lugar uno de los episodios más oscuros y tenebrosos de la historia de los Estados Unidos.

La interpretación de David Strathairn es soberbia. Sabe transmitir en todo momento la profesionalidad que se le supone a un periodista de su talla, con la mirada o con gestos. Me parece sobrecogedor su temblor de manos, justo antes de comenzar el programa que declara la guerra mediática al senador. Su discurso muestra el aplomo, la serenidad y la agresividad del propio Murrow. Un diez.

Clooney se reserva el personaje del productor y hombre de confianza de Murrow, Fred Friendly, También están por ahí Jeff Daniels y Robert Downey Junior.

Si tuviera que objetar algo a esta magnífica cinta, sería quizá el estar tan repleta de datos y sucesos históricos. El espectador debe hacer un esfuerzo por introducirse en su contexto, y la trama no le da facilidades para ello. Eso es algo inherente cuando vemos cualquier tipo de arte al principio, pero esta vez era un asunto realmente poco conocido para mí.

Ni que decir tiene que esto es achacable a mí, y no a la película. No obstante, su contenido marcadamente histórico hizo que en los primeros momentos me perdiera un poco, ante la avalancha de información, fechas y personalidades.

Clooney la ha dirigido impecablemente en tono documental, y su abundante retórica atraerá a algunos y echará hacia atrás a otros.