Habiendo pasado unos días desde su estreno en Sitges con unos resultados en cuanto a crítica y público que entiendo muy satisfactorios para su director y productores, he llegado a la conclusión de que Jaume Balagueró se ha convertido en uno de esos cineastas que hagan lo que hagan van a recibir el aplauso incondicional de espectadores y críticos, lo que me lleva a la única conclusión de que tanto Balagueró como “Mientras Duermes”, están siendo presurosamente sobrevalorados.

No merece la pena discutir si es su mejor película ya que la comparativa nos llevaría a pensar instintivamente en la saga “REC” y el registro en este caso es completamente distinto. Si “REC” nos sumergía en una narración frenética de terror con trazas realistas, mezclado con cine de zombis, “Mientras Duermes” es un thriller de intriga que se acerca al terror en momentos muy concretos y de forma muy sutil, no llegando nunca a buscar el susto o el miedo, en el espectador. Su intención es el suspense. El tempo, la narración, los espacios y los ambientes nos podrían hacer pensar en el tan nombrado en estos días Roman Polanski, pero creo que con una concepción cercana a su cine, Balagueró no ha logrado ni acercarse al maestro, quedándose en un largometraje de los que anhelamos los que amamos el cine de género, debido a su escasez y más en nuestro país, pero muy lejos de esos ambientes sobrecargados, tétricos y lúgubres que necesitaría una trama como la que se nos plantea.

El mayor problema de esta cinta no es ni mucho menos la dirección, por descontado el reparto, que es de lo mejorcito en la actualidad ibérica, sino un débil y resquebrajado guión que hace de la labor del director catalán una misión imposible a la hora de crear las añoradas tensiones e intrigas. Lo que pretende ser un ejercicio de estilo, una creación de ambientes y un análisis de las motivaciones de los personajes, se convierte en una primera mitad de película sencillamente aburrida. Con la pretendida idea de crear suspense y sobre todo de marcar un tempo narrativo adecuado, cosa que el director logra sin duda alguna, lo que veo en la pantalla no me aterra, ni me pone de los nervios; logra lo que pretende, que es advertirme de que algo se cocina a fuego lento en esa portería, pero no me seduce en esa primera parte que debería estar destinada a crear una inquietud exasperante. Formalmente es correctísima, pero narrativamente es del todo floja, en buena medida por acercarse en exceso a tópicos casi infantiles, pero sobre todo por un deseo que difícilmente puede ser disimulado de vincularse al mainstream.

-sigue sin spoiler-

Es muy poco el cine de calidad que nos llega desde un país como Nueva Zelanda, aún teniendo un embajador de lujo como el propio Peter Jackson. El caso de Brad Mcgann, es especialmente dramático por habernos dejado el 02/05/2007, poco después de habérsele diagnosticado un cáncer.

Allá por 2004 rodaría esta pequeña joya del cine independiente, que destila sensaciones de belleza e intranquilidad a partes iguales y que nos narra ese viaje interior hacia lo más inescrutable de nosotros mismos. Fue premiada con el Fipresci en Toronto ese año y ha quedado en la historia del cine indie, como vestigio de lo que podría haber sido una gran carrera en el séptimo arte.

Basándose en la novela homónima del prolífico Maurice Gee, nos narra cómo tras la muerte de su padre, el renombrado fotógrafo Paul Prior regresa desde Europa a su recóndito pueblo Neozelandés, diecisiete años después de marcharse, para encontrar ese pasado del que resulta imposible desprenderse.

La estructura narrativa parte de un drama familiar cargado de búsquedas personales de la verdad propia, con una sensibilidad palpable y patente en cada mirada y en cada frase de unos personajes genuinos y hermosos, interpretados con una responsabilidad dramática que me produce una empatía e identificación considerables. Parte de la clave de esta veracidad y credibilidad, viene dada por un guión redondo y unos personajes llenos de matices, pero todo se reafirma con la brillante relación dramática de sus dos personajes principales: Matthew Macfadyen en el papel de Paul Prior y la fulgurante Emily Barclay. La relación entre los dos y sus paralelos viajes existenciales para encontrarse a sí mismos es el arma dramática que hace de la cinta un pequeño tesoro.

El otro punto de vista narrativo interesante es cómo partiendo de ese drama, el director va recargando la historia con cierto oscurantismo y con una sensación de suspense in-crescendo, para terminar convirtiéndose en un thriller policial solvente en su clímax, y relajarse hasta un final que aunque rompa la estructura narrativa posible, devuelve al espectador a la situación natural, la de las emociones tristes y bellas.

El uso de elipsis y flashbacks de forma coherente no hace más que incrementar una riqueza en sus formas que ya tiene en sus contenidos.

La fotografía de Stuart Dryburgh cumple su papel, pero no aporta absolutamente nada, salvo el tratamiento de la luz en ciertas escenas interiores con un estilo de iluminación de zonas, capaz de crear los ambientes más favorables.

(sigue sin spoiler)

Si revisamos por encima la hasta ahora corta carrera de Alexandre Aja, nos daremos cuenta de que es un joven director francés, que ha logrado cierto respeto de público y crítica, desde su primera película. Con su debut, titulado “Over the Rainbow”, estrenado en 1997, ya logró ser candidato a la Palma de Oro en Cannes, en la sección de Cortometrajes.

A partir de ahí, tras haber rodado tan sólo dos películas más en Francia, ha acabado directamente en la soleada Los Ángeles y en esa Meca del cine occidental que llaman Hollywood. Todo esto está muy bien, pero como la peli que nos ocupa, toda su carrera peca precisamente de lo mismo que peca Hollywood, entretenimiento, sí, buen cine, contadas veces.

“Alta tensión” es un Thriller de terror, que gustará a aquellos que disfrutamos con la sangre, los asesinos en serie y el gore de inteligentes... intenciones. Me parece una película entretenida, fácil de ver y que no deja malas sensaciones, una vez que has llegado a los títulos de crédito, pero de entrada le veo un fallo extremadamente grave: en ningún momento sé quién es el asesino, qué representa, porqué mata, no me presenta al personaje, ni me lo desarrolla, ni me lo concluye, tiene el mismo fallo que infinitud de películas de terror, sólo veo a un tipo que se dedica exclusivamente a llenarlo todo de sangre porque sí.

Esto mismo le pasa en parte al resto de personajes, las dos protagonistas son llevadas de aquí para allá por un guión lleno de trampas y con alguna sorpresa que aunque agradable, también manida y previsible.

Cómo puntos positivos podría decir que crea cierta atmósfera, con ese planteamiento rural que trata de explicar en parte la situación y con algunas escenas diurnas bien fotografiadas en contraposición a la nocturnidad constante. Amén de la aceptable interpretación de Maïwenn Le Besco, que cuenta en su currículum al menos, con un personaje en una buena película como “León” de Luc Besson y que trata de llevar a su personaje a ese punto en el que nos podemos sentir identificados y sufrir un poco con y por ella.

La música de François Eudes, sin ser de gran calidad, si logra en determinadas escenas crear tensión y ambiente. El resultado es como toda la película, agradable, mientras no te pongas a meditar un poco.

Simple divertimento sin pretensiones, para aficionados al terror, de un director demasiado influenciado por gente como Craven y nada influenciado por maestros como su compatriota Henri-George Clouzot.

"Grizzly Man" cuenta la vida de Timothy Treadwell, un ecologista y documentalista que vivió, filmó, estudió y amó a los osos pardos de Alaska, cuyo nombre biológico es "Ursus Arctos Horribilis", durante 13 años.

Treadwell es un hombre inadaptado y perturbado que decidió vivir entre los osos Grizzly. Esto significaba para él una vía de escape de una sociedad cuyos intereses y normas no comparte, una forma de huir de sus propios demonios para plantearse un tipo de vida arriesgado y aparentemente sin sentido. Hay multitud de secuencias y escenas que son prueba de esto, durante todo el documental se le ve poniendo nombres a osos y zorros, hablando con ellos y presumiendo de un amor profundo y verdadero por los animales. Este personaje produce la sensación de haber perdido en parte la cordura. Pero al mismo tiempo, Treadwell es también un visionario, una persona distinta, que toma un camino completamente ajeno al resto de los humanos, es hermoso ver como se arriesga la propia vida y la de tu ser querido, por un sueño, por una forma de vivir que es la tuya y la de nadie más. Se podría entender como un viaje macabro en busca de la felicidad y el valor es la única palabra que define este viaje. A parte, su labor ecologista es encomiable aunque a veces confusa e incluso absurda.

Herzog mezcla escenas propias con grabaciones de Treadwell a lo largo de varios años y así va dando forma a este bello documental. Utiliza el recurso del narrador para ofrecer su propia visión sobre el personaje y las cirscunstancias, como punto de unión entre Treadwell y el público. Deja patente su discordancia con Treadwell en cuanto al significado de la naturaleza; mientras Treadwell aporta su visión basada en el amor y el equilibrio, Herzog se contapone con su visión despiadada, viendo el asesinato como algo natural y la selección natural como algo obvio.

El tratamiento de las entrevistas es muy personal, es como todo el documental una visión poética y filosófica de cada tema tratado. Capta a los personajes con su máscara, mientras responden a las preguntas y también cómo vuelven a ser personas normales, tras la entrevista. Recoge la esencia de cada entrevistado y por supuesto del protagonista. En esto tiene mucho que ver el montaje, los planos de la persona entrevistada, comienzan mucho antes de empezar a hablar y terminan mucho después. Cualquier montador o editor lo habría cortado, pero en este caso es muy importante para la visión de Herzog.

El director no comparte todas las ideas del protagonista, pero se acerca al personaje con humanidad y con respeto, siendo este documental un homenaje a Timothy Treadwell.

Podemos dudar de la veracidad del personaje, e incluso del mensaje del documental, es una idea cargada de locura, perturbación y posiblemente mentira razonable, pero deja un exquisito sabor de boca y apetece volver a verla.

"Grizzly Man" es cine de calidad, por su belleza y sobre todo porque viene a decir que la libertad no tiene límites.

Dirigida por Isabel Coixet y estrenada en España el 28 de Agosto de 2009, premiada con el "Vulcain 2009" al mejor sonido en el festival de Cannes. Es una de las tres candidatas para representar a España en los Premios "Oscar" en la categoría de "Mejor película de habla no inglesa", así como en los premios Ariel de la Academia de Cine de México.

La historia se centra en tres personajes importantes, Ryu, una chica solitaria con doble vida, que trabaja en una lonja de pescado en Tokio, y esporádicamente recibe encargos como asesina a sueldo. El Sr. Nagara, un poderoso empresario, que llora la muerte de su hija y David, que es propietario de un negocio de vinos en Tokio. A parte tenemos al ingeniero de sonido, de edad avanzada, amigo de Ryu, que es testigo mudo y narrador de la historia.

El papel de Ryu es interpretado por Rinko Kikuchi, ganadora del premio Gotham al mejor actor revelación, y nominada al Globo de Oro y al Oscar a la mejor actriz de reparto por la película Babel.

David, interpretado por Sergi López, que cuenta con un premio César y un premio de la Academia de Cine Europeo, como mejor actor principal por "Harry, un amigo que os quiere".

Takeo Nakahara se encarga de intepretar al Sr. Nagara y Min Tanaka es el narrador e ingerniero de sonido.

Es una historia intimista y preciosista, muy del estilo de Isabel Coixet, cuyo defecto es que no termina de conseguir que te identifiques con los personjes. A partir de ese punto todo son virtudes, la fotografía es bellísima, consigue plasmarnos su propia visión de tokio, con minuciosos planos cenitales de la ciudad y nos va dibujando una historia de desamor, soledad y muerte.

Se echa de menos algo de profundidad en los personajes, pero estéticamente alcanza puntos muy interesantes. Quizá el título de la película nos muestre metafóricamente la visión personal de Coixet, por la ciudad de Tokio. Me parecen muy interesantes ciertas secuencias, por ejemplo las hileras de almendros en algún parque de la ciudad, que tan representativos eran en las películas de Ozu.

Como posibles influencias en el estilo me parece interesante recordar al mismo Ozu, estéticamente, a Wim Wenders en cuanto a la representación de personajes perdedores y perdidos y esa aparente confusión narrativa y a Wong Kar Wai por su Chungking Express. En cualquier caso, no llega nunca al nivel de los tres.

El sonido, premiado en Cannes y la banda sonora están perfectamente acoplados a la historia y funcionan perfectos y con mucho estilo. No se trata de una banda sonora al uso, si no de varias canciones elegidas por Coixet, que apoyan y refuerzan el tono narrativo de la historia.

Coixet nos ofrece una nueva visión de Tokio con su marilloso estilo, mas afortunada en la estética que en la narrativa, pero aún así merece la pena verla y sobre todo disfrutarla.