El inexorable porvenir de la vida humana. El dolor, la felicidad, se entremezclan en una misma trama. Nada o pareciese que nada conlleva un transfondo. La vida fluye y el tiempo no se detiene. Todo crea y a la vez destruye. Todo florece y a la vez desaparece.
Creemos conocer la lógica que reina a la vida, pero es solo un espejismo.
Toda realidad es un punto de vista. La objetividad muere y decae en las páginas blancas manchadas por letras de un libro en cuya tapa aparece el título “Historia” pero no “Historias de vida”.
Es a partir de aquí donde germina la semilla de este film cálidamente filmado por Van Groeningen (basada en la novela autobiográfica de Dimitri Verhulst)

Film espeso, de relieves y grietas en su construcción dramática, nos invita a contemplar la vida como un mapa plagado de personajes y momentos.
Su sutil pero a la vez directa narración construida a partir de cambios de temporalidad cronológica nos adentran en dos períodos fundamentales de construcción de identidad del ser humano: la niñez y la adultez.
Nuestro protagonista, Gunther, circula por estos dos ejes temporales. La ciudad de Flandes en los 70´ y la moderna actualidad. Trazos de anécdotas, hechos y souvenirs nos muestran una historia de vida particular y lejana para algunos (la cultura belga) pero universalmente cercana, universalmente humana.
De ahí es donde radica su belleza, en donde el espectador se siente reflejado y conectado emocionalmente con lo que se cuenta. En el encuentro entre el descubrimiento de lo nuevo (el contexto geográfico y cultural) y el disfrute de lo cercano y conocido (la vida misma).

“LA VITALIDAD DE LOS AFECTOS” ES ARTE EN EL SENTIDO MÁS UNIVERSAL PERO A LA VEZ PARTICULAR (AL MEJOR ESTILO “BILLY ELLIOT”/STEPHEN DALDRY/2000) DE MOSTRARNOS A NOSOROS MISMOS, ESPECTADORES, COMO SOMOS, SERES HUMANOS. ES DECIR, UNA HUELLA EN EL INFINITO TRANSITAR DEL TIEMPO.

15 minutos iniciales invaden a nuestra mirada curiosa.
No se sabe cuál es su significado, su idea o su motriz conductora. Son simples planos que nos muestran a dos hombres pescando en plena noche.
Después de estos densos minutos de contemplación se inician los créditos del film. Y nuestra percepción ya desde el inicio se sumerge en un laberinto narrativo de desconcierto y desconocimiento.
El espectador puede llegar a pensar que esta situación de incoherencia es solo inicial. Lamentablemente esto no es así, esta vía de inconexión circula durante todo el transcurso del film.

Esta agresividad conceptual se divide en períodos de tiempo, espacio y una supuesta temática. Es decir, en secuencias que nos ilustran de manera constante alguna situación en particular: masturbación, violación, escenas de archivo, imágenes documentadas, un viaje en ferrocarril, etc.
Llegando al desenlace de la película se aclara un poco el sentido global del relato cinematográfico.
Las últimas secuencias nos cuentan a través de imágenes documentadas la crisis política y social de Tailandia en 2009-2010 donde los llamados “camisas rojas” (Frente Unido Nacional por la Democracia contra la Dictadura) sitiaron Bangkok contra el primer ministro Abhisit Vejjajiva, generando la represalia de los militares. De ahí nace el título "The terrorists", el nombre con el cual el gobierno denominaba a los sublevados.
Al visualizar esto último, nos damos cuenta que toda esa bruma e imágenes difusas conceptualmente tienen un fundamento ideológico y un mensaje escondido.
A partir de esto podemos plantear diversos significados a las secuencias vistas anteriormente. Podríamos decir que la escena de la masturbación es un acto de rebeldía y libertad individual del tailandés frente al gobierno represor. Que el abuso sexual expuesto en un tramo de la película demuestra claramente el abuso de poder tanto político como militar del gobierno asiático. Y así sucesivamente.

El caso es que este planteamiento en mi opinión no cumple con el objetivo de transmitir mediante imágenes abstractas e inconexas un mensaje interior. Y se vuelve un parafraseo y una intelectualización de los medios audiovisuales que se escapa de los recursos propios del séptimo arte.
Sin embargo, es posible que esta cinta tenga una connotación más directa y comprensible para el público tailandés, testigo de estas aberraciones.

EN RESUMEN, UN FILM QUE SE CUBRE DEL MANTO DE CINE EXPERIMENTAL PARA EXPRESAR UN SENTIMIENTO, UNA IDEA Y UNA FORMA DE ENTENDER LA CRISIS TAILANDESA DONDE EL HOMBRE MOSTRÓ SU MÁS ATROZ Y FUNESTA FACETA.

Mirar con ojos curiosos, oir las palabras ajenas, sentir las vibraciones latentes del ser humano.

Mulvad, co-fundadora de la productora Danish Documentary nos inmerge en la vida de dos mujeres que las une y las divide el lazo de madre e hija. Con un pasado en común de dinero y placer. El pertenecer al encanto de la burguesía se ve anclado por un presente desdibujado y difuso de pobreza. Anhelando el pasado perdido, y sobrellevando el día a día estas dos danesas que viven en las costas soleadas de Portugal enfrentan la realidad cara a cara.
Dos caminos se bifurcan y uno deberá ser elegido: el vivir del recuerdo y llorar la ausencia del bienestar económico o el de afrontar el ahora y pensar en el futuro.

3 años de filmación han sido necesarios para que Eva Mulvad novelara este fragmento de vida que confronta dos peculiaridades inmensas en la existencia humana: la relación madre e hija, la riqueza y la pobreza.
Varias aristas surgen de estos dos focos que son los desencadenantes de la trama y el espíritu del film. El humor y la tragedia se conjugan, los dos personajes carismáticos en sus determinados roles son los responsables de transmitirnos los acontecimientos y emociones de la historia. El conflicto entre las dos mujeres, la madre responsable supuestamente del debacle y que ancianamente se defiende de los insultos y humillaciones de la hija. Y esta última coqueteada en su niñes por el poder del dinero, se ve malformada por la vida del trabajo y el esfuerzo, ajenos a ella.
De ahí nace los más diversos pasajes cómicos como la búsqueda de trabajo por parte de la hija, el ahorro diario y los gastos innecesarios. El lado trágico y melancólico: la muerte del padre y esposo, el recuerdo de la vida anterior y las discusiones enceguecidas y malgastadas entre madre e hija.

MADRE-HIJA /POBREZA-RIQUEZA SE ENTRELAZAN PARA CREAR UN DOCUMENTAL ESTIMULANTE EN SU ENFOQUE HUMANO. EN GENERAR UN AMBIENTE IDEAL DONDE VAN SURGIENDO LAS FACETAS, COMPLEJIDADES Y CONTRADICCIONES DEL HUMANO COMO SER SOCIAL.

El burlesque está de paso por las ciudades galas. Su esencia norteamericana sacea las bocas hambrientas del público francés.
Comandado por un animado empresario representado por el ícono del cine francés, Mathieu Amalric, el film nos ilustra los avatares de un espectáculo “Made in USA”, en gira por Francia.

Aunque pareciese ser que como delata el título (tournée= tour/gira) se prioriza sobre las andanzas de esta compañía exorbitante, compuesta por un grupo pintoresco de diversos personajes. Esto compone simplemente un biombo cinematográfico, una máscara que oculta el verdadero foco de interés de la trama principal: Joachim, es decir, Amalric.
El film circula, centralizándose en el diario vivir del protagonista, de un sujeto insufrible pero a la vez cercano, que mediante su encanto trata de sobrellevar la gira de este espectáculo delirante y festivo, pero sin dejar de establecer sus propias penas y desidias.

Este tipo de relato se asemeja a la estructura conceptual y narrativa de las cintas de Aronofsky (“El luchador”,2008/ “Cisne negro”,2010) en donde se vislumbra el detrás de escena, el otro lado de personajes llamativos.
De ahí la construcción visual por medio del uso de la cámara en mano, lo cual genera una interacción más directa e íntima con el protagonista.
Siempre se establece una subtrama que actúa como telón, para ocultar el primer motor inmóvil de la historia, como la lucha libre y el ballet en Aronofsky y en este caso el burlesque. Son escenarios que contrastan con el centro de atracción del cine clásico y también de arte y ensayo: el protagonista principal y sus conflictos externos e internos.

CONTAGIOSA EN SU MIRADA INNOVADORA DEL BURLESQUE, "TOURNÉE" SE HACE VALER POR SU AFORTUNADA Y COHERENTE APUESTA DEL DIRECTOR POR SÍ MISMO, POR SU FACETA ACTORAL. DEJA EN MANOS DE SU INTERPRETACIÓN INIGUALABLE E INTENSA EL PORVENIR (PREMIO AL MEJOR DIRECTOR EN CANNES) DE UN FILM PECULIAR SOBRE UN EMPRESARIO Y SU ENTORNO.

Decir algo positivo de este film me resulta una tarea difícil y ardua.
Sus errores se vislumbran por doquier y nos impiden considerar a esta película como una obra artística, su identidad desaparece en una niebla de incongruencias.

Empezando por un guión desafortunado tanto en su composición como en su esencia, en otras palabras, transmitir algo por medio de una idea original e accesible para el espectador.
Continuando con una puesta en escena adulterada tanto en su iluminación de estudio como en su escenografía artificial.
En cuanto a los actores, fallecen en su intento de hilvanar el transcurso de la historia. Sus actuaciones, principalmente la de Uma Thurman (que desde sus primeros papeles y los otorgados por su amigo Tarantino, no levanta cabeza) y Paddy Considine, no logran crear una identidad propia en sus roles ni en sus sentimientos, expresados en demasía por medio de diálogos explicativos que frivolizan una relación amorosa poco creíble tanto en su origen y posterior conexión, como en su ejecución actoral. Cuyo mayor responsable es el realizador en no instruir a sus criaturas en sus funciones.

La cinta navega entre lo esquemático y lo previsible, haciéndolo poco honor a su descendencia teatral (“My zinc bed” del reconocido dramaturgo inglés Sir David Hare). Su intento de asimilar esta obra cae en una disociación de carácteres. El teatro es el teatro y el cine es el cine. El teatro se nutre de las pausas actorales, de la frases recitadas. Mientras que el cine no le sienta cómodo los tiempos comatosos, necesita más flexibilidad en sus diálogos y actuaciones, sino se asemeja a una burda parodia.

UN REPARTO PERDIDO EN EL SINSENTIDO DE LA CINTA.
UN DESIERTO DE CREATIVIDAD ARGUMENTATIVA. Y LA FRAGILIDAD DE SU FUNDAMENTO HACEN QUE ESTA OBRA RENUNCIE A CAER EN EL OLVIDO.