He de reconocer que todas las películas que vienen abrazadas a la etiqueta “basada en hechos reales” hace que arquee mi ceja, normalmente o son muy edulcoradas o se distancian medianamente del hecho que pretende narrarnos.

Esta cinta nos trae una historia muy interesante de cómo un grupo de pequeños inversores plantaron cara al coloso inversor de Wall Street con su apoyo continuo a una pequeña empresa dedicada a videojuegos (principalmente intercambio, venta de accesorios y segunda mano).

La moraleja está clara: la democratización de entornos tan hostiles y viciados como el mercado de inversión debería asegurar que el ciudadano medio tuviera la posibilidad de acceder a él y no encontrarse con mil trabas subversivas orquestadas por gigantescas corporaciones multinacionales que lo único que buscan es cerrar el coto para que sea un parque privado donde sólo un grupo exclusivo de miembros puede participar de sus réditos.

Craig Gillespie que es un director que conjuga a la perfección su narrativa con humor y drama (muestra de ello son “Yo, Tonya” o “Lars y una chica de verdad”), construye la trama con información precisa, pero sin sobrecargar el espectador, por momentos es gracioso, por momentos didáctico…

El elenco está plagado de rostros conocidos: Paul Dano se hace con el protagónico aportando esa extraña actitud que desprende que le viene de perlas al personaje, Pete Davidson hace de su hermano (y de sí mismo), America Ferrara pone el rostro una vez más a esa América trabajadora de orígenes latinos y a Shailene Woodley se le echan en falta más escenas de peso, pero aporta naturalidad y encanto.

En la balanza de los antagonistas contamos con auténticos colosos del humor: Seth Rogen y Nick Offerman bordan sus papeles, y actores con la solvencia de Vincent D'Onofrio o Sebastian Stan dotan al conjunto de un puntito de calidad que se agradece.

No es la película del año, obviamente, pero entretiene y en ella subyace un mensaje de optimismo y unidad que siempre conviene reivindicar.

Pongámonos en antecedentes, el film se estrenó en 1971 en la que podríamos denominar la etapa de decadencia de la maravillosa productora Hammer, no en vano los expertos fijan 1974 como el año del comienzo del fin cuando se estrenó la incomprendida “Capitán Kronos, cazador de vampiros”.

Estamos, por lo tanto, en un momento en el que el público no demanda el mismo terror ni las mismas historias que hace un par de décadas, ha evolucionado y ya no se sorprende con las adaptaciones de monstruos clásicas aderezadas con toques de violencia, sexualidad y ese espíritu barroco que revolucionó el género.

Para esta “Dr. Jekyll y su hermana Hyde” contamos con Roy Ward Baker que en esta ocasión juega sus cartas con gran habilidad, para mí estamos hablando de su film más importante junto a “Las amantes del vampiro”, el artesano configura una explosiva mezcla de géneros que cubren desde Jack el destripador a Frankenstein y los doctores locos, tamizados con unas pizquitas de los ladrones de cadáveres y por supuesto, Jekyll & Hyde, núcleo central de la historia.

Además, se presentan varias temáticas sumamente incómodas para la época, como la dualidad sexual del protagonista (hermafroditismo), el cambio de géneros (transexualidad), cierta homosexualidad latente, que se proyecta en las actuaciones de Jekyll cuando es su hermana quien toma los mandos, una versión fémina y totalmente maléfica del buen doctor que hace suya de una manera genial Martine Beswick.

Ralph Bates como protagonista defiende con solvencia su papel, haciendo suyo un personaje que transmite egoísmo y ambición a partes iguales, en su desenfrenada búsqueda de la fórmula de la inmortalidad.

Es un pastiche, sí, como casi todas las producciones de la Hammer, pero es tal la mezcla de géneros y cuenta con un guion tan original y avanzado a su tiempo, que es difícil no quitarse el sombrero ante semejante rara avis.

Un cocktail que no dejará a nadie impasible.

Hal Ashby, uno de los más personales directores de la década de los 70, nos regala una verdadera joyita con alma de road movie, un tratado sobre amistad y un profundo estudio de caracteres que aparentemente queda disfrazado bajo un ambiente cómico e iniciático. Entregó “El Último Deber” justo después de esa obra maestra (incomprendida y vilipendiada a partes iguales pero grandiosa) que fue “Harold y Maude” y antes de otras perlas como “Esta Tierra es mi Tierra”, “El Regreso” y sobre todo “Bienvenido Mr. Chance”.

El guion del colosal Robert Towne es sencillo pero directo, presenta tres caracteres dispares y va desarrollando sus personalidades a través del viaje que ocupa el metraje íntegro del film.

En la faceta interpretativa tenemos a un más que correcto Otis Young, a un jovencísimo y casi irreconocible Randy Quaid (nominación a los Oscar incluida) y un actor que es el verdadero faro de la película, esa auténtica bestia de la interpretación que parece deambular por cada minuto de metraje devorando con su mera presencia cualquier atisbo de aburrimiento, estoy hablando como no puede ser de otra forma del grandísimo Jack Nicholson en la que es desde luego una de sus mejores interpretaciones (y una de las menos reconocidas).

Solo por ver a Nicholson derrochando carisma escénico y presencia a raudales merece la pena darle una oportunidad, pero además el film cuenta con más alicientes que hacen que su visionado se convierta en una experiencia más que recomendable.

Difícil tarea se le presentó a un para mí desconocido Philip Haas, y es que adaptar una novela siempre implica ciertas complicaciones y si es de un escritor tan personal y propenso a las figuras literarias, situaciones oníricas y con un mundo tan vasto y particular como Austen la tarea es aún más ardua. En ese sentido podemos afirmar que Haas ha salido vivo del envite y no solo eso, sino que además ha conseguido una obra sinuosa y que capta, en términos generales, la esencia de la novela.

El apartado actoral correcto, destaca un contenido (y casi irreconocible) James Spader y el trío de venerables actores M. Emmet Walsh, Charles Durning y Joel Grey (estos dos últimos en especial forman una extraña pareja por momentos cómica, por momentos terrorífica). El resto del reparto no desentona aunque tampoco destaca: Mandy Patinkin y Samantha Mathis correctos sin más y casi un cameo testimonial de Chris Penn.

No profundizaré en la historia ya que recomiendo encarecidamente la lectura de libro, pero si afirmo que es una de las historias más desesperantes y desarraigadas que he leído en mi vida no mentiré, y el film de Haas le hace justicia.

Recomendable para fans de Auster en general y lectores de “La Música del Azar” en particular.

Cualquier aficionado al cine que encare el visionado de este film se encontrará con varios detalles que le harán salivar cual perro de Pavlov, a saber: tres adaptaciones de un genio del misterio, del terror psicológico y de lo oculto y sobrenatural como Edgar Allan Poe, llevadas a cabo por tres interesantísimos primeros espadas del cine europeo y una auténtica maravilla de reparto con actores de la talla de Jane Fonda, Alain Delon, la Bardot o Terence Stamp.

El nivel de exigencia está muy alto, pero por desgracia no se satisface quedándose en una típica cinta episódica con poco espíritu y de nivel totalmente irregular.

El segmento de Roger Vadim (“Metzengerstein”) es inconexo, de adaptación totalmente incomprensible con una narración trompicada y con agujeros de guion más que palpables. La más floja de la terna y un más que deficiente homenaje a Poe. Lo único salvable una espectacular Jane Fonda que luce palmito (e improbables cambios de vestuario) lo que hace que la experiencia sea mínimamente aceptable.

La segunda historia (“William Wilson”) corre a cargo de Louis Malle quien consigue sin duda alguna captar la esencia del relato y plasmarlo en imágenes pese a que juega con la historia y la deja en su terreno. El aroma a irrealidad y misterio impregnan cada minuto del metraje y Delon está tan guapo como siempre ofreciendo una doble interpretación a la altura. Brigitte Bardot como siempre espectacular (y además en esta ocasión una de las pocas veces que se la ha visto luciendo cabellera morena en pantalla). Muy lograda.

Para cerrar el metraje contamos con el maestro Fellini que ya avisa desde el inicio de la esencia de libre adaptación del cuento (“Toby Dammit”) por lo que solo cabe dejarse llevar por su estilo tan personal y disfrutar con un relato onírico y terrorífico con unas sugestivas imágenes, decorados y situaciones que desembocan en un final previsible. Excelente Terence Stamp aunque se esperaba algo más del gran maestro italiano a la dirección.