En un estilo que podría vincularse, de entrada, a Érich Rohmer nos
Llega una película francesa muy brillante. Digo de entrada, porque aunque la atmósfera pueda ser similar tiene una clara diferencia. En los filmes de Rohmer las transformaciones son silenciosas, no pasa nada espectacular y hay una especie de continuidad en la discontinuidad que pasa del corte de escenario que nos lleva de una situación a otra.. En la película de Emmanuel Mouret, en cambio, pasan muchas cosas. Muchos son los temas que aparecen en la película, aunque el hilo conductor sean los encuentros en los están implicados el deseo y el amor. Encuentros y desencuentros que, en parte, son producidos por el azar, que conducen a dilemas vitales y morales de complicada solución, donde también el conflicto entre egoísmo y altruismo está presente. Las cosas que decimos y, sobre todo, las que no decimos. Silencios y mentiras condicionan la trama de relaciones y sus malentendidos.
El ritmo narrativo es muy bueno, las interpretaciones bordadas, las piezas de músic clásica que constituye el fondo sonoro son también muy adecuadas. Las dos horas que dura la película pasan de manera fluida, manteniendo el interés y gozo de lo que sigue siendo el buen cine.

¿ Porqué una película tan veraz y tan bien realizada tuvo tantos problemas para rodarse ? ¿ Porque una vez rodada ha pasado por los cines como de puntillas ? Porque la película trata de un tema tabú. El tabú no es el abuso sexual a los niños, tema sobre el que estamos informados y radicalmente condenado. No es eso. Lo que es tabú es la manera de plantearlo, que es, por otra parte, un ejercicio terapéutico de la directora Jennifer Fox basado en la sinceridad y no en la victimización. Lo que sorprende es que Jennifer Fox ( encarnada por una magnifica actriz infantil - Isabelle Nelisse. y adulta - Laura Dern- ) se resiste a asumir el papel de víctima.

El título de la película es "El relato" ( "The tale") porque partimos de lo que se ha llamado "el yo narrativo." Como sabemos desde David Hume las bases de la identidad son la memoria y la imaginación. Vamos construyendo con la imaginación lingüística una historia sobre nuestra vida. Con retazos de recuerdos que vamos hilvanando según una lógica que vamos decidiendo. Hay selección y distorsión en estos recuerdos, por supuesto. Pero finalmente podríamos hablar de un grado de veracidad en esta narración. Los psicoanalistas, de todas maneras, que siempre hay "la roca del inconsciente", el límite de lo innacesible por la represión primaria. También hay la frontera del preconsciente, de recuerdos que forman parte de la represión secundaria y que podríamos recordar si vencemos las resistencias que se ponen en marcha.

Jennifer Fox ( en la película Laura Dern) se ve confrontada, por un hecho contingente ( un descubrimiento azaroso de su madre) a una parte de su yo narrativo que tiene que ver con su iniciación sexual. Iniciación sexual que, por su carácter traumático, se le presenta como algo ambiguo y confuso. En la película no queda muy claro hasta que punto hay recuerdo y hay olvido. La cuestión es que la protagonista se ve interpelada al recuerdo traumático de la iniciación sexual por un adulto. Hay una serie de detalles que me llaman la atención. La primera es que Isabelle Nelisse ( la protagonista a los trece años, aparece como una niña y no como una adolescente). La segunda, conectada con la primera, es que esta niña es la anti-Lolita. Es lo contrario de la niña-mujer seductora.

Es interesante la manera como la mujer se enfrenta a la verdad de un recuerdo idealizado y que oculta lo que tuvo de terrorífico. No quiere ser víctima pero se sabe víctima de la manipulación y el engaño de un adulto perverso. Porque el entrenador ( Jason Ritter) es el prototipo del narcisista perverso que realiza un acoso implacable y sistemático a una niña que quiere dominar como su objeto sexual absoluto. Aquí hay que señalar también el ambiguo papel de la entrenadora ( Elizabeth Nebitki).

La música y la fotografía complementan el impactante guión y dirección y la excelente interpretación.

Quizás sea la falta de tono moralista la que hace la película poco soportable para quién quiera dejarse sacudir por esta gran película.

Escrito por Luis Roca Jusmet

Si viera por casualidad el inicio de la película no tendría muchas ganas de continuar. la típica historia del grupo de estudiantes que comienza la Universidad, en tono de comedia, no me resulta muy atrayente. Aunque sí hay que reconocer que engancha el ritmo inicial, muy trepidante, la música rock que le acompaña. Pero una referencia reclama paciencia y es la del nombre de su director, Richard Stuart Linklater, es el director de la cinta. Entre sus obras más brillantes, tenemos de Boyhod ( Momentos de una vida) o la serie Antes ( del amanece, del atardecer,del anochecer ).
Como luego explicaré hay un cierto hilo conductor entre las tres cintas.
El argumento no se sale, superficialmente, del tópico de este tipo de películas. Pero esta rodado con una vitalidad que contagia al espectador, evita las escenas de mal gusto
que abundan en estas cintas y nos transmite, en definitiva, el gozoso retrato de un grupo de camaradas, unidos por el deporte, que afrontan el inicio de una nueva etapa de sus vidas, la salida de la adolescencia y el paso a la adultez. En este interregno que son los años de universidad,en un contexto tan determinado como las universidades norteamericanas. El buen hacer del director hace que la historia resulte interesante y estimulante. Es también un retrato, el de la generación de los 80, que como he dicho se da en el marco de EEUU pero que en muchos aspectos puede ser extrapolable a otras sociedades modernas. La música acompaña y lo hace, por cierto, muy bien. Son los grandes del rock de los 80 : Frank Zappa, Blondie, Dire Strite, The Cars.
Pero la película tiene también su dimensión filosófica, que tiene que ver precisamente con las dos películas que he mencionado al principio. Es el tiempo, la temporalidad humana. Como sabemos,no es el tiempo el que pasa sino somos nosotros los que pasamos. Somos tiempo y somo una trama de relaciones. En "Momentos de vida" es la vida de un niño y su tránsito a la juventud lo que se pone de manifiesto y el director lo rueda además en tiempo real. En los tres "antes de" es el inicio de una relación, su consolidación, su crisis, su envejecimiento el que se pone de manifiesto. Lo hace además con la bella analogía del paso de un día con el paso de la vida. En la película que nos ocupa el tema se manifiesta de una manera más encubierta, más sutil. Cuando el protagonista, al final de la película, habla con la chica que ha conocido y esta le habla de la necesidad de una pasión que de sentido a tu vida y él le dice que esto es lo que es para él el beisbol. Que no importa lo que sea pero que sea algo que te apasione y de un valor y un sentido a tu vida. Es como un pasado que se deja y un futuro que se apunta. y el presente es, ni más ni menos, lo que experimentamos en el tiempo que pasa y que, en la juventud sobre todo, queremos atrapar con tanta intensidad.

El primer largometraje de Carol Rodriguez Colás es un buen regalo para los espectadores. Es una película muy fresca, que respira mucha veracidad. Se nota que tanto la directora como su hermana Marina, la guionista, beben de su propia experiencia biográfica. Trata de la amistad, del clasismo, de la necesidad de asumir los orígenes... Entretiene, emociona, hace pensar: combina, por tanto, muy buenos ingredientes. Muy buena interpretación del cuarteto protagonista, muy creïbles en sus papeles. Me ha gustado también la banda sonora, de Francesc Giner y Clàudia Torrente

Me parece interesante esta muestra de la periferia de Barcelona, que forma parte de la Cataluña real, aunque para muchos sea invisible.

El director Paul Greengrass nos muestra, con mirada serena y reflexiva, la cara del horror. Los terribles asesinatos que el año 2011 cometió en Noruega un terrorista fascista : casi setenta muertos y más de doscientos heridos, todos ellos adolescentes. Los mató a sangre fría. Antes había hecho explotar una camioneta cerca de la oficina del primer ministro laborista, con otros ocho muertos. La maestría de Poppe está en ser capaz de filmar, con una gran dureza y realismo, el itinerario de la masacre. Sin piedad, con mirada precisa, sin vacilaciones. La destrucción sin paliativos. Pero por otro lado es capaz de huir del efectismo y del discurso moralizante.

El problema que pone de manifiesto es la radical ambigüedad del acto. Muchas son las preguntas : ¿ un acto político o ? ¿ es responsable subjetivamente de su acción un psicótico que es consciente de lo que hace ?, ¿ lo es penalmente ? ¿ donde acaban los derechos de los que no respetan los derechos de los otros ?

El filme tiene la habilidad de combinar tres miradas : la de la víctima, la del criminal y la del abogado defensor de un criminal ? La mirada del abogado nos permite la contención de la distancia, la capacidad de que la indignación no ciegue nuestra mirada. El abogado acepta por principios la defensa de quién niega brutalmente todos sus principios. Es la primera paradoja. La víctima es la mirada de la incomprensión hacia el absurdo que casi le destruye, la del odio justo a quién le ha causado tanto dolor y ha provocado tanta destrucción. La mirada del criminal es la del odio transformado en violencia fanática. No es violencia gratuita, ya que efectivamente, hay detrás de su acto una posición política. Es el terrorismo político : el del yihadismo, el de ETA, el del fascismo. El del que cree que un ideal justifica la matanza indiscriminada. Por supuesto que hay más, hay el goce narcisista de la pulsión de muerte.

Posiblemente el diagnóstico de esquizofrenia paranoide no sea acertado. En todo caso un psicótico, con el narcisismo y la certeza que implica, con el discurso delirante que implica sin que llegue a lo alucinatorio o a la pérdida del sentido de lo real. Pero con conciencia y responsabilidad de las consecuencias de sus actos.

Magnífica interpretación de Jonas Strand Gravili y de Anders Danielsen Lie, inquietante dúo de lo más humano y lo más deshumanizado que hay en nosotros.