Si hay un artista en la actualidad que ha sido capaz de abandonar su rol de icono como actor y sustituirlo por una carrera estelar como director, ése es Clint Eastwood. Atrás quedan sus primeros pinitos, los spaghetti-western de Sergio Leone, y atrás, las violentas entregas del personaje que más éxito le reportó, el fascistoide Harry, aquel símbolo machista de la era nixoniana que profería lindezas del tipo… disparar sobre los que hay que disparar está muy bien, si alguien está contra el sistema ése soy yo, pero mientras no se encuentre algo mejor, lo defenderé. Con 74 años de edad, tal vez Clint Eastwood lo haya dicho casi todo como intérprete, pero gracias a Million Dollar Baby, su carrera como director atraviesa por un momento esplendoroso.

Todavía recuperándonos de las convulsas aguas de un río, nos adentramos ahora en las cuerdas de un cuadrilátero que, en vez de captar y atraer nuestras miradas hacia el deporte, lo hacen sobre la vida de dos perdedores en fases terminales diferentes: uno rehecho, Scrap (un nuevo y excelente secundario para Morgan Freeman), y otro, Frankie, en busca de redención. Una familia, pupilo y entrenador, símbolo de la lealtad entre amigos, que ve en Maggie Fitzgerald (Hillary Swank camino de su segundo Oscar) la luz necesaria para rellenar y ampliar el cuadrilátero de sus almas. Lo que empieza siendo una simbiosis entre Karate Kid y Rocky se irá convirtiendo en la obra trascendente que John Huston no pudo (o no supo) alcanzar con Fat City (1982).

Una toalla que no fue lanzada sobre la lona a tiempo, un ojo a la virulé, un sacerdote que arenga a su fiel durante más de dos décadas, un entrenador de boxeo que cultiva su tiempo libre leyendo a Yeats, la magia de una palabra de orígenes irlandeses, el vacío que deja la ruptura con una hija, las ilusiones provocadas por la irrupción de una luchadora, de una nueva candidata a la derrota, de un patito feo. Los detalles son los que hacen grande a un artista, y la última obra maestra de Eastwood (tras Sin Perdón y Los puentes de Madison) los tiene a patadas. Posee la narración omnipresente del cine clásico, ésa que colocaba al espectador en el punto de vista óptimo de cada plano. Con cada película, Eastwood se siente más capacitado, más autor. Su puesta en escena, la composición y el montaje, se combinan plácidamente en un viaje que terminará siendo, inevitablemente comparado, con Mar adentro. A diferencia de Amenábar, Eastwood construye su fábula moral sobre cimientos de elevada solidez, de vasta sinceridad y humanidad que no le impiden hacer gala de un irónico humor, eso sí, elevándose sobre el género y dotando a su estilo de una madura sencillez cercana a los clásicos Walsh y Capra. En este caso, el individualismo heroico se enfrenta a las circunstancias ajenas que lo conciernen, y el resultado no se lo concedo más que a ustedes.

La Maga

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Siento discrepar con mi compañero José Carlos. Acabo de ver Lust, caution en el Pöff, Festival de Cine de Tallinn, y, sinceramente, me parece, sin ningún atisbo de duda, de lo mejor que he visto este año. Ang Lee se confirma para mí como uno de los más talentosos autores del momento (ya lo demostró el año pasado con Brokeback Mountain, la obra maestra de la temporada, con la que Lust, caution comparte muchas señas de identidad e inquietudes). Y sí, damas y caballeros, digo autor porque es indudable y envidiable el oficio que este director ha mamado con el tiempo. Si al principio la película nos adentra en los cachivaches artísticos de unos sencillos universitarios con ínfulas patrióticas, poco a poco Ang Lee nos sumerge en una historia de espías y amantes con más aristas que La Casa Blanca. Mención especial merecen las interpretaciones de los dos protagonistas - pareja a recordar -, un Tony Leung capaz de desquitarse de su lado más bonachón y romántico (In the mood for love) y una Joan Chen que enamora, emociona y desgarra a partes iguales. No pretendo hacer una crítica, simplemente son unos apuntes, pero si son de paladares finos, y les gusta saborear las cosas sin prisas, no lo duden y denle una oportunidad a esta clase magistral de dirección. Sólo flojea en algunos instantes, pero son leves dispersiones, pues la obra posee tan buen gusto por los clásicos de siempre (Casablanca), que uno al final no puede sino rendirse ante las evidencias: estamos ante uno de los directores con más buen porvenir y peso en la industria del cine. Con Ang Lee, el clasicismo, en el buen sentido de la palabra, está a salvo (muchos dólares tienen que ofrecerle para que se traicione), dejando a la altura del betún el ejercicio onanista (El buen alemán) del sobrevalorado Soderbergh. Viejos combatientes del celuloide, degusten unos minutos que pasan volando gracias a una exquisita planificación (hay secuencias de escuela, para enmarcar), y si algunas tramas secundarias flojean, todo sea porque, al final, lo único que importa es que el amor es la única patria.

La Maga

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Wong Kar Wai lleva a cabo un experimento: diseccionar la naturaleza romántica.
Las imágenes creadas por Wong Kar Wai experimentan sigilo desde su composición a su degustación. De los pocos autores imprescindibles del momento, sus películas no se parecen en nada a las demás. Historias de amor, redención y perdición aderezadas por una puesta en escena repleta de inteligencia, buen gusto y sensibilidad. Su fantasía visual rescata la exquisitez del encuadre y el fuera de campo, la secuencia dentro del plano, la desnuda elocuencia de los relatos cruzados, y los fogonazos nostálgicos de color, música, silencio y claroscuro inmersos en tiempos imposibles y espacios intangibles.
2046 puede ser entendida como una continuación de su anterior film, la excepcional In the mood for love, ya que ambas fueron rodadas en paralelo. En esta ocasión, el Sr. Chow abandona la timidez y el recato en pos de un cinismo que esconde las terribles heridas emocionales de su pasado. Jugador y bebedor, renuncia al compromiso, pues ha decidido no volver a sufrir, y sustituye los relatos de artes marciales por los de sexo. A través de la búsqueda infructuosa de una mujer que reemplace los recuerdos del amor de su vida, Chow hallará a Su Li en el cuerpo de Bai Ling, una joven impulsiva que se enamora irremediablemente de él; en la mente de Wang Ping Wen, la sensible hija del dueño del hotel, y escritora aficionada, a la que Chow ayuda en su relación con un novio japonés que cuenta con la oposición del padre; y en el nombre de otra Su Li Zhen, tahúr profesional apodada la araña negra.
A pesar de su aparente complejidad conceptual y el sucedáneo de relato de ciencia-ficción que lo envuelve, Kar Wai muestra un absoluto dominio del lenguaje cinematográfico y realiza un monumental experimento al retratar el desamor y la imposibilidad de escapar al destino o la fatalidad. Fotografía, actores, vestuario y música (Umebayashi, Preisner, Delerue, Raben, Nat King Cole, Xavier Cugat, Dean Martin, Bellini...) apuntalan un universo magnético de promesas incumplidas, vidas destrozadas, y amores idealizados e imposibles.
El único tiempo que merece la pena vivir es el presente, los recuerdos de amores no correspondidos u oportunidades perdidas son una eterna frustración del deseo, y la memoria es la única depositaria del sentimiento irrepetible (el secreto se susurra en el agujero de un árbol para ser enterrado bajo el barro). La androide más humana vista en una pantalla desde Blade Runner acompaña a los protagonistas, que viajan sin retorno, a bordo de un tren ultramoderno, hacia 2046, el número de una habitación de hotel, o un tiempo que promete haber conservado intacta la memoria. Y es que, quien llega a amar de verdad, queda marcado por esa experiencia para el resto de su vida.

La Maga

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Catherine Hardwicke debuta en la dirección después de su labor como diseñadora de producción en Tres Reyes, 2 días en el valle, Tombstone o Vanilla Sky. Precedida de un premio a la Mejor Dirección en el pasado Festival de Sundance -, Thirteen sigue ahondando en la problemática de los adolescentes y la dificultad que entraña su paso a la edad adulta. Para ello, a la hora de realizar el guión, la directora ha contado con la colaboración autobiográfica de Nikki, una de las protagonistas.
A Tracy le gustan las muñecas, tiene dos buenas amigas, y viste calcetines de ositos, pero sus treces años comenzarán a cobrar otra dimensión cuando conozca a Evie, la chica más popular del instituto por su simpatía, belleza, estilo, admiradores... Poco a poco, en un intento por descubrirse a sí misma, encontrar respuestas, y conocer toda clase de experiencias, Tracy acabará siendo engullida por una bacanal de drogas, sexo y violencia. Si queda alguna luz al final del túnel, dependerá mucho de su capacidad de reacción y del apoyo de su madre, que también tiene sus problemas en forma de un ex-marido que desatiende sus tareas de padre, un alcoholismo ascendente, un trabajo asfixiante e insuficiente económicamente, y un intento por alcanzar una relación estable.
Thirteen recoge las virtudes de Elephant (no muchas), Las reglas del juego, Criaturas celestiales y Kids, o sea, una cámara persecutoria dispuesta a transmitir la ansiedad de buena parte de los adolescentes actuales, un montaje bien estructurado, no por ello falto de detalles, una disección patológica, y un fiel acercamiento a la inconsciente autodestrucción, el callejón tortuoso al que muchas veces los jóvenes se ven abocados por una falta preocupante de sentido y dirección en sus vidas.
Ni siquiera un abuso de la estética de video-clip, ni algunos huecos de guión que provocan el abandono de ciertas tramas y personajes, consiguen desviar este dardo envenenado lanzado a la memoria y conciencia del ciudadano global (occidental), ya sea padre, educador, político, o joven. Thirteen nos hace reflexionar acerca del mal funcionamiento de alguna pieza clave de la sociedad en el desarrollo personal de los creadores del mañana. En algo nos estamos equivocando, las vías de comunicación padres-hijos se están deteriorando, y no es consecuencia de obstáculos visibles, sino de fricciones afectivas y tendencias solitarias. Holly Hunter (sin duda, la mejor interpretación de las nominadas este año a actriz secundaria), Jeremy Sisto (habitual del cine independiente que está pidiendo oportunidades a gritos, visto en May y A dos metros bajo tierra), y las dos niñas protagonistas, componen una historia de desarraigo y desgarro en la que la amistad se confunde con la mitomanía, la curiosidad con la falta de criterio, y la independencia con el egoísmo. Una escena inolvidable por su dureza: Nikki desorientada automutilándose con una hojilla de cromo; una madre impotente lamiendo sus heridas.

La Maga

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Nominada al Oscar a mejor película extranjera, Después de la boda supone la confirmación de una de las voces más seductoras del reciente cine europeo. Tal es el impacto de su obra, que Hollywood ya está pergeñando el remake de dos de sus cintas (Te quiero pasa siempre y Hermanos), y la productora de Spielberg ya la ha fichado para hacer las Américas (Things we lost in the fire). Y es que el cine de Susanne Bier reúne el exquisito gusto por el melodrama de Douglas Sirk (Escrito sobre el viento, Ángeles sin brillo, Imitación a la vida…), la facultad indagadora de Bergman (Persona, Secretos de un matrimonio, Saraband…) y los elementos estéticos más refrescantes del Dogma (La herencia, Celebración). Casi nada. Con tamaña carta de presentación, sólo encuentro parangón en otros talentos igual de sensibles, Todd Field (En la habitación, Juegos secretos) e Isabel Coixet (La vida secreta de las palabras, Mi vida sin mí), capaces ambos de realizar lo que ya se conoce por estos lares como “culebrón de autor”.
La directora danesa sigue interesada en los secretos familiares. Con lo escrutador de su cámara en mano, en Después de la boda sus personajes vuelven a estar al límite. La fatalidad y el destino le permiten analizar de tal forma los dilemas morales y emocionales de sus protagonistas que uno acaba experimentado la misma agonía que ellos. Lenta e inexorablemente, el drama se va asentando en cuerpo y alma. Además, cuando nuestra credulidad corre peligro, es decir, cuando asoma el patetismo a causa de un exceso melodramático que no deja de ser sino mera subjetividad, aparecen unas elipsis tan apremiantes como vivificantes, la brillantez de un guión fabricado sobre moldes conocidos, sí, pero con un pulso tan firme e introspectivo que no hay cabo suelto que se precie, lo que suele ocurrir generalmente cuando se desatan las pasiones.
No desaprovechen la oportunidad de acercarse a una gran cineasta, a historias repletas de reflexión donde la fuerza de lo inesperado se cobra sus víctimas. Sólo hay que dejarse llevar por la intensidad que desprenden sus actores. Con tales interpretaciones, el compromiso del espectador es absoluto.

La Maga

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