Llevaba tiempo con el ojo echado sobre este documental, y aprovechando que está en Movistar+ me he decidido a verlo. Ciertamente no puedo estar más de acuerdo con la crítica de Carorpar "Doxa y episteme" y con sus apreciaciones sobre el snobismo y pedantería que desprenden muchos de los pasajes del documental y su visión multicultural "forzada".

Por aportar nuevas cosas que me han llamado la atención a lo ya dicho por Carorpar en su crítica, me parece demencial dedicar más tiempo al cine senegalés que al español, al que solo acude de pasada, y de igual manera pasa rápidamente por Coppola, dedicándole un solo minuto a El Padrino y 0 a películas como Apocalypse Now, y no puede decirse que no tuviera tiempo para ello porque dedica 3 capítulos enteros a tratar la década de los 70, lo cual indica que para Cousins -y en esto estoy de acuerdo- es la mejor década de la historia del cine, pero de nuevo sorprende que hable en esos 3 capítulos de los avances y el cine "radical" que se hizo en esa década pero ni siquiera mencione el cine político que se hizo en EEUU en los 70.

Dicho todo esto, no es menos cierto que el análisis puramente fílmico que hace Cousins de las películas es muy acertado, y el documental está muy bien en cuanto a invitación a conocer otro tipo de cine aparte del americano, pero en mi opinión, ese empeño por magnificar el cine del tercer mundo y menospreciar el de Hollywood es muy forzado, sesgado y totalmente injusto.

Top Gun Maverick es el perfecto ejemplo de lo que un buen guion y un mejor montaje pueden hacer por una película. Estos dos aspectos son los que marcan la diferencia respecto a su antecesora y los que hacen que sea MUY superior a aquella.

Por ejemplo, en la Top Gun de Scott las escenas de acción eran visualmente espectaculares para la época pero estaban montadas de manera muy caótica y no te enterabas de nada de los que estaba pasando; se nota que rodaron con muchas dificultades y montaron luego las imágenes como buenamente pudieron, mientras que en Top Gun Maverick está todo planificado al detalle y en las escenas de acción uno sitúa perfectamente a cada avión, a cada protagonista y sabe exactamente lo que está ocurriendo.

En la película de Scott el guion era también muy simple y los personajes muy planos. Muchos acusan de los mismo a esta nueva versión, pero no estoy nada de acuerdo; el desarrollo de los personajes es mucho mejor, hay mejores diálogos, y si a eso le sumas mejores actores te da como resultado un tratamiento más adulto y con mayor poso.

Es además una rareza en estos tiempos. Tiene ese espíritu optimista, desacomplejado y feliz que caracterizaba al cine (y la sociedad) de finales del siglo XX, y hace lo indecible por alejarse de ese pesimismo que nos rodea y que en el cine se ha reflejado en la manera como los guionistas parecen castigar la figura del héroe, atormentándolos con conflictos y traumas internos que nunca superan. El bueno de Miguel Juan Payán lo explica de otra manera: en el cine y series actuales los héroes no resuelven conflictos, y solo saben ir llorando por las esquinas.

Por esto, Top Gun Maverick es incluso un maravilloso ejercicio de hibridación entre clasicismo y modernidad. El guion es una lección magistral de cine de evasión y el último tramo está planteado como la más clásica película de aventuras que puedas recordar, mientras que el avance de los medios técnicos nos regalan una inmersión sin precedentes en las escenas de acción, hasta el punto que se puede afirmar, sin mucho temor a equivocarnos, que tiene las mejores escenas de batallas aéreas de la historia.

La película funciona como un tiro, la ves en dos pestañeos, y al tercero ya ha acabado, momento en el que sales del cine con una sonrisa de oreja a oreja y diciéndote a ti mismo: "Joder, qué buen rato he pasado. Qué buena es esta película".

Servant ejemplifica a la perfección lo que les sucede a muchas series: cómo se echa a perder una premisa interesante por el empeño de sus creadores en estirar un chicle que no da para más.

La primera temporada de la serie, sin ser la octava maravilla, resulta de interés, tiene atmósfera, genera suspense y, definitivamente, engancha. Al terminar la primera temporada uno ya intuye que la historia no da para más, y se huele lo peor de cara a la segunda. Y las sospechas se confirman.

La segunda temporada es verdaderamente nefasta. Si las actuaciones y decisiones de los personajes en la primera temporada tenían un cierto pase, en la segunda temporada la suspensión de incredulidad ya no se sostiene. Lo peor no es solo no entender nada de lo que hacen los personajes, sino que las actuaciones de los actores son grotescas, por lo que empiezan a sucederse escenas que bordean la vergüenza ajena.

He intentado ver el primer capítulo de la tercera temporada y he aguantado cinco minutos. Suficiente, esto no tiene pinta de remontar el vuelo.

De un tiempo a esta parte venimos viendo thrillers hechos en España de un nivel muy, muy alto. La isla mínima, Tarde para la ira, El Reino, No habrá paz para los malvados, Antidisturbios...

Hierro sigue la estela de todas ellas con la misma receta: realización estupenda, mucha atmósfera, buenos actores, historia creíble y guion que funciona como un tiro.

En todos estos ejemplos que he puesto, y en Hierro también, hay algo que las eleva por encima de la media, y es el tratamiento de los diálogos. Es algo que se ha discutido muchas veces: nosotros no hablamos como los estadounidenses, imitar su forma de hablar conduce al ridículo y la vergüenza ajena, cosa que vemos en numerosísimas películas y series españolas. En este caso, los diálogos de los personajes no son impostados, fluyen con naturalidad, y esto hace que te creas los personajes y las situaciones.

Pepe y Jorge Coira se han currado un producto audiovisual de gran nivel, que atrapa al espectador sin trucos baratos y sin tomarle por idiota, con una historia interesante, de ritmo impecable y que mantiene la tensión en todo momento. Y han sido lo suficientemente inteligentes como para saber cuándo plegar: en vez de estirar el éxito como un chicle, prefieren dejarlo por todo lo alto en la segunda temporada, antes de seguir arrastrando la serie por la decadencia.

Otro ejemplo más de que se pueden hacer bien las cosas en nuestro cine.

De la unión de estos tres genios nada puede salir mal. El hype por esta película está totalmente justificado: es una obra grandiosa, de pura genialidad y de un prodigio técnico que abruma.

Leo decenas de críticas que la atacan por el flanco de la historia, tildándola de mediocre, sin sustancia, apoyada únicamente en lo técnico. Reconociendo que la historia no es de una gran sofisticación argumental, yo soy de los que creen que en el cine también es posible emocionar y llegar al espectador a través de lo técnico. La decisión de narrar en plano secuencia y crear una experiencia inmersiva como esta ya es una decisión narrativa de gran calado. Lo fácil es narrar una película bélica al uso, como las cientos que ya se han hecho, y lo arriesgado es plantear el cine bélico como lo ha hecho Mendes, coqueteando descaradamente con el cine de aventuras y avasallando con la puesta en escena, la fotografía y la música como medio para subyugar al espectador con un torrente de cine adrenalítico, al mismo tiempo que poético.

Porque hay poesía en esta obra. Secuencias como la de noche, en la ciudad en ruinas y solo iluminada por bengalas, es una de las cosas más bárbaras que he visto nunca en un cine. No sé si algunos son conscientes de lo difícil que es rodar algo así, del talento tan absolutamente desbordante que requiere planificar algo como eso. La conjunción de fotografía y música en esa secuencia logran captar, como pocas veces se ha visto, la rara fascinación y la belleza que también reside en el apocalipsis. Es una locura, uno de esos momentos atravesados por la genialidad que se instalan directamente en la memoria.

Con esta película Mendes vuelve a demostrar su maestría con la puesta en escena. Pocos directores hay que la dominen de forma tan incontestable, probablemente gracias a su experiencia previa en el teatro. 1917 es nuevamente un ejemplo de esto, y es además un ejemplo de los lejos que puede llegar el cine a la hora de plasmar la condición humana, trazando un retrato de un momento y de una época que, aunque cruel y terrible, forma parte también de aquello que nos define como humanos, y que representa al mismo tiempo tanto esa extraña fascinación que sentimos por la guerra como nuestra repulsa por ellas.

Repito, pues, que no dejan de sorprenderme las críticas sobre el fondo y la forma que ha suscitado esta película. En su día también se dijo lo mismo de Birdman, o de algunas películas de Malick, como si solo hubiese una forma válida de hacer cine y abordar las mismas preguntas que nos asaltan como especie. ¿Qué os pensabais que era el cine, si no esto?