Interesante experimento el que acometió el director al plantear una historia que tanto tentaba la búsqueda de la fabulación futurista, regodeándose en los efectos especiales más avanzados que su época le hubiese permitido, a través de un lenguaje cinematográfico abandonado cuatro décadas atrás. Seguro que nos recordará a Stroheim esta narración que cabalga sobre fotogramas fijos genialmente escogidos, pero éste no deja de ser un aspecto, aunque lleno de intención en Marker, meramente técnico. Para mí, puestos a buscarle un referente entre los clásicos, está mucho más cerca del Murnau de Amanecer. Porque, más que ninguna otra cosa, la Jetée es una de las historias de amor más bonitas y mejor contadas que conozco.

Agradecerle a 12 monos el uso de la misma idea argumental, gracias a ello se ha rescatado este tesoro de la filmografía francesa para muchos de nosotros. Citado este punto de partida no encuentro relación alguna entre las dos obras. Mientras que en la película de Gilliam el viaje en el tiempo y por tanto la “historia de ciencia ficción” sirve como justificación y argumento central, aquí no es más que otra de las múltiples facetas. Si no por encima, a la misma altura están la historia de amor, la elección del lenguaje, la combinación de música y fotografía...Ya sé que es un tópico alabar las virtudes del original frente a la banalidad de la versión reciente (sobre todo si ésta es yanqui), pero en este caso es tan obvio que cualquier comparación resulta imposible.

Desconozco si estoy en lo cierto, pero me atrevo a decir que esconde hallazgos posteriormente aplicados por otros directores: la estética de algunos personajes de Delicatessen, la utilización de la voz en off que Lars Von Trier emplea en Europa...

Sólo añadir que al terminar el visionado he vuelto a ponerla otras dos veces. La recomiendo encarecidamente. No digo que se trate de una obra maestra pero, inusual en las formas y limpia de todo lo accesorio (no llega a media hora), es una experiencia que merece la pena. Realizando una analogía con la literatura; si, por ejemplo, Orson Welles representase al teatro y Ford a la narrativa, sin duda aquí estamos ante uno de los mejores poemas de la historia del cine.

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Al repasar el cine europeo a partir de la década de los 50, siempre me he sentido más interesado por el cine francés, sus ideas y sus formas, que por el cine italiano. Por contra, sin que sepa muy bien por qué, al final disfruto más del segundo que del primero. De alguna manera es como si siempre me decepcionaran los filmes franceses, quizás por lo ambicioso de sus planteamientos, y los italianos me sorprendieran positivamente, con un ideario mucho más factible.

Bueno, pues por fin he visto la película francesa que colmó todas mis (muchas) expectativas. La mama y la puta es un compendio de lo que se supone representa el cine francés: improvisación, cinefilia, naturalidad, realismo, franqueza y, por supuesto, un punto snob, que resultaría repugnante de encontrárselo por la calle, pero que no queda mal en la pantalla.

Comienza con dos horas de gran película arriesgándose a desmoronarse en algunos desajustes de la trama, para pasar a una auténtica obra maestra en el último tramo. A lo largo de estos largos sesenta minutos, el dolor muestra su cara más dura y todos los matices del principio devienen en el desmoronamiento de los personajes. Arriesgada en el planteamiento, consigue salvar los escollos de una trama complicada que fácilmente hubiese caído en el absurdo o la comedia de enredo, sosteniéndose en el guión más logrado que he visto jamás, con una profundidad digna del mismísimo Bergman. El estudio psicológico del ser humano en la sociedad actual demuestra la inteligencia de Eustache, que de forma transversal recorre todos los aspectos de la personalidad de cada individuo para verterlos en la omnipresente obsesión sexual de todos ellos.

Me queda una duda/deseo, ¿cómo sería esta película si la hubiese protagonizado el joven L.M. Panero de El Desencanto?

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Desde luego la película no me parece una obra maestra, cada secuencia, cada fotograma, fluye brillante al mismo tiempo que se muestra espeso y torpe como sí de un río de lava se tratase. El conjunto es demasiado autocomplaciente y al final quiere llegar a tantos sitios que no tengo claro si consigue llegar a alguno. Ahora bien, pocas veces se retrató con tanto éxito la ambición humana, a Daniel Day-Lewis le ha regalado un personaje mucho más complejo que el de Bette Davis en La Loba sin que por ello se pueda decir que es menos despiadado. De hecho lo es más, pues mientras ella no renunciaba a nada pues nada más quería, él mutila sus deseos con la misma frialdad con la que pisa a los que le rodean. Podríamos decir, en este caso sí, que estamos ante un enfermo de ambición.

There will be blood, espesa como el mismo petróleo, demuestra el evidente talento de Paul Thomas Anderson. ¿Demasiado pretenciosa? ¿Excesiva obsesión por mostrar el dominio total en todo momento?. Probablemente. De todas formas nada que ver con otros productos de directores “superdotados” de la actualidad estadounidense. El camino para manifestar su talento es probablemente igual de pretencioso pero sin duda mucho más interesante que el de, por poner un par de ejemplos, Jim Jarmusch o Kevin Smith. Ellos también transpiran ego pero, el primero desde Year of the Horse y el segundo en toda su filmografía, no tienen más sostén que la chispa de sus guiones pseudointeligentes.

Una cosa más, y aunque resulte obvio, me uno a todos los que han criticado la patética traducción del titulo. En serio, no sé que me alucina más: si que a alguien se le haya ocurrido o el que haya conseguido que le hagan caso.

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Romper una lanza a favor de Tropical Malady que, quizás no sea la mejor película del año que algunos han querido encontrar, pero que tampoco merece ser tomada como una cinta aburrida sin sentido ni contenido. No es justo sentenciarla como típica película asiática de ritmo lento, está muy lejos de encajar dentro de ese arquetipo que los occidentales hemos asignado a gran parte del cine asiático. Si bien la ausencia de diálogos es evidentemente, la simbología, la potencia de las imágenes, la dota de una densidad que no debería aburrir, o puede que sí, que todo es subjetivo y más desde el punto de vista europeo. Pero el ritmo no sólo lo marca el mayor o menor número de palabras por minuto, o de cambios de plano; de la misma manera que en una canción no depende de la cantidad de notas por segundo. No se come y digiere igual de rápido un entrecot que unas palomitas, sin que por ello lo primero sea menos nutritivo o placentero (tampoco digo que lo segundo sea peor, me encantan las palomitas).

Centrándonos en la película, el director la divide en dos partes ya no claramente diferenciadas, sino directamente separadas, donde en mi opinión, la búsqueda de nexos pasa por la ingesta previa de sustancias ilegales. Apichatpong demuestra una gran osadía narrativa con esta desestructuración y sus hallazgos formales, situándose en la vanguardia del lenguaje cinematográfico a la altura de grandes nombres del cine actual, como Claire Denis o Hou Hsiao-Hsien.

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La primera parte nos muestra el nacimiento de un amor homosexual entre un soldado y un joven campesino. Una relación mostrada sin morbo y con naturalidad, con una naturalidad que casi nos hace pensar que, en Tailandia, esto fuese algo normalmente aceptado. Y esa anormal normalidad (mierda de juego de palabras que me salió) paradójicamente dota a la película de un halo de misterio, pues sentimos que algo no está funcionando correctamente, por lo que esperamos ese previsible ramalazo del guión que termina por no llegar.

La segunda parte, mi preferida, es un thiller psicológico “perfecto”. No entiendo las quejas por falta de diálogo cuando el soldado deambula solo por la selva, que esperaban, ¿qué caminara recitando a sheaspeare?. Me gusta la transformación del protagonista, su peregrinación dentro de sí mismo, su adaptación sensorial a la selva, sun comienzos de locura hablando con los animales (lo cual por cierto ya va introduciendo diálogos).

En resumen, una gran muestra del nuevo cine que nos llega, no sólo de Asia, y que apenas consigue repercusión ya no en los circuitos comerciales, sino tampoco en páginas como ésta. De hecho, últimamente me encuentro con frecuencia ante la imposibilidad de votar películas por no estar en la base de datos de Filmaffinity.
Nombres que ni aparecen: Lidia Bobrova, Naomi Kawase, Alexei Popogrebsky.
Filmografías olvidadas: la ausencia de películas de Portugal, por la proximidad geográfica y cultural es imperdonable (Pedro Costa, J.C. Monteiro), el nuevo cine argentino (Lisandro Alonso, Santiago Loza,...)
Directores de los que encontramos una o dos obras (el propio Apichatpong, Claire Denis,...).
Y no hablamos de películas o autores mediocres, de hecho muchos de ellos han conseguido éxito de crítica y premios en los circuitos de festivales, incluídos los grandes de Europa.
De todas formas, no se trata de criticar un trabajo del que todos disfrutamos y al que no negamos el mucho mérito que efectivamente tiene, sino de recordar a los olvidados que también merecen consideración.

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Cualquier fotograma de esta película serviría para pegar en la pared. Los colores y las formas están estudiadas obsesivamente, trasmiten tanta belleza que acabamos viendo ese reducido y viejo apartamento como si de un palace-loft o algo por el estilo se tratara. La vida en una pequeña ciudad vietnamita, sumergida en un paradisíaco entorno natural que se impone a las edificaciones por cada ventana, por cada hueco, se nos presenta como ideal, pese a la ausencia de cuestiones tan básicas como el agua corriente. Tiene razón mi madre cuando dice que una planta bien colocada llena una sala como no lo haría el mejor mueble, si además colocas el objetivo detrás de ella, pensarás que estás en un paraje selvático civilizado con cuatro paredes y algún cuadro. Cuando la lluvia inunda las calles, todo parece limpio y hasta jurarías que ese agua cristalina que surcan las ágiles bicicletas huele bien, no como la clorada de nuestros vulgares grifos.

En el argumento la situación es similar. Un drama muy estudiado en cada detalle que de nuevo consigue trasmitirnos algo que no existe. No hay grandes historias, ni creo que ideas demasiado brillantes. Si acaso destacar el affair de la hermana mayor, el autoimponerse una relación de silencio con su amante le da un cierto encanto envuelto de misterio. Pero todo está contado con sumo cuidado, con precisión puntillosa tanto en los diálogos como en el ritmo.
Una curiosidad, me sorprendió la occidentalización de la sociedad en detalles como el uso de la guitarra en sus cantos o el omnipresente cigarrillo. Usado éste con una elegancia digna del Hollywood de Bogart y Bacall.

¿Los defectos?. Pues que pasada media hora empiezas a pensar que aquí hay algo que no encaja. No es sólo el cúmulo de artificios para conseguir presentar el lado “bonito” de la vida. Hay detalles que fallan, los actores pasan por encima de los problemas de forma poco natural, la vida parece que no dejase huella en ellos. Terminada la película, sólo la hermana embarazada y el fotógrafo demuestran una evolución coherente. Algunas sorpresas del guión no se sostienen, por ejemplo, no me creo que alguien que se despierta todos los días escuchando a la Velvet Underground sea tan extremadamente inocente en temas sexuales como para no relacionar el embarazo con la menstruación.

El balance final deja el poso de dos horas muy agradables, con ritmo, sin los temidos parones del cine asiático, pero con un fondo indefinible de falsedad que impide que te la acabes de creer del todo. La nota, quizás un poco alta, se la doy por el dominio que demuestra de toda la parte técnica y también por que tiene mérito saber encontrar el lado bello de las cosas.

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