Gattaca nos cuenta una historia de superación y lucha contra el destino impuesto y sin opciones, trata además sobre la amistad y la lealtad. Elogia a las ciencias (a la genética-por los simbolismos con el ADN en la escalera de caracol, a la astronomía, a la anatomía,…) a la filosofía y al amor. Gattaca es una sopa letras de ácido desoxirribonucleico, los nombres de los protagonistas son héroes de la mitología, se oyen voces de esperanto en Gattaca, de comprensión, de alegoría, es una oda a la voluntad de poder. La ambientación es sobria y retro pero innovadora y mágica a la vez (un confeti de colores: amaneceres, atardeceres, noches estrelladas,…).
La dirección, impecable y el guión, inteligente (el responsable, Andrew Niccol). La banda sonora es sutil y reveladora (Nyman ya nos desbordó en ´El Piano´) y los actores son expresivos, constituyendo el engranaje perfecto para marcar el ritmo narrativo ideal.

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La lucha schopenhaueriana de Vincent (Ethan Hawke) para demostrar que puede ser tan bueno como todos los válidos le obliga a tomar decisiones y cometer actos perfectamente ilegales pero no amorales (el uso de la antítesis es claro, el film pone en una balanza voluntad de cambio y norma, virtud vs. esfuerzo, ilusión vs. desesperación, innatismo vs. evolución, romanticismo vs. mentira, naturalidad vs. perfección, éxito vs. fracaso).Volar al espacio exterior se convierte en más que un sueño para Vincent. Aunque sus “limitaciones” biológicas son palpables, Vincent se propone acabar con lo empezado (una farsa que no se desvelará gracias al altruismo y afinidad de terceras personas: como el médico que tiene un hijo como él). Requiere la ayuda de Jerome Morrow (Jude Law) para obtener identidad de válido e introducirse en Gattaca (un pasaporte para su trayecto espacial). A pesar de los obstáculos como el crimen del director de la misión a Titán (que sabía su verdadera identidad) y las discusiones con su hermano (co-investigador del crimen) por su escalón prestado, se reedita el último pique que gana nuestro héroe con total nobleza y se lanza hacia Titán a velocidad de crucero. La película trata otra forma de marginación social y desigualdad: el genoismo (selección genética extrema) y la fecundación in-vitro al estilo 0 defectos. Tiene elementos del cine negro (por los escenarios donde van a tomar copas y las investigaciones del asesinato en Gattaca) y escenas muy notables como: su mirada asceta hacia el espacio mientras limpia, su ascensión a Gattaca como Jerome y lo meticuloso en su trabajo (qué nivel de detalle nos ofrece el film: la limpieza de un simple teclado) , el símil de Titán y la copa de vino envuelta en humo (realidad vs. sueño), el control de vehiculos donde tira las lentillas y debe cruzar la carretera, los piques del juego del ´gallina’ con su hermano válido, las curiosas muestras de ADN, las escenas románticas con su también pareja real Uma Thurman (paneles solares, una casa de ensueño junto a la playa, puestas de sol, beso robado), la escena de la escalinata (con el beso del verdadero Jerome y el control del policía fisgón) y el contraste de la medalla de plata y los mechones de Jerome en el despegue hacia la vida y la muerte.

fernando ruiz

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Blade Runner (título ingenioso en sí, la traducción literal sería ‘Al filo de la espada’) significa la obra referencia de la ciencia ficción. No fue un éxito de taquilla, ensombrecida por E.T., criticada por su complejidad argumental y por no tener un ritmo narrativo de una película de acción. Aún así, la película se enriquece al verla más de una vez, además de ser una de las películas más influyentes de todos los tiempos (es la madre de películas como Dark City, Batman, RoboCop, Matrix, Akira, Desafío Total, Terminator, Frankenstein, Inteligencia Artificial, Minority Report, etc.) debido a su ambientación de un futuro en decadencia e incierto (no aséptico como el de Odisea 2001, donde la idea de pasado, presente y futuro están cohesionados: la cochambre, el vestuario con trajes y corbatas oscuras, el edificio Bradbury, la escena de gente paseando en bici contrasta con los coches voladores,…). El guión se basa en la novela ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?’ de Phillip K. Dick aunque se enfoca más en los problemas del entorno y menos sobre las cuestiones de humanidad (la fertilidad de la población, la religión, los medios de comunicación, los animales, etc.). Cabe remarcar las dificultades en el plató (por el estilo británico de Ridley Scott frente a un equipo made in USA y también por presiones con el presupuesto y las condiciones de humedad y calor: el amanecer del monólogo del Nexus6 es efectivamente un amanecer) donde se crearon fricciones con el reparto y dio paso al tedioso director´s cut. Respecto a la banda sonora, Vangelis nos deleita con una música inquietante, espacial, romántica, con una idea de futuro. La mezcla de géneros como la ciencia-ficción, el cine negro, el drama clásico-griego, el cine de aventuras, y la influencia del barroquismo (donde ningún espacio queda vacío), el romanticismo, las implicaciones éticas que conlleva el dominio de la ingeniería genética, convierten al film en algo más que una simple película de ciencia-ficción.

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La película utiliza los ojos y las imágenes como llamadas de atención sobre la realidad, se elogia al recuerdo (por las fotografías-insertos en la mente de los replicantes que les dota de existencia) y se recalca la cultura y publicidad japonesa (según la previsión de que Japón superaría económicamente a USA). Hay que destacar el diseño y la ambientación: los vehículos y efectos especiales, el ruido constante de las sondas, los termiteros de las grandes urbes, el anuncio de refrescos Enjoy, los paraguas luminiscentes, el rastreador fotográfico, el secador (de agradable estética), el cielo (ocaso que da idea de acabamiento), el ascensor de la Tyrel Corporation e incluso el beso de Deckard a Rachel que es un beso de diseño. Todos los personajes están espléndidos: un dubitativo Deckard nos pone en bandeja unas reflexiones existenciales como colofón en el film, el Nexus 6 Roy Batty es un atleta (un Hermes de Praxíteles, el líder del motín, más humano que los humanos) que nos ofrece un elogiado e improvisado monólogo, Rachel es un personaje lleno de dramatismo (por la escena del test) y de romanticismo aplacado por la violencia en sus primeros flirteos con Deckard (denotan que los roces con su director y compañero de reparto dieron un buen efecto), Gaff vigila a Deckard y utiliza la Interlingua (jerga globalizada) y junto con su bastón genera un ambiente de misterio, Pris pone en evidencia la inocencia peligrosa de una replicante enamorada de Roy Batty, el capitán Bryant Walsh (jefe blade runner que trata a los replicantes como ‘pellejudos’) obliga a Deckard a desplegar la magia de blade runner, el Dr. Eldon Tyrel (un magnate corporativo creador de una recreación gradual de la esclavitud) es un personaje casi inaccesible gracias a una compleja partida de ajedrez. Memorables son las escenas del monólogo final, Roy Batty mirando al universo desde el ascensor de la Tyrel (muestra las ganas de aferrarse a la vida, es el mito de Prometeo) y la escena del precipicio (‘es toda una experiencia vivir con miedo ¿verdad?, eso es lo que significa ser esclavo’). Nos proporcionan una atmósfera de incertidumbre y junto al test del Voigt-Kampff se examina lo humano, los replicantes no son personajes tan apáticos, y mientras que los humanos muestran sus pasiones, la masa de la humanidad en las calles es fría e impersonal. Se nos pone en duda la naturaleza de Deckard y obliga al espectador a evaluar qué significa ser humano y cuál es el propósito de nuestra existencia. En la versión internacional para cines (con voz en off del personaje de Deckard) se da un toque de mayor comprensión y se incluye un final feliz, usando metraje de la película de Stanley Kubrick ´El resplandor´. Esperaremos con paciencia de blade runners al ‘The Final Cut’.

fernando ruiz

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Peter Weir (El Club de los poetas muertos, Único testigo), en claro contraste con el gran Christof (un grandioluente Ed Harris) nos aproxima la vida de Truman Burbank (el mejor Jim Carrey) en directo desde Seaheaven. Es el mayor espectáculo de la historia de la TV, toda una ciudad con numerosos extras, medios publicitarios, de merchandising y tecnológicos (es la segunda construcción humana que puede divisarse desde el espacio después de la Gran Muralla China). El film es una obra de arte del entretenimiento, un guión a la medida con planos muy logrados, un pulso narrativo impecable (lleno de humor y de romanticismo) y una fantástica banda sonora. Son destacables las interpretaciones de Laura Linney (Meryl) y de Noah Emmerich (Marlon). Es un film original, una alegoría a la libertad, a los sueños del ser humano, en definitiva tiene n lecturas por su capacidad sugestiva. El film no sólo es una crítica a los reality televisivos y al sueño del “american way of life”, sino a la explotación que ejercen las grandes empresas, a la manipulación que ejercen los medios, a la publicidad y a una sociedad capitalista opulenta y cursi (“sin peligros”, aséptica, pero llena de barreras) que estamos fomentando. Es una lucha por romper con el hábito que generamos en nuestras vidas, las cuales convertimos en rutina hasta llegar a hacerla indispensable para nuestra supervivencia.

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La evolución de Truman (desde sus miedos y deseos hasta su osadía y posterior frustración) le convierten en un personaje tan humano, vital, tragicómico (como la vida misma), pero esperanzado en darle un sentido a su vida (Fidji es su tabla de salvación). No le será fácil, numerosas trabas irán aconteciendo durante el film para hallar la verdad hasta acabar en un apocalíptico final (la escena del barco es puro metacine al son de un piano de Burkhard Dallwitz). El tratamiento hacia Truman, sin embargo, es inhumano (se le dota de recuerdos falsos, anécdotas y experiencias inventadas). El escapismo y la intención de abandonar una vida tan perfecta como agente de seguros quedan frustrados en todo momento, al igual que el emperador Pu Yi en su Ciudad Prohibida. El preciosismo, la virtud y la aparente felicidad de Seaheaven no son suficientes para Truman, porque nadie pudo colocar nunca una cámara en su cerebro. Inclusive el final es ocurrente: "Di algo por Dios, estás en directo ante todo el mundo" "Por si no nos vemos luego…buenos dias, buenas tardes y buenas noches"(irónica, sarcástica, hilarante, ocurrente y puntiaguda). Escenas destacables son: su reencuentro con su “padre” que “murió ahogado” (vaya planos!, el cine dentro del cine), la graciosa y claustrofóbica escena de su mujer haciendo publicidad del cuchillo y la entrada de Marlon con las cervezas (‘Esto no es profesional’, ¡cuántas veces se habrá dicho esta frase en el cine o en la tele!), el escape nuclear (¡hola Truman! y la captura al estilo E.T. con una BSO de fugitivo), la escapada de Truman y la fabulosa escena del barco con el primer plano del héroe (y el símil con el espectador de la bañera), la ataraxia final y los guardias de seguridad al apagar la TV (proponiendo una segunda parte de Truman en el mundo exterior).

fernando ruiz

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Nunca entenderé porque gusta el cine de Almodóvar. Es un cine pobre (con un estilo cañí y olé y nada cosmopolita), algo morboso, con personajes esperpénticos, interpretaciones vacías y giros argumentales incomprendidos por el otro lado de la platea. Gran parte de los espectadores sentimos que nuestro representante español (como director) en los Oscar no sólo nunca estará a la altura de Spielberg, Scorsese, de Palma, Scott, etc. sino de otros muchos. Este film no es una excepción ya que por desgracia volví a darle otra oportunidad (se la di con Carne Trémula y no me decepcionó, también estaba Bardem) y como no el espíritu de Carmen Maura (la peluquera rusa muda) me invadió de una completa resignación. De que a pesar del escote de Penélope, la España cañí, las historias de los pueblos y los chismes, la familia y alguna que otra muerte, la película no acuñaba nada interesante que aportar (un sinfín de secuencias sin una trama argumental clara signo de la improvisación de un genio manchego trastornado en su infancia). Es una pena, porque en vez de criticar las películas comerciales que sacan en Hollywood deberíamos comparar las que no son comerciales (las de calidad) con las nuestras y a lo mejor seguiríamos diciendo que el cine español avanza (por favor, no nos engañemos).

fernando ruiz

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John Rambo me parece una buena cinta de acción a pesar de no estar al nivel del resto de cintas de la saga y ofrece momentos de verdadera acción aunque también gore en exceso (esto es lo más criticable de la película, que es demasiado realista-este es el cine que se lleva ahora, un cine directo y menos inocente que el de los años 80).
El personaje de Stallone es convincente, es la figura del héroe implacable e imprescindible que no ha perdido su autenticidad (me parece asombroso el estado de forma del actor a sus 61 años).
No obstante, Rambo II es mejor debido a una dirección fantástica de George P. Cosmatos, una Julia Nickson espléndida y una trama (con acción, drama, cine bélico, con compromiso social) y unos efectos especiales increíbles para el cine de acción de aquella época. Yo crecí con ese cine y me da pena que los chicos de ahora tengan que ver un cine tan crudo y tan real, el cine no debería de resultar tan escabroso, es sólo una opinión.

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Lo peor: Echo de menos al coronel, a los helicópteros, falta banda sonora, no me gustan los actores secundarios a excepción de uno (el mercenario que escolta a la chica), el guión es escaso (pocos diálogos), la historia es lineal y menos completa que el resto de films, se hace poco y mal uso del flashback con escenas del resto de películas, la profesión de John Rambo como cazaserpientes es penosa (en la tercera parte al menos era paleta), los malos hablan poco o nada, hay exceso de metraje en la escena de recuperación de los rehenes. Y otra cosa, no entiendo porqué repiten la escena de la tortura con las minas (son masoquistas o qué, en la segunda parte se torturaba al fuerte, eso es lo que significa ver Rambo porque yo no he ido a ver La lista de Schlinder).
Lo mejor: Me gustan las escenas con las flechas (me recuerda a la segunda parte, pero las de la segunda parte eran explosivas), el asedio al cuartel de infantería y el ataque final encarnizado pero convincente y sobre todo me convence mucho el héroe (aunque no sus reflexiones sobre las razones para luchar; no entiendo el giro de que es un hombre de guerra pero sin orgullo patrio cuando la esencia de Rambo es que él defiende los ideales de su país a pesar de que su país no le corresponda).

fernando ruiz

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