Se supone que los filmes de animación están dirigidos a los niños. Cuantos adolescentes y adultos dicen no perder el tiempo en este tipo de géneros y resultan observando filmes a los para nada los invita a reflexionar. Caso curioso o anécdota es el de una amiga joven, quien tras ver la película “Up”, con su hijo de siete años, salió recomendándola a todo mundo con una cara de felicidad.

Muchas de sus amigas fueron a verla, con el pretexto de llevar a los niños a cine. Pero no importa. Allí, en la sala de cine, frente a frente ante las imágenes en movimiento de “Up”, salieron fascinadas y los niños ni hablar. ¿Qué pasó? Pues la cuestión hay que responderla con otra formulación: ¿Cuál es el mensaje de la película de Peter Docter y Bob Peterson?

Pues muy sencillo: las ganas y el deseo de hacer muchas cosas por la vida, a pesar de la edad que tengamos. Que nada es imposible, si la imaginación y el amor por lo que se indaga con corazón y bravura son motores de búsqueda. Que siempre hay en el camino alguien que decide acompañar nuestros intereses e ilusiones. Que hay que vivir de pequeñas utopías. Esto en lo que respecta al señor Carl Fedricksen (personaje parecido al mítico actor Spencer Tracey).

Respecto al niño de ocho años Russell, toda una metáfora de la inocencia por querer ayudar, por buscar nuevas metas al alcance de las posibilidades de la mente inocente. El afán de la mirada ingenua para y por construir un camino lleno de aspectos gratificantes.

Y lo último que reina como idea madre de esta película, a mi juicio obra maestra: Juventud y sabiduría, como los ingredientes para superar los malos hábitos de aquellos —el fastidioso Charles Muntz en el filme—, quienes creyéndose salvadores (¿de qué?), lo único que hacen es satisfacer su megalomanía —y en el este planeta hay muchos y por todas partes—.

Y como vemos al final de la cinta: sentados el niño y el anciano sobre un bordillo tomando un helado. ¡Ah! A un lado parqueado el dirigible —la metáfora de estar dispuesto a otro viaje en la búsqueda de aventura—, pues la batalla de la felicidad, no ha sido un trofeo esquivo. No es cuestión de leer libros sobre la felicidad. Es la resolución e imaginación para sentarla a tu lado.
Gonzalo Restrepo Sánchez (Film critic, Barranquilla, Colombia)

gonzalo restrepo sanchez

[ver vista para enlazar]

Primero, es necesario interpretar la vida como un hecho fortuito y desconocido. Ahora, el ser humano —su “¡Máxima Expresión!”— a través de su afanosa vida existencial, la ha orientado muchas veces a complicadas combinaciones preceptúales, y la “energía del cosmos” —magistral y bellamente metaforizada en el film— la ha dotado de capacidad de reproducirse, originando lo que podríamos denominar como los potenciales vitales —manifestaciones biológicas— que nos rigen.

Sin embargo, no debemos olvidar que el mundo en el que vivimos, no es lo que parece exteriormente. Entonces, bien vale formular la siguiente pregunta. ¿Por qué, y lo reitero con énfasis, nuestra facultad perceptiva y cerebro —información sináptica— actual no tienen posibilidades de ir más allá, y vemos las cosas de acuerdo al desarrollo sensorial y la capacidad intelectual alcanzada en cada uno de nosotros?

Entonces, la idea madre de “Avatar” es que el primer enemigo a vencer uno como hombre, es uno mismo. Que en ese diálogo interior —sobre esta vida y la otra—, en esa búsqueda del Nirvana —palabra sánscrita, utilizada en oriente para referirse al momento de extinción de los deseos materiales—, sólo uno (usted, por supuesto) es absolutamente capaz de encontrarla —metaforizada en “Tsahik”— y también, al mismo tiempo, derrotar los prejuicios, simbolizados en el film en batallas y luchas cuerpo a cuerpo.

Ahora, James Cameron lo condiciona con su estilo sublime y magistral, que si no forma parte del imaginario colectivo, ¿de qué otra forma podemos señalar visualmente los recovecos del alma? ¿Cómo debe ser ese viaje interior —o información sináptica entre las neuronas—, excelentemente simbolizada en la película a través de “El árbol de las voces” o “Las semillas del árbol sagrado”? ¿Cómo hablar con uno mismo (“Tsahik”)?

Reiterando la idea que “las diferentes realidades son distintos modelos del mundo”, el conocer directamente o a través de percepciones sólo las apariencias que nos rodea, Neytiri (Zoe Saldana), la novia de Tony en “ese otro mundo”, es la visualización magistral y metaforizada de que la realidad está creada por el hecho de observar y crea la conciencia. Si no hay sabiduría de que algo existe, simplemente queda relegado a otra posibilidad.
Gonzalo Restrepo Sánchez (Film critic. Barranquilla, Colombia)

gonzalo restrepo sanchez

[ver vista para enlazar]

Esta historia sobre la relación de una joven y bella madre (Sophie Marceau) con su adolescente hija Lola (Christa Theret), se puede leer desde dos perspectivas. La primera desde la mente de un adulto, donde surge la pregunta si deben ser los hijos un proyecto de vida de los padres. Y segunda, desde la mente adolescente —cuando se enfrenta como ser ¿responsable? al sexo, las drogas, el amor y la música como elementos de confrontación con otros compañeros de la misma condición—, si debe ser uno (como adolescente) consecuente con las normas y conductas impartidas en la familia.

Como uno a larga no pierde parte de esa actitud adolescente, ambas respuestas deben ser positivas, ya que la actitud de los padres e hijos deben establecer un equilibrio en la relación de los afectos y la responsabilidad sobre los actos. En este sentido la película refleja ese equilibrio. La directora Lisa Azuelos ni se aleja ni se distancia de los problemas que atañen a la larga, a todo ser autónomo en sus actos.

No olvidar entonces, en este contexto, la vida y decisiones que tendrá que tomar la madre de Lola. Una madre encarnada por Sophie Marceau, que ateniéndonos a los diálogos de la cinta, le da fuerza a su vida interior. La frase “la sexualidad es igual para los hombres y mujeres”, pondrán en relieve su propia “verdad”.

Agradable película que recrea en un acertado casting, los pormenores de una vida llena a veces de decisiones que no deben afectar a quienes están a nuestro alrededor. “LOL” sin ser un drama psicológico e intimista, entretiene de lleno al espectador. Y esto ocurre en casi todos los filmes que tratan este tema. Baste recordar por ejemplo, “Impulso adolescente” (Thumbsucker, 2005) del director Mike Mills.

Para concluir, podemos decir que el guión de “LOL” es un análisis del contexto habitual del joven, como lo es la familia, el primer amor, los amigos y profesores de escuela. Cada uno de los personajes del filme, es mostrado como un agente externo casi que decisivo en la vida y actitudes del adolescente, que no siempre toman la mejor ventaja.

gonzalo restrepo sanchez

[ver vista para enlazar]

El log line de la película es bien sencilla: La historia de Mark (Colin Farrell) y David, dos amigos fotógrafos que deciden ir al Kurdistán a tomar fotos de una guerra, (donde lo mejor que hacen los kurdos es perder). Pero con base en lo anterior y para entender la película, formulemos dos preguntas. ¿Qué es triage? Y ¿Qué es el Kurdistán?

La palabra “triage” se deriva del término francés “trier” que significa clasificar o escoger. Su uso se originó en el campo de batalla y fue el proceso mediante el cual los soldados con heridas mortales eran dejados a un lado para morir, mientras aquellos con lesiones menores serias recibían tratamiento. Desde la perspectiva militar la prioridad era dada a los soldados con heridas o lesiones tratables, quienes deberían regresar rápidamente al campo de batalla.

Respecto a la segunda pregunta, existen varios tipos de musulmanes según el profeta en el que creen. La mayoria son suníes, cuyo profeta es Mahoma, luego los chiies, cuyo profeta es Alí, y luego están los kurdos, que son musulmanes de una región que antes se llamaba Kurdistán, pero ahora no existe y es un territorio dividido entre Turquía, Irán e Irak.

Aclarado el asunto, Denis Tanovic se queda a medio camino entre lo épico y el drama de una guerra aún sin definir. Tema difícil, donde como dice Joaquín Morales (un adusto Christopher Lee): “Un mundo complejo, donde no hay cosas blancas o negras”. Entiendo el concepto y sentido de “Triage” en la parte final, donde sólo hay dos opciones para Mark y/o David: los que se enfrentan a la muerte o apartan la mirada. Al final, una decisión donde terminamos buscando en otros el perdón.
Gonzalo Restrepo Sánchez (Film critic. Barranquilla, Colombia)

gonzalo restrepo sanchez

[ver vista para enlazar]

Uno de los diálogos en la zona meridional del film son aquellos cuando Mija (quien padece demencia) entra en un consultorio y tras observar unas camelias rojas que están detrás del escritorio de la doctora, señala que el significado de ellas es el dolor —aunque la expresión de su rostro era de alegría—.

Un neurocientífico revelaba que “el mayor misterio de la magia, está en nuestro cerebro”. Esto en el sentido de la percepción sobre lo observado. Así que esta podría ser una lectura del film, donde la dulzura de un personaje femenino, protagonista, llamado Mija (en una interpretación sublime de Yoon Hee-Jeong), quien asiste a clases de literatura; un día escucha del profesor, que, para poder escribir una poesía, hay que saber “ver”.

Así que este entrañable melodrama sobre el amor de una anciana por su nieto, resulta ser además de todo lo anterior, en mis humildes conceptos, una alegoría de como “ver” nuestra existencia, para que a través de esa lectura sin cortina alguna, podamos "escribir un buen poema" (el balance de nuestra vida,quizás)

Ahora, a través del poema de Mija, “La canción de Agnes” (¿entiéndase la vida?), nos deja con su ternura de siempre y gentileza una pregunta final. Y es que la vida independientemente de todo, ¿bien vale la pena vivirla?

Gonzalo Restrepo Sánchez (film critic. Barranquilla, Colombia)

gonzalo restrepo sanchez

[ver vista para enlazar]