Cuando ví por primera vez esta película allá por 1993, en versión original, recuerdo que quedé impactado por la primera parte de la pieza, durante el cruento período de instrucción militar.

Sólamente esta primera parte valdría para que esos mismos críticos que ensalzan obras retorcidas de dudosa calidad artística, recapaciten y consideren ya sin más esta película como la mejor película sobre Vietnam que se haya rodado jamás, si exceptuamos tal vez partes concretas de la irregular Apocalypsis Now.

Kubrick nos adentra con el mismo poderío de siempre en sus historias llenas de tormento y éxtasis.

Con una arrebatadora banda sonora llena de clásicos de los sesenta y setenta, Kubrick ambienta cada magistra fotograma de la cinta con un nuevo detalle revelador de la miseria y soledad del alma humana en contacto con la lucha fraticida más inútil de siempre: la guerra.

¿Por qué demonios escucho siempre las mismas chorradas sobre que la obra es irregular y que en líneas generales decae en una obra menor?

¿¿¿Nadie ha leído jamás un libro con párrafos, renglones y capítulos...?????.

Pues de eso es precisamente de lo que va esta película....

En toda guerra, en todo debate y si me apuráis en toda actividad humana siempre hay dos capítulos; la instrucción y la realización.

En ese segundo capítulo Kubrick no se dedicó a dormirse en los laureles sino que pergeñó un plan, si queréis menos efectista que en el primer capítulo, que conmocionara al público de una manera distinta, no tan impactante como en la primera parte pero igualmente conmovedora.

Para ello Kubrick se vale de una sola historia, y no mil y una batallitas como desearían los filósofos de la ortodoxia más estricta cinematográficamente hablando, que sirviera para liar la trama y desvirtuar el próposito inicial del maestro.

Lo sencillo siempre se narra sencillo, y aquí la enseñanza es sencilla, clara y concisa: la guerra mata.

"Born to kill", nacido para matar era el lema de los jarheads de aquel entonces....pero el hombre no se creó para tamaña crueldad....¿o sí?

burton

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Recuerdo a esta película por ser una de las pocas pelis que he visto a través de la televisión convencional, en concreto la ví a través del maravilloso y añorado programa de Jose Luis Garci "¡Qué grande es el cine!", y recuerdo además que posteriormente asistí también a aquella tertulia post-película que entablaban aquellos contertulios asiduos a aquel programa (...y sus teorías reveladoras sobre el color de los globos...).

No voy a ser reiterativo en la mayoría de las opiniones vertidas sobre este foro, y empezar a alabar los incuestionables méritos de esta cinta, tipo sus brillantes diálogos llenos de un ingenio arrebatador por momentos sutil, por momentos revestidos de un bestial sentido del humor negro..., el característico y poderoso modo de narrar las historias del brutalmente talentoso cineasta norteamericano..., su poder visual y su estética homenaje al genuino sabor setentero (como el programa de radio K-Billy y el sonido supesónico de los 70)...

Simplemente voy a tratar de enumerar sucintamente la lista de recuerdos impactantes que esta cinta dejó grabada a fuego en mi subconsciente;

La ya legendaria conversación del inicio sobre el origen de la canción "Like A Virgin" así como de "True Blue" de Madonna, entre los miembros de una banda de delicuentes a punto de cometer uno de los más renombrados atentados fallidos de robo a una joyería en la historia del celuloide.

Como poco a poco y con un admirable y portentoso sentido del ritmo narrativo Tarantino nos pone en antecedentes sobre cada uno de los coloristas protagonistas.

La ESCALOFRIANTE interpretación de un terrorífico señor Rubio (admirable Michael Madsen).

La enorme personalidad metódica de un tipo escrupulosamente frío, y tercamente obstinado (genial Steve Buscemi, alias señor rosa).

El carisma de un delincuente con agallas y madera de líder (señor blanco, fenomenal Harvey Keitel).

La genial interpretación agónica del gigante Tim Roth (señor naranja).

La fulgurante presencia en escena de un secundario de lujo, Chris Penn (Nice Guy Eddie).

Un almacén de paredes verdes, finalmente teñido de rojo masacre.

La alusión a Pam Grier, posteriormente reclutada y recuperada para la causa,en mi admirada Jackie Brown.

Y el chiste famoso chiste del miembro viril pegado al estómago.

Todo en esta película es una bocanada de aire fresco, ágil y deslizante.
PARA NO PERDERSE.

burton

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Esta especie de mantra que servía de apoyo en los duros momentos de la vida a Oh Dae-su, el personaje central de esta estupenda película coreana, está extraído literalmente del comienzo del poema "Solitude" de la poetisa norteamericana Ella Wheeler Wilcox, y refleja muy bien la filosofía oriental de este personaje (una especie de Charles Bronson oriental) al que la vida trató de forma injusta sólo por hablar más de la cuenta ("Be water my friend").

Oldboy, es un thriller psicológico con evidentes toques azabaches aderezados por el manga japonés (no en vano la cinta está basada en un manga japonés epónimo), con elementos de la comedia trágica griega del Sófloces más descarnado, y autoconfesos guiños a la obra literaria decimonónica, "El Conde de Montecristo" de Alejandro Dumas padre, a la cual y dicho sea de paso, deben su existencia la mayoría de obras carcelarias (literarias o cinematográficas), recientemente popularizadas por la óptima producción norteamericana para la tv, "Prison Break".

Sería además la segunda entrega de la "trilogía sobre la venganza" de este sorprendente cineasta surcoreano admirador de Hitchcock, continuación de la iniciática "Sympathy For Mr. Vengeance (2002)" y predecesora del cierre de la saga, "Sympathy For Lady Vengeance(2005)", que ganó además el premio Grand Prix del Festival de Cannes en el 2004, no pudiéndose llevar finalmente el máximo entorchado de estos premios, la Palma de Oro, en detrimento de "Fahrenheit 9/11", y ello a pesar de los ímprobos esfuerzos en su favor del presidente del jurado en aquella edición, Quentin Tarantino.

Es evidente que el violento manga japonés del cual bebe esta cinta, es un claro indicio para presuponer escenas de inusitada violencia que muchas veces están fuera de lugar, añadiendo morbo y pretendido impacto visual, con descarados fines publicitarios (me estoy refiriendo a la escena del pulpo engullido vivo, o la escena de la lengua, por las que es injustamente comentada esta poderosa película. Evidente y pretendido ACIERTO de su director).

Como dato anecdótico, no sé si será casualidad ó no (similitud con la "Naranja mecánica" de Burguess y Kubrick), pero las muestras de ultraviolencia están también ambientadas con música clásica, en este caso substituyendo a Beethoven por el concierto para violín de "Invierno" contenido en "Las cuatro estaciones de Vivaldi".

Con un final deliberada y deliciosamente abierto...; ¿habrá habido realmente sesión de hipnosis?, ¿se habrá desdoblado correctamente el monstruo (conocedor del incestuoso secreto) del "Oh Dae-su carnal" felizmente ignorante?.

Pero... ¿y esa misteriosa sonrisa final "a lo Mona Lisa" de Oh Dae-su al abrazar a Mi-do?

Oh Dae-su significa "persona que se lleva bien con todo el mundo"...Entonces, ¿por qué su vida estaba inmersa en el caos y la violencia?.

"Quince años de prisión...cinco días para la venganza".

P O D E R O S A.

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En lo alto de una azotea, Oh Dae-su sujeta del nudo de la corbata a un suicida con un perro en brazos, intentando arrojarse al vacio.

Han sido quince años de espera, y por fin ahora dispone de cinco días para saciar su venganza. Por eso, tal vez su primera necesidad es la de sentirse escuchado. De ahí que implore al suicida que antes de cometer su fatídico propósito escuche su historia.

Comienza un perfecto flash back explicativo.

Oh Dae-su es un empresario, con problemas con el alcohol, que una noche es retenido en la comisaría por sus excesos que la han llevado a provocar graves desórdenes públicos. Su amigo Joo-Hwan, un tipo encargado de un cibercafé, acude en su búsqueda.

Al salir de la comisaría Joo-Hwan llama desde una cabina a la esposa de Oh Dae-su para tranquilizarla justo el día del cumpleaños de su hija. Cuando de repente, en esa noche lluviosa, alguien con un paraguas violeta rapta al ebrio Oh Dae-su.

Sin saberlo, es recluído en una especie de cárcel con aspecto de apartamento en la cual permanece con la única compañía de un cuadro en el que aparece retratado un hombre surcado por infinitas arrugas y con el rictus de dolor dibujado en su rostro, como "El grito" de Munsch. Su mantra es el que da título a mi crítica.

Un día y sin saber muy bien cómo, aunque a lo "Conde de Montecristo" y tras una sesión de hipnosis por las praderas de la ensoñación, Oh Da-su se ve libre en la azotea de aquel edificio sujetando por la corbata a aquel suicida del principio.

Es el comienzo del pesaroso juego cargado de violencia.

A la entrada de un restaurante chino de Sushi, alguien le entrega un móbil y dinero en efectivo. Al entrar dentro del restaurante conoce a una camarera llamada Mi-do a la que pide un pulpo vivo para deglutir.

A través del móbil recibe una llamada de su raptor, un tal Woo-jin. Dispone de cinco días para saber quién, cómo y por qué le raptó, si no, Mi-do morirá.


Comienza el juego sangriento y macabro rallando en lo gore manga de Oh Dae-su...Su primera pista es el nombre de un restaurante contenido en un trozo de recibo que logró capturar de uno de sus carceleros al darle la comida...

Una venganza de joven por irse de la lengua referente a la relación incestuosa de su raptor y la hermana de éste en su época de estudiante...una doble sesión de hipnosis que le llevó a él y a Mi-do a establecer una relación sexual sin ellos saber que en realidad eran padre e hijo...

La escena de la lengua cortada (para no volverse a ir de la lengua) y haciendo de perrito sumiso como acto de sumisión implorando de forma humillante clemencia...un supuesto mando a distancia de autodestrucción...El suplicio de escuchar en estéreo tu relación incestuosa...

Un final ambigüo...Una sesión de hipnosis que supuestamente haría a Oh Dea-su olvidar la terrible afrenta...

burton

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Una obra MARAVILLOSA, se mire por donde se mire. La última vez que Chaplin nos deleitó con su mítico personaje de Charlot en pantalla.

En plena época de crisis de los años 30, en un contexto de crisis capitalista enormemente deprimente y opresivamente insoportable para el trabajador standard, el de las fábricas que habían adoptado ya el teórico sistema de distribución Tayloriano del trabajo en cadena, donde los trabajadores formaban parte de un proceso de alienación rayante en el paroxismo más exasperante(ovejas que salen de la boca del metro para posteriormente incorporarse agolpadamente en sus respectivos puestos de trabajo), llegando incluso a adquirir lo característicos tics del autómata más mecanizado..., Chaplin uno de los artistas más socialmente posicionados en el lado del derecho laboral digno y no vejatorio ni denigrante como se estaba convirtiendo gradualmente, nos presenta esta ENORME cinta con unos méritos innegables no sólo desde una perspectiva socialmente comprometida, sino también del lado de las loas artísticas, basadas en su mayoría en su incuestionable poder y habitual maestría narrativa en el contexto del antiguo cine mudo(y ello apesa de que hacía ya casi una década que el cine hablado estaba en voga), y de una fotografía en blanco y negro poderosamente tenebrista y expresionista a cargo de sus habituales; Ira H. Morgan y Roland Totheroh.

A buen seguro que esta obra serviría de inspiración a Orwell para sus obras "Rebelión en la granja" y sobre todo "1984", con esas pantallas de televisión vigilantes e intimidatorias para los trabajadores relajados.

Cada uno de los fotogramas de esta épica cinta forman ya parte por derecho propio y con mayúsculas de las OBRAS MAESTRAS más sorprendentes e influeyentes en la historia del celuloide.

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En nuestra retina quedarán para siempre las memorables escenas de esta cinta que como en el "Gran Dictador", impactarán de modo definitivo nuestro subconsciente:

Charlot en la fábrica termina por convertirse en una especie de guiñapo y muñeco autómata, incapaz de dominar sus alocados tics. Además sirve como cobaya para probar la máquina de alimentación de obreros ahorrativa de costes para la empresa ya que teóricamente eliminaría los tiempos muertos...

Paulette Goddard haciendo el papel de "golfilla" huérfana de madre, robando panes y plátanos para sustentar a sus dos hermanas y su padre en paro, soñando con Charlot en formar una familia, y ensayando en una desvencijada cabaña de madera putrefacta.

Charlot una y otra vez llevado a comisaría en aquel patrol, debido a una serie de disparatadas, ingeniosas y divertidísimas escenas azarosas, como aquella de la cocaína que finalmente le comportará el beneplácito de los funcionarios de prisión en forma de salvoconducto para conseguir cualquier trabajo allí fuera.

Su trabajo como vigilante nocturno de unos grandes almacenes, y su posterior trabajo como camarero-cantante que le hará declinar las únicas palabras en toda la cinta, y en forma de canción mezcla de francés e italiano.

Y finalmente aquella MARAVILLOSA, MÍTICA Y SUGERENTE escena final donde ambos, juntos de la mano, emprenden un camino hacia no se sabe bien dónde, pero imbuídos de una enérgica esperanza como así atestiguan sus últimas palabras: "... saldremos adelante...".

burton

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Aunque su título original iba a ser "La bella confusione(la bella confusión)" Fellini lo dejó simplemente en "8 y 1/2" simplemente porque esta película según el propio cineasta de la Romagna hacía la número 8 y medio en su filmografía, contando con que su anterior obra, "Bocaccio 70" fue un proyecto "sui generis" en el que 4 directores italianos; Vittorio De Sica, Mario Monicelli, Luchino Visconti y el propio Fellini acometieron la tarea de adaptar a la gran pantalla historias del celebérrimo poeta toscano, Bocaccio...

Fellini nos habla a su manera del conflicto creativo de un autor en plena etapa de confusión, tal y como quería darnos a entender su titulación original...

Películas como el "Stardust Memories" y en menor medida el "Desmontando a Harry", ambas de Woody Allen son evidentes deudoras de la forma y fondo de esta emblemática cinta del director italiano más genial en la historia del séptimo arte...e incluso algunos opinan que la famosa escena de baile en "Pulp fiction" es también deudora de esta obra maestra...

Porque lo que sí que es evidente es que "Otto e mezzo" es una obra con claros tintes autobiográficos...Concebida por Fellini como una historia sobre el conflicto creativo de un escritor, fue sin embargo el propio Fellini quien al optar por su actor fetiche, Marcelo Mastroianni, reculó para concebir "la bella confusión" para un cineasta, dado que Mastroianni acababa de rodar de la mano de Michelangelo Antonioni "La notte(la noche)", interpretando el papel de un escritor...

Con una espléndida fotografía en blanco y negro a cargo de Gianni di Venanzo y una maravillosa banda sonora a cargo del otro gran genio italiano de las bandas sonoras junto a Ennio Morricone, Nino Rota, con algunos cortes clásicos de gente como Rossini, Tchiakovsky o Wagner, Fellini rompe con la corriente neorralista para ofrecernos esta especie de autobiografía con su Rosebud particular...aquel "ASA NISI MASA" que simbolizara los miedos primigenios de juventud...cuando su hermano le asustaba con historias de miedo sobre viejos personajes que a media noche aleteaban sus brazos espasmódicamente mientras le entregaban enigmáticos tesoros...

Y mientras el pobre Guido (Marcelo Mastroianni) buscaba inspiración en la figura de la bella Claudia (Claudia Cardinale) como símbolo de pureza y espontaneidad , ó en los espíritus animosos que su hermana Rosella (Rossella Falk) le trataba de infundir, mientras su esposa y su amante, y el público en general venían a agobiarle más y más, terminando por desistir de su proyecto cinematográfico para alborozo de su crítico y asesor, el escritor Carini (Jean Rougeul) quien aplaude la claudicación de una obra vacía ("la destrucción supera la construcción, sólo cuando ésta porta el vacío") y para desesperación de su productor, Conocchia(Mario Conocchia) quien ha invertido ingentes cantidades en el mastodóntico escenario donde tiene lugar la escena final de la marcha...


L E G E N D A R I A.

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El director cinematográfico Guido Anselmi(Marcello Mastroianni) debe posponer 15 días y por prescripción médica el rodaje de su último proyecto cinematográfico, una historia de ciencia ficción...

Acuciado por el demonio creativo personalizado en la figura del crítico afrancesado sr Carini, que le priva de cualquier inspiración , y por el apremio de un productor que se está jugando los cuartos, el sr Conocchia, Guido busca consuelo e inspiración en la virginal figura de Claudia (La Cardinale)...

Recluído en el Grand Hotel La Fontana ultimando los preparativos de última hora de la película, Guido acudirá también a su amante Carla (la exuberante Sandra Milo), la personalización de la gran mentira en su decadente vida marital, y a quien sin embargo mantendrá recluída en un albergue vecino al hotel para no levantar ningún tipo de escándalo...

Para colmo la cosa se complicará aún más con la llegada de su mujer Luisa (Anouk Aimée) en compañía de su hermana Rossella( Rossella Falk) y un amiguito de Luisa bastante contemplativo con ella...

Escenas oníricas como el harem de dos pisos; el de jovencitas en la parte baja y el de mayores de 26 en el de arriba...el recuerdo de juventud del "isi nisi masa"...aquella mujer de su infancia, La Saraghina (Eddra Gale) que a cambio de dinero se desnudaba en la playa...el enigmático lugar donde encontró a su padre muerto...las fiestas en el hotel de rehabilitación con su compañero y amigo Mario Mezzabotta (Mario Pisu) y su nueva novia, la aspirante a filósofa Gloria Morin(Barbara Steele)...la escena del casting apático...ó la escena final donde Guido deja plantado a Conocchia y emprende su particular "marcha" con los personajes de la película...¿Recordáis “Recuerdos” de Allen?...

Curiosamente 4 años más tarde el productor italiano Dino de Laurentiis sufrió en sus propias carnes la afrenta del Guido cinematográfico de manos del propio Fellini cuando una vez montado la réplica de la costosa catedral de Colonia en los estudios de cinecittá para la filmación de "Il viaggio di G. Mastorna", Fellini le dejó plantado...

burton

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