Cuando ví por primera vez esta película allá por 1993, en versión original, recuerdo que quedé impactado por la primera parte de la pieza, durante el cruento período de instrucción militar.

Sólamente esta primera parte valdría para que esos mismos críticos que ensalzan obras retorcidas de dudosa calidad artística, recapaciten y consideren ya sin más esta película como la mejor película sobre Vietnam que se haya rodado jamás, si exceptuamos tal vez partes concretas de la irregular Apocalypsis Now.

Kubrick nos adentra con el mismo poderío de siempre en sus historias llenas de tormento y éxtasis.

Con una arrebatadora banda sonora llena de clásicos de los sesenta y setenta, Kubrick ambienta cada magistra fotograma de la cinta con un nuevo detalle revelador de la miseria y soledad del alma humana en contacto con la lucha fraticida más inútil de siempre: la guerra.

¿Por qué demonios escucho siempre las mismas chorradas sobre que la obra es irregular y que en líneas generales decae en una obra menor?

¿¿¿Nadie ha leído jamás un libro con párrafos, renglones y capítulos...?????.

Pues de eso es precisamente de lo que va esta película....

En toda guerra, en todo debate y si me apuráis en toda actividad humana siempre hay dos capítulos; la instrucción y la realización.

En ese segundo capítulo Kubrick no se dedicó a dormirse en los laureles sino que pergeñó un plan, si queréis menos efectista que en el primer capítulo, que conmocionara al público de una manera distinta, no tan impactante como en la primera parte pero igualmente conmovedora.

Para ello Kubrick se vale de una sola historia, y no mil y una batallitas como desearían los filósofos de la ortodoxia más estricta cinematográficamente hablando, que sirviera para liar la trama y desvirtuar el próposito inicial del maestro.

Lo sencillo siempre se narra sencillo, y aquí la enseñanza es sencilla, clara y concisa: la guerra mata.

"Born to kill", nacido para matar era el lema de los jarheads de aquel entonces....pero el hombre no se creó para tamaña crueldad....¿o sí?

burton

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Recuerdo a esta película por ser una de las pocas pelis que he visto a través de la televisión convencional, en concreto la ví a través del maravilloso y añorado programa de Jose Luis Garci "¡Qué grande es el cine!", y recuerdo además que posteriormente asistí también a aquella tertulia post-película que entablaban aquellos contertulios asiduos a aquel programa (...y sus teorías reveladoras sobre el color de los globos...).

No voy a ser reiterativo en la mayoría de las opiniones vertidas sobre este foro, y empezar a alabar los incuestionables méritos de esta cinta, tipo sus brillantes diálogos llenos de un ingenio arrebatador por momentos sutil, por momentos revestidos de un bestial sentido del humor negro..., el característico y poderoso modo de narrar las historias del brutalmente talentoso cineasta norteamericano..., su poder visual y su estética homenaje al genuino sabor setentero (como el programa de radio K-Billy y el sonido supesónico de los 70)...

Simplemente voy a tratar de enumerar sucintamente la lista de recuerdos impactantes que esta cinta dejó grabada a fuego en mi subconsciente;

La ya legendaria conversación del inicio sobre el origen de la canción "Like A Virgin" así como de "True Blue" de Madonna, entre los miembros de una banda de delicuentes a punto de cometer uno de los más renombrados atentados fallidos de robo a una joyería en la historia del celuloide.

Como poco a poco y con un admirable y portentoso sentido del ritmo narrativo Tarantino nos pone en antecedentes sobre cada uno de los coloristas protagonistas.

La ESCALOFRIANTE interpretación de un terrorífico señor Rubio (admirable Michael Madsen).

La enorme personalidad metódica de un tipo escrupulosamente frío, y tercamente obstinado (genial Steve Buscemi, alias señor rosa).

El carisma de un delincuente con agallas y madera de líder (señor blanco, fenomenal Harvey Keitel).

La genial interpretación agónica del gigante Tim Roth (señor naranja).

La fulgurante presencia en escena de un secundario de lujo, Chris Penn (Nice Guy Eddie).

Un almacén de paredes verdes, finalmente teñido de rojo masacre.

La alusión a Pam Grier, posteriormente reclutada y recuperada para la causa,en mi admirada Jackie Brown.

Y el chiste famoso chiste del miembro viril pegado al estómago.

Todo en esta película es una bocanada de aire fresco, ágil y deslizante.
PARA NO PERDERSE.

burton

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Porque esencialmente del perdón y la redención es de lo que trata esta gran película del director de "Boogie Nights".

El relato azaroso de varias historias aparentemente inconexas pero hilvanadas sutilmente con un poderoso ritmo narrativo, y una temática conmovedora.

A medida que avanza el metraje nos damos cuenta de que sí hay mucho en común en cada uno de los relatos paralelos narrados.

Una sorprendente película ésta, llena de intensos y emotivos momentos que desde su estreno ya han engrosado la lista de maravillosas películas que en el cine actual de vez en cuando se dejan visionar.

Con unas interpretaciones poderosísimas, empezando por un moribundo Jason Robards interpretando el papel de Big Earl Partridge, pasando por la espléndida y portentosa Julianne Moore haciendo de segunda esposa de Earl, Tom Cruise haciendo el papel de Frank Maggey, John C. Reilly como el policia Jim Kurring, el recientemente oscarizado Phillip Seymour Hoffman haciendo de Phil Parma y sobre todos ellos un espléndido y arrebatador William H. Macey interpretando el papel de Donnie Smith...

Todo en esta película rezuma buen cine de ahora, de siempre e incluso del pasado...

Una espectacular lluvia de ranas anticipa el clímax final. Es el momento de la revelación, el arrepentimiento y ...el perdón.

"...ese pasado con el que quizá nosotros hallamos terminado, pero que aún no ha terminado con nosotros...".

La gente no se cree esas historias sobre casualidades, como la del tipo que se tira por una ventana y muere por un disparo fortuito de su madre en la caída, la historia del buzo encontrado muerto en la copa de un árbol en mitad de un bosque incendiado, o la lluvia de ranas...

Pero éstas cosas pasan, y esta película se encarga de demostrárnoslas.

E S P L É N D I D A.

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En Burbank, Valle de San Fernando (California) el "viejo" productor de 65 años Earl Partridge yace moribundo de un cáncer de cerebro y de pulmones, en su lecho, con la única compañía de un compasivo enfermero, Phil Parma. Su segunda esposa, Linda está demasiado nerviosa con la difícil situación de su marido, y acude al abogado de la familia, Alan, en busca de consuelo y consejo. Éste le dice de ir contratando ya los servicios funerarios, y morfina líquida que ayude a soportar y precipitar a su marido, una muerte demasiado agónica y dolorosa.

Frank Maggey presenta un programa televisivo llamado "Seduce and Destroy" donde predica el trato de la mujer como si fuera un kleenex, con "edificantes" discursos del tipo; "...voy a salir ahí fuera y me voy a marcar un objetivo; tirarme a esa rubia..." o "...respeta tu polla, y doma su coño...". Una periodista ha acudido al backstage para hacerle una entrevista personal que terminará por incomodar a Frank...

Jimmy Gator, presenta a su vez un mítico programa, "What do kids know?" (producido por Earl Partridge) donde un equipo formado por adultos se enfrenta a otro equipo formado por niños para saber quién de los dos grupos tiene más cultura general. A Jimmy le acaban de comunicar que también tiene cáncer y que apenas le quedan dos meses de vida. Está cansado y los remordimientos le agolpan la conciencia...

Stanley, un niño prodigio forma equipo junto con otro dos niños en el citado programa ("¿Qué saben los niños?") y cada vez es más consciente del esperpéntico show del que le ha obligado a formar parte su miserable progenitor...

Donnie Smith fue también un ex-niño prodigio que marcó una época en el citado programa, y que ahora acaba de ser despedido de su empresa como comercial de productos electrónicos de la empresa "Salomon y Salomon", justo cuando peor lo estaba pasando, inmerso en un préstamo de cinco mil dólares para la implantación de un aparato ortodóncico sólo para llamar la atención del tipo al que ama, Brad, un camarero que también usa aparato bucodental. En definitiva un tipo con mucho cariño pero que no sabe bien dónde ponerlo...

Jim Kurring es un policía con fuertes raíces cristianas, que fundamentalmente atiende llamadas 1-67 sobre ciudadanos alborotadores y contaminadores acústicos. En una de sus incursiones descubre a una yonki llamada Claudia y que precisamente es hija de Jim Gator. Ambos parece que se han enamorado y se han citado...Jim piensa que la gente no sabe bien en qué consiste su trabajo...: "... se piensan que nuestro trabajo acaba cuando vanos a comer, pero no se trata de 24 horas sobre 24...".

Una historia sobre revelaciones de remordimientos que no dejan ser libres a los protagonistas de este drama épico e intenso.

burton

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Una obra MARAVILLOSA, se mire por donde se mire. La última vez que Chaplin nos deleitó con su mítico personaje de Charlot en pantalla.

En plena época de crisis de los años 30, en un contexto de crisis capitalista enormemente deprimente y opresivamente insoportable para el trabajador standard, el de las fábricas que habían adoptado ya el teórico sistema de distribución Tayloriano del trabajo en cadena, donde los trabajadores formaban parte de un proceso de alienación rayante en el paroxismo más exasperante(ovejas que salen de la boca del metro para posteriormente incorporarse agolpadamente en sus respectivos puestos de trabajo), llegando incluso a adquirir lo característicos tics del autómata más mecanizado..., Chaplin uno de los artistas más socialmente posicionados en el lado del derecho laboral digno y no vejatorio ni denigrante como se estaba convirtiendo gradualmente, nos presenta esta ENORME cinta con unos méritos innegables no sólo desde una perspectiva socialmente comprometida, sino también del lado de las loas artísticas, basadas en su mayoría en su incuestionable poder y habitual maestría narrativa en el contexto del antiguo cine mudo(y ello apesa de que hacía ya casi una década que el cine hablado estaba en voga), y de una fotografía en blanco y negro poderosamente tenebrista y expresionista a cargo de sus habituales; Ira H. Morgan y Roland Totheroh.

A buen seguro que esta obra serviría de inspiración a Orwell para sus obras "Rebelión en la granja" y sobre todo "1984", con esas pantallas de televisión vigilantes e intimidatorias para los trabajadores relajados.

Cada uno de los fotogramas de esta épica cinta forman ya parte por derecho propio y con mayúsculas de las OBRAS MAESTRAS más sorprendentes e influeyentes en la historia del celuloide.

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En nuestra retina quedarán para siempre las memorables escenas de esta cinta que como en el "Gran Dictador", impactarán de modo definitivo nuestro subconsciente:

Charlot en la fábrica termina por convertirse en una especie de guiñapo y muñeco autómata, incapaz de dominar sus alocados tics. Además sirve como cobaya para probar la máquina de alimentación de obreros ahorrativa de costes para la empresa ya que teóricamente eliminaría los tiempos muertos...

Paulette Goddard haciendo el papel de "golfilla" huérfana de madre, robando panes y plátanos para sustentar a sus dos hermanas y su padre en paro, soñando con Charlot en formar una familia, y ensayando en una desvencijada cabaña de madera putrefacta.

Charlot una y otra vez llevado a comisaría en aquel patrol, debido a una serie de disparatadas, ingeniosas y divertidísimas escenas azarosas, como aquella de la cocaína que finalmente le comportará el beneplácito de los funcionarios de prisión en forma de salvoconducto para conseguir cualquier trabajo allí fuera.

Su trabajo como vigilante nocturno de unos grandes almacenes, y su posterior trabajo como camarero-cantante que le hará declinar las únicas palabras en toda la cinta, y en forma de canción mezcla de francés e italiano.

Y finalmente aquella MARAVILLOSA, MÍTICA Y SUGERENTE escena final donde ambos, juntos de la mano, emprenden un camino hacia no se sabe bien dónde, pero imbuídos de una enérgica esperanza como así atestiguan sus últimas palabras: "... saldremos adelante...".

burton

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Esta especie de mantra que servía de apoyo en los duros momentos de la vida a Oh Dae-su, el personaje central de esta estupenda película coreana, está extraído literalmente del comienzo del poema "Solitude" de la poetisa norteamericana Ella Wheeler Wilcox, y refleja muy bien la filosofía oriental de este personaje (una especie de Charles Bronson oriental) al que la vida trató de forma injusta sólo por hablar más de la cuenta ("Be water my friend").

Oldboy, es un thriller psicológico con evidentes toques azabaches aderezados por el manga japonés (no en vano la cinta está basada en un manga japonés epónimo), con elementos de la comedia trágica griega del Sófloces más descarnado, y autoconfesos guiños a la obra literaria decimonónica, "El Conde de Montecristo" de Alejandro Dumas padre, a la cual y dicho sea de paso, deben su existencia la mayoría de obras carcelarias (literarias o cinematográficas), recientemente popularizadas por la óptima producción norteamericana para la tv, "Prison Break".

Sería además la segunda entrega de la "trilogía sobre la venganza" de este sorprendente cineasta surcoreano admirador de Hitchcock, continuación de la iniciática "Sympathy For Mr. Vengeance (2002)" y predecesora del cierre de la saga, "Sympathy For Lady Vengeance(2005)", que ganó además el premio Grand Prix del Festival de Cannes en el 2004, no pudiéndose llevar finalmente el máximo entorchado de estos premios, la Palma de Oro, en detrimento de "Fahrenheit 9/11", y ello a pesar de los ímprobos esfuerzos en su favor del presidente del jurado en aquella edición, Quentin Tarantino.

Es evidente que el violento manga japonés del cual bebe esta cinta, es un claro indicio para presuponer escenas de inusitada violencia que muchas veces están fuera de lugar, añadiendo morbo y pretendido impacto visual, con descarados fines publicitarios (me estoy refiriendo a la escena del pulpo engullido vivo, o la escena de la lengua, por las que es injustamente comentada esta poderosa película. Evidente y pretendido ACIERTO de su director).

Como dato anecdótico, no sé si será casualidad ó no (similitud con la "Naranja mecánica" de Burguess y Kubrick), pero las muestras de ultraviolencia están también ambientadas con música clásica, en este caso substituyendo a Beethoven por el concierto para violín de "Invierno" contenido en "Las cuatro estaciones de Vivaldi".

Con un final deliberada y deliciosamente abierto...; ¿habrá habido realmente sesión de hipnosis?, ¿se habrá desdoblado correctamente el monstruo (conocedor del incestuoso secreto) del "Oh Dae-su carnal" felizmente ignorante?.

Pero... ¿y esa misteriosa sonrisa final "a lo Mona Lisa" de Oh Dae-su al abrazar a Mi-do?

Oh Dae-su significa "persona que se lleva bien con todo el mundo"...Entonces, ¿por qué su vida estaba inmersa en el caos y la violencia?.

"Quince años de prisión...cinco días para la venganza".

P O D E R O S A.

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En lo alto de una azotea, Oh Dae-su sujeta del nudo de la corbata a un suicida con un perro en brazos, intentando arrojarse al vacio.

Han sido quince años de espera, y por fin ahora dispone de cinco días para saciar su venganza. Por eso, tal vez su primera necesidad es la de sentirse escuchado. De ahí que implore al suicida que antes de cometer su fatídico propósito escuche su historia.

Comienza un perfecto flash back explicativo.

Oh Dae-su es un empresario, con problemas con el alcohol, que una noche es retenido en la comisaría por sus excesos que la han llevado a provocar graves desórdenes públicos. Su amigo Joo-Hwan, un tipo encargado de un cibercafé, acude en su búsqueda.

Al salir de la comisaría Joo-Hwan llama desde una cabina a la esposa de Oh Dae-su para tranquilizarla justo el día del cumpleaños de su hija. Cuando de repente, en esa noche lluviosa, alguien con un paraguas violeta rapta al ebrio Oh Dae-su.

Sin saberlo, es recluído en una especie de cárcel con aspecto de apartamento en la cual permanece con la única compañía de un cuadro en el que aparece retratado un hombre surcado por infinitas arrugas y con el rictus de dolor dibujado en su rostro, como "El grito" de Munsch. Su mantra es el que da título a mi crítica.

Un día y sin saber muy bien cómo, aunque a lo "Conde de Montecristo" y tras una sesión de hipnosis por las praderas de la ensoñación, Oh Da-su se ve libre en la azotea de aquel edificio sujetando por la corbata a aquel suicida del principio.

Es el comienzo del pesaroso juego cargado de violencia.

A la entrada de un restaurante chino de Sushi, alguien le entrega un móbil y dinero en efectivo. Al entrar dentro del restaurante conoce a una camarera llamada Mi-do a la que pide un pulpo vivo para deglutir.

A través del móbil recibe una llamada de su raptor, un tal Woo-jin. Dispone de cinco días para saber quién, cómo y por qué le raptó, si no, Mi-do morirá.


Comienza el juego sangriento y macabro rallando en lo gore manga de Oh Dae-su...Su primera pista es el nombre de un restaurante contenido en un trozo de recibo que logró capturar de uno de sus carceleros al darle la comida...

Una venganza de joven por irse de la lengua referente a la relación incestuosa de su raptor y la hermana de éste en su época de estudiante...una doble sesión de hipnosis que le llevó a él y a Mi-do a establecer una relación sexual sin ellos saber que en realidad eran padre e hijo...

La escena de la lengua cortada (para no volverse a ir de la lengua) y haciendo de perrito sumiso como acto de sumisión implorando de forma humillante clemencia...un supuesto mando a distancia de autodestrucción...El suplicio de escuchar en estéreo tu relación incestuosa...

Un final ambigüo...Una sesión de hipnosis que supuestamente haría a Oh Dea-su olvidar la terrible afrenta...

burton

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