Críticas de: Deacon - FilmAffinity

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Críticas de: Deacon

Los fans mas mitómanos de Tarantino debieron sentirse decepcionados cuando contemplaron por primera vez la esperadísima 3º película del mas influyente director de los 90, después de haberse ganado a pulso la consideración de director de culto gracias a títulos tan redondos y llenos de simbología cinematográfica como “Reservoir Dogs” y “Pulp Fiction”. La decepción comentada quizás vino provocada porque esperaban encontrarse con más de lo mismo, y lo que tenían delante era exactamente un producto típicamente tarantiniano, pero lo suficientemente retocado como para resultarles extraño y aburrido.

Ante la primera sensación de quedarse fríos al ver una historia donde priman los diálogos más reflexivos, no hay escenas de acción, y el argumento llega a ser algo lioso, puede dar a pensar que estamos ante una obra menor. Nada más lejos de la realidad, pues en “Jackie Brown” contemplamos al Quentin Tarantino guionista en plenitud de forma. Su composición de los personajes es sencillamente admirable, pues aunque mucho se haya dicho que esta película es un homenaje al “Blaxplotation” setentero, aquí prima mas la nostalgia por el paso del tiempo que la reivindicación de una moda. Los personajes de Pam Grier y Robert Forster prodrían estar sacados de cualquier película setentera de acción, pero dos décadas después se encuentran cansados de sus vidas y sin un rumbo fijo, vivieron peligrosamente y no han conseguido nada especial, justo el paralelismo que hay en los actores que los interpretan.

Casi por sorpresa la película nos sorprende con una madura y sincera historia de amor platónico salpicada con diálogos de primerísimo nivel, pero en el que carecen las frases de colección tan del gusto de los foros cinéfilos. Samuel L. Jackson está sencillamente genial en su composición de macarra chuloputas, consiguiendo la que es posiblemente la mejor interpretación en un film de Tarantino, lo que nos obliga a ver “Jackie Brown” en V.O. para disfrutar al 100% del acento y la entonación de Ordell Robbie.

Decir que el cine de Cronenberg tiende a caer en lo morboso, en la escatología y el retrato de mentes malsanas, esta es la película que colma sus inquietudes. Aquí da una nueva visión a un clásico del terror desde un punto de vista científico muy creíble, demostrando que es uno de los mejores autores de ciencia ficción del cine actual.

Claro que este es un espectáculo poco apto para estómagos sensibles, pues el retrato de la degradación corporal del protagonista y algún que otro detalle gore puede dejar con mal cuerpo a mas de uno. Pero si hay espectadores ansiosos de dejarse impresionar por buenas historias de miedo, esta es su película.

Las historias de personajes acabados, perdedores y humillados, pero con una gran lucidez siempre ha interesado en el cine. Esto es lo que fue James Whale, director repudiado por no ocultar su homosexualidad dentro de un Hollywood cínico e hipócrita, que le marginaba mientras otros como el se mantenían dentro del armario.

Esta esplendida película de Bill Condon nos ofrece una fantasía de lo que pudieron ser sus últimos días de vida, la compleja relación que mantiene con su jardinero, un muchacho con pocas luces pero ansioso de aprender cosas de alguien que de verdad puede catalogarse como artista. La admiración del jardinero es respondida por Whale en forma de deseo, para acabar siendo una amistad basada en la pura necesidad. Esa necesidad se ve reflejada en su intenso clímax final, donde los personajes se desnudan interiormente para dejarnos ver sus miserias y sus frustraciones.

El trabajo de la pareja de actores es impresionante. Se habla mucho de la magistral interpretación de Ian Mckellen, pero también Brendan Fraser está genial.

No dicen de Hayao Miyazaki que es el último gran genio de la animación de manera gratuita. Sus películas y todas las del estudio de animación que creó, el Estudio Ghibli reúnen unas cotas de perfección técnica unidas a historias con una gran sensibilidad y creatividad. Algo de lo que deberían aprender muchas productoras americanas.

Es Porco Rosso la película que le hizo traspasar fronteras en el mundo del cine, tras arrasar en las televisiones de medio mundo con series como Marco o Heidi. Con esta historia demuestra tener una exquisita sensibilidad cinematográfica al retratar momento de autentico cine. Los personajes tienen un aire melancólico que recuerda por momentos a John Ford, la aventura al mas puro estilo Howard Hawks esta presente, el final es un claro homenaje a Casablanca...

Una de las obras cumbre de todo un genio del cine vivo y en activo que seguramente será reivindicado de la manera que se merece cuando ya no se encuentre entre nosotros, como siempre pasa.

"Cualquier parecido con acontecimientos reales, personas vivas o muertas, no es fruto del azar. Es voluntario."
Costa-Gavras y Jorge Semprún.

Así se nos avisa en sus títulos de crédito la intención de esta película: la de retratar y denunciar unos hechos que convulsionaron la vida política de Grecia que acabaron por desencadenar un golpe de estado militar y la consiguiente dictadura de extrema derecha. Costa Gavras, al igual que en "Missing", no necesita situarnos geográficamente ni describirnos en que país estamos para que entendamos el contexto sociopolítico que tenemos delante. Usando los recursos del documental y del thriller de intriga política, nos muestra con gran seriedad las investigaciones de un valiente juez en torno al asesinato de un activista pacifista a manos de un grupo de extrema derecha vinculado con el ejército.

Hoy día puede que esta película haya quedado olvidada al ser los hechos que narra poco conocidos entre el gran público, pero viéndose incluso como un ejercicio de "política ficción" cobra un gran valor, ya que consigue analizar como el ejercito de un país puede ejercer su poder en la sociedad mediante el apoyo a grupos de extrema derecha que meten el miedo a la población mediante actos violentos.

Merece revisionarse este título clave en el subgenero de cine político, pues casi se diría que fue el inaugurador de semejante ciclo que vendría seguido por otras muchas películas durante la década de los 70. No en vano, "Z" se estrenó con media Europa aun convulsionada por el famoso Mayo del 68 francés, lo que la convirtió en una película oportuna, llegando incluso a ser nominada a los Oscars tanto en película de habla no inglesa como en película del año.

A destacar, entre otras muchas cosas, la magistral partitura del gran compositor griego Mikis Theodorakis.