Fassbinder nunca ha sido santo de mi devoción, demasiado propenso a los excesos dramáticos y a las diatribas de carácter teatral más desatadas, siempre lo he considerado como un autor de difícil digestión, carne de gafapastismo y de modernas.

Sin embargo en esta “Todos nos llamamos Alí” (tremebunda traducción del original “El miedo se come el alma”, ole por los traductores) nos encontramos con un film pausado pero con ritmo, ágil e intimista y por momentos bañado de una sutileza que lo acerca mucho a un pequeño juguete que el autor usa para poner sobre el tapete la cuestión racial en la Alemania de los 70, añadiendo además un desfase generacional entre amantes en los que la mujer duplicada la edad del hombre. Temas poco baladís y cuyas ramificaciones están presentes hoy día con el mismo vigor que hace casi 50 años.

Las interpretaciones no pasarán a la historia como las mejores en su ámbito, pero la película en pleno siglo XXI consigue polemizar y visibilizar varios temas casi considerados tabús aún hoy día por la mayoría de la sociedad (alemana y de todas las nacionalidades).

Un más que agradable sorpresa.

Agustí Villaronga quien goza desde hace unos años de un inusual prestigio gracias a su “Pa Negre” y la lluvia de Goyas que recibió, debutó en el mundillo cinematográfico con esta perturbadora e inquietante cinta que no dejará a nadie impasible.

La temática de por sí encierra suficientes elementos espinosos como para prohibirse su estreno en varios países durante años, la crudeza visual y los planteamientos (mezquinos, desquiciados, absolutamente turbulentos) hacen de este film un rara avis en la cinematografía de nuestro país.

La historia es simple, un enfermo atado a un pulmón artificial vive en una pequeña localidad de provincias cuidado por su atormentada esposa (una genial Marisa Paredes) y su hija pequeña (sorprendente Gisèla Echevarría), un buen día un joven enfermero entra a formar parte de este curioso núcleo familiar y comenzarán los juegos de depravación y mentiras que desembocarán en un tormentoso final.

Mezclar nazismo con abuso infantil, violaciones y torturas es poner sobre la mesa varios tabús que individualmente ya costarían la producción de cualquier film, Villaronga los conjuga y mezcla con tino y una visión de acero, impávida y casi deshumanizada, los tonos metalizados y azules de toda la cinta fomentan esa sensación y las interpretaciones de Günter Meisner y en especial de Marisa Paredes hacen que la historia se sostenga.

Sin embargo el principal problema es la interpretación del joven David Sust, que aunque voluntarioso, deja varias lagunas interpretativas que hacen que el nivel general se resienta, no obstante le tocó bailar con la más fea ya que es un papel atroz y con tantos matices y niveles interpretativos que pocos actores con esa edad podrían hacerlo llegar a buen puerto.

Una joya oculta en nuestra filmografía, apenas conocida y para nada publicitada digna de conocer pese a que es aterradora y provocativa a partes iguales.

Gazpacho de géneros con estereotipos y bromas recurrentes y tópicas: así podríamos definir esta serie producida por la MTV.

Y lo curioso del tema es que funciona con la precisión de un reloj suizo, si bien no aporta nada original sí que consigue su cometido: entretiene (y mucho) y consigue ser un producto más que digno (hermano con la serie B de videoclub).

Si rascamos un poquito más descubrimos que a los guiones se encuentra Spider One, el hermanísimo de Rob Zombie, ese regurgitador de géneros de baratillo y terror insano que ha perpetrado más de una obra digna de elogio, así que todo va cobrando sentido.

Si se quiere entrar en el juego “Death Valley” da muchísimo más de lo que pudiera parecer en un principio y es que una serie con Zombies, Vampiros proxenetas, Hombres Lobos y polis palurdos no puede ser mala.

Para fans del género.

Denominado por muchos el padrino del Punk, Joe Strummer fue el líder de la mítica banda inglesa The Clash que entre otros muchos hallazgos nos regaló el que es probablemente uno de los mejores discos de la historia “London Calling”.

Con este documental Julien Temple reivindica su figura tan necesaria hoy en día que parece que en ningún momento nos abandonó, haciendo un profundo repaso de su infancia (desde los colegios privados a la formación de la banda de su vida) pasando por sus años álgidos liderando The Clash y su distanciamiento con Mick Jones, su huida hacia adelante en España, la formación de Los Mescaleros y su triste desaparición.

Curioso ver cómo fue denostado por muchos en vida al considerarle un punk pijo (hijo de diplomático) y cómo es considerado hoy en día como todo un referente para el movimiento musical (y casi social), viviendo su vida como creyó oportuno en cada momento tomando decisiones controvertidas pero siempre genuinas y auténticas. Se echa en falta un poco más de profundidad de su etapa en España, se puede completar su visionado con el del documental “Quiero tener una ferretería en Andalucía”.

Y sí, parece que los señores dobladores tuvieron una mala tarde (y no es la única) con el horrendo título que recibió el documental por estos lares: “Joe Strummer: Vida y muerte de un cantante” muy alejado del original, el emblemático y significativo “Joe Strummer: The Future Is Unwritten”.

De recomendable visionado tanto para fans de The Clash, de Joe Strummer en solitario, del movimiento Punk 70’s en particular y del rock en general.

Nos encontramos frente a una película que pretende epatar con varios tipos de público a priori bastante dispares entre sí: aficionados al terror en general, al anime en particular, seguidores de la exitosa franquicia del videojuego de survival horror producido por EA y de manera más tangencial, fans del comic (de Warren Ellis en realidad).

Para ello contamos con una apuesta por una animación bastante simplona que juega con unos fondos en 3D bastante logrados, el resultado no es muy enriquecedor ya que en todo momento se tiene la sensación de estar viendo un producto desfasado y ciertamente caduco. Por ese lado los aficionados a las pelis de animación o anime no colmarán sus expectativas.

Respecto al aficionado medio de terror: algunos sustos simpáticos, bastante gore lo cual es un punto muy positivo a su favor y un desarrollo casi plano de personajes y situaciones lo que nos retrotrae a cientos de escenas y películas ya vistas con anterioridad. Flojita pero con reparos por ese lado.

Como precuela para Dead Space resulta fallida ya que aporta poco o nada a la historia que se desarrolla en los juegos y a la que, para qué vamos a engañarnos, le sienta como un guante todo el misterio y el oscurantismo respecto a las diabólicas criaturas y al extraño monolito alienígena que aparecen en él.

Los guiones corren de parte de Warren Ellis, genio absoluto del noveno arte que es capaz de entregar obras atemporales y sorprendentes como Transmetropolitan, Planetary, Global Frequency, Red o Nextwave y Thunderbolts para la Marvel. En esta ocasión el barbudo inglés (sí también es barbudo e inglés como el señor Moore) no desempolva la chistera de los momentos especiales y nos entrega una historia con poca chicha y casi sin ningún interés, con el piloto automático puesto. Un trabajo meramente alimenticio.

“Dead Space: Perdición” podría ser muchas cosas: una peli de animación con momentazos de acción y gore a raudales, un ejercicio de metahistoria (en tres formatos, comic, animación y videojuego, ahí es nada), un complemento esencial para el devenir de la saga de juegos de EA o simplemente una peli con la que pasar buenos momentos homenajeando a los clásicos del género de terror espacial (comenzando por Alien y pasando por todas las que son: Horizonte Final, la infravalorada Lifeforce, Pitch Black…), sin embargo nos quedamos con un producto fofo y sin personalidad, que entretiene pero se olvida al segundo de apagar la televisión, un producto que desperdicia sus elementos para hacer algo muy interesante entregándonos más de lo mismo, un producto que está en tierra de nadie.