No es que "Piraña" de Joe Dante fuese un peliculón, de hecho era una de las tantísimas de animales cabreados que surgieron tras el éxito de "Tiburón". Afortunadamente su remake dirigido por Alexandre Aja en 2010 (Piraña 3D) sabía cómo modernizar la idea manteniendo el concepto original pero llevándolo al extremo. El realizador francés dibujaba así una película que abrazaba abiertamente la serie B, el puro cachondeo, el gore más extremo y la carne gratuita, sin ningún tipo de problema, mientras mostraba cuerpos esculturales que rápidamente pasaban a ser devorados por las pirañas del título, peces digitales y hambrientos, generadores de pura diversión. "Piraña 3D" era una mala película según todos los cánones cinematográficos, pero como divertimento chorras tenía su gracia. Lamentablemente su secuela se queda sólo en lo primero: es un bodrio tan rotundo que parece haber sido diseñado para que Jason Friedberg y Aaron Seltzer (artífices de excrementos como "Epic Movie" y derivados) no se tengan que molestar en hacer "Piranha Movie".

Lo más perturbador es que "Piraña 2" de John Gulager (director de la trilogía "Feast") tiene los ingredientes de la original: tías buenas, muchas tetas, gore a montones y algún cameo notable. Y aún así es incapaz de mezclarlos de tal forma que el resultado no parezca forzado. Nada en esta película es natural, todo es pura imposición, el humor es vulgar en grado sumo y los personajes son gilipollas sin gracia, hasta el punto de que no es que te de igual lo que les pase, es que son tan tontos que no quieres ni que mueran mientras unas pirañas se los comen: eso parece poco castigo para poner fin a su existencia. Lo único que funciona de "Piraña 2" es el cameo de David Hasselhoff, que hace de si mismo y tiene las mejores escenas de la película, aportando un poco de mala leche (real) al conjunto a través de una mofa muy sólida de si mismo como estrella al tiempo que guiña un ojo al espectador y adelanta lo que puede estar por pasar. Mala hasta el límite de lo permisible, deberíais huir como la peste de esta cutre-secuela que, de mala, acabó siendo estrenada directamente en televisión a pesar de estar rodada para cine. Con pocos medios y menos ideas, eso sí. Una mierda.

Rodar cine de género no debe ser muy complicado cuando cualquier tarugo con una cámara puede forrarse –independientemente de la calidad de su obra- haciendo uso de una abusiva campaña de marketing. El problema surge cuando eres un director conocido, que lleva años sin rodar y que de la noche a la mañana reapareces de entre las sombras y traes contigo una nueva historia. Esta vez basada en hechos reales, pero rodada con una ambición de otros tiempos. Y claro, aquí no vale ninguna promoción masiva: tienes asegurados a tus fieles, pero la posibilidad de encontrar nuevos seguidores es baja. Máxime cuando haces una película que podría resumirse y simplificarse a eso llamado “gente andando”.

No es esta una propuesta fácil a pesar de que nos lleve durante su primera mitad a un gulag de la II Guerra Mundial. En este escenario Weir va presentándonos a sus personajes, fantásticamente matizados. Ya en un prólogo de apenas unos minutos se perfila la personalidad del protagonista de esta historia, que luego no hace más que ir solidificándose a medidas que pasan los minutos. Cortando y uniendo las diferentes historias con la precisión de un cirujano, no tardamos en aceptar como compañeros de viaje a estos pobres hombres que sólo aspiran a ser libres y que están dispuestos a conseguirlo llevando hasta el límite sus posibilidades. Brillantemente dirigida, su banda sonora sólo mejora las cosas, a lo que se suma el magnetismo visual. Es en su segunda mitad (tras la huída del gulag) donde el ejercicio de cine convencional deja paso a uno más espiritual y abstracto, siguiendo una larga peregrinación en la que se ponen en juego numerosas facetas del ser humano, incluyendo los más bajos instintos.

Una pena que Weir no haya encontrado el éxito ni comercial con “The Way Back”, una de las películas de aventuras más puras y reivindicables de la temporada a pesar de que en su tramo final se antoje extrañamente abrupto (se sospecha que algún productor le haya obligado a meter tijera), aunque la bella elipsis que tiene lugar antes del final del viaje compense, en gran medida, cualquier irregularidad previa. No hace falta ni mencionar que Jim Sturgess, Ed Harris, Colin Farrell, Saoirse Ronan y prácticamente todos los intérpretes se dejan la piel en cada una de sus escenas. Merece mucho la pena.

Si 2009 fue un año importantísimo para la animación, parece que lamentablemente 2010 no lo va a ser tanto. Pero por lo menos lo que tenemos asegurado es que Dreamworks ha sabido mover ficha y levantar cabeza después de la irregular "Monstruos contra Alienígenas", aunque claro, haciendo trampas: delegar tu película a Dean DeBlois y Chris Sanders, directores de la fantástica "Lilo & Stitch", es apostar sobre seguro. Lo que no era de esperarse es que lo que pintaba tan, tan bien en los tráilers, haya acabado siendo un globo que se infla y se desinfla continuamente, aunque su nivel nunca deje de ser correcto y sea, en sus momentos más inspirados, algo sensacional. Tomando como base el primer libro escrito por Cressida Cowell, "Cómo entrenar a tu dragón" nos cuenta la historia de un adolescente que pese a pertenecer a una tribu vikinga, no encaja en su gremio. Pero él lo intenta y, en un sensacional prólogo, consigue dar caza a uno de los dragones más temibles que existen. Eso sí, nadie le cree...

Así, se nos cuenta una historia que consigue sobreponerse a varios tópicos para caer irremediablemente en otros, yendo del ingenio a lo fácil continuamente. Es imposible por otra parte no pensar en el anterior trabajo de DeBlois/Sanders mientras se visiona este nuevo film: todo remite a "Lilo & Stitch", tanto por el aspecto del dragón -que es igualito al experimento 626- como por la curiosa relación entre ambos. Pero hay diferencias importantes que hacen que, más allá de la estética, este dragón consiga ganarse un puesto entre los mejores personajes de DreamWorks. No se puede decir lo mismo de Hipo, ni mucho menos del resto de personajes de la película, tan simplones y carentes de carisma como a la vez funcionales. Están ahí porque deben, pero no se graban a fuego. En "Lilo & Stitch" todo esto se manejaba muchísimo mejor: Lilo era adorable, Stitch sencillamente se salía y hasta los más secundarios (Jumba, la hermana de Lilo, etc.) llegaban a importarnos.

No hay nada que reprocharle técnicamente a la película, eso sí. Visualmente es un espectáculo, si bien no sorprende en la medida en que lo hizo la (muy superior) Kung Fu Panda. Pese a todo es adrenalítica y las escenas de vuelo son fantásticas, al igual que otras partes aisladas en las que imagen y sonido conforman secuencias dignas de admiración: el entrenamiento, el tramo final, un inicio rompedor y sorprendente. Si se hubiesen pulido aspectos como la personalidad de Hipo (asumámoslo, es un cliché sin mucha garra), se hubiesen extirpado los prejuicios/reacciones de algunos personajes* y la parte cómica funcionase tan bien como la de aventuras**, hablaríamos de una nueva joyita de DreamWorks. No es tanto, aunque tampoco es mala: merece bastante la pena, pero que de aquí a unos años nadie recordará como una de las películas imprescindibles del género. La BSO es fantástica, eso sí.

Sorprende, eso sí, la valentía con la que DeBlois/Sanders finiquitan cierta secuencia (ver spoiler).

La nostalgia sigue tirando y el ejemplo de esto es la (no tan nueva) ola de producciones cinematográficas que no se limitan a mirar al pasado, sino que se acogen a los códigos de antaño para construirse un futuro, de ahí esa corriente de cintas de género negro que remiten a los años 70 como escenario para hablarnos, en primera instancia, del crimen. Y en segunda -y más importante- de cómo éste afecta a las personas que los llevan a cabo. "The Iceman" no está al mejor nivel de la lista, que podrían comprender otras como "Argo" o "American Gangster", pero es desde luego un exponente digno de ser reseñado.

El mayor problema de la cinta es, digámoslo claro, no ser una película de alguien importante. Si la hubieran firmado Martin Scorsese, Michael Mann, Brian de Palma o cualquiera de los artesanos de contrastada calidad de la vieja guardia de Hollywood que desarrollaron gran parte de su obra en los verdaderos años 70, podríamos hablar de algo verdaderamente grande. No es que "The Iceman" ofrezca poco, pero en unas manos más experimentadas podría haber sido más relevante, haberse puesto en el foco de los cinéfilos, algo que merece sobradamente gracias a la impagable interpretación principal del siempre sólido Michael Shannon, en el papel de un criminal de poca monta que comienza a trabajar para la mafia local al tiempo que ejecuta su rol como padre de familia.

Su interpretación es sobresaliente, contenida cuando debe y salvaje cuando se precisa, dando verdadero miedo (aunque esto no tiene mucho mérito, va de serie con el físico de Shannon) en ciertos momentos. Le secundan viejas estrellas como Ray Liotta, en uno de los pocos papeles que ha hecho recientemente en los que no fuerza su 'registro goodfellas', dando como resultando una de las típicas cintas basadas en hechos reales en las que -personalmente- no puedo poner la mano en el fuego a la hora de dilucidar si lo que se cuenta es real, pero desde luego no parece descabellado. Con una dirección un poco más personal, podríamos hablar de "The Iceman" como uno de estos thrillers impecables que de cuando en cuando salen de los márgenes de Hollywood. Es muy recomendable, aun así, aunque sólo sea por admirar al salvaje Michael Shannon.

Infravaloradísima rara avis dirigida por Eiichi Yamamoto y encargada de cerrar la trilogía "Animerama", centrada en adaptar historias clásicas como Cleopatra o Las mil y una noches, pasadas por el filtro de un Tezuka con un colocón histórico. "Belladona of Sadness" es, según dicen, la mejor de las tres obras, algo que tras ver imágenes de los anteriores puedo creerme sin mayor problema. Presentada en la sección oficial del festival de Berlín, la trama que se nos "narra" es un cruce entre el libro "La sorcière" de Jules Michelet y la historia de Juana de Arco, todo ello sin acuñarse a un estilo narrativo formal, sino tirando por lo experimental, el juego con los saltos en el tiempo y el uso de metáforas principalmente visuales.

Yamamoto aprovecha esta historia para salirse de lo pre-establecido, empleando incluso varias técnicas de animación para dejar algunas escenas que pasarían al recuerdo si el filme fuese suficientemente conocido. Sólo hay que ver el tráiler (disponible en Youtube, al igual que el film al completo) para saber si lo que ofrece "Belladonna of Sadness" es lo deseado. A grandes rasgos, propone una historia clásica contada de forma original, novedosa, sin atarse a la narrativa convencional, apostando por la metáfora y, por encima de todo, de la imaginería visual. Una especie de Inland Empire del cine a animación, ni más, ni menos.