¿Es el horror de un genocidio representable visualmente? Esta era la pregunta que Lanzmann pretendía resolver en Shoah. Una respuesta que trascendía la mera representación figurativa y se vinculaba a terrenos más propios de la ética y la filosofía. En definitiva su obra no sólo niega la capacidad de reproducción del horror sino que la relaciona con una cierta falsedad deslegitimadota de lo real.

Aunque S21 sigue las premisas éticas y estéticas de Shoah en lo que se refiere al concepto, no deja de mostrar significativas diferencias (obviando por supuesto la diferente duración de ambos films) respecto a la obra de Lanzmann que la convierten en no sólo una digna sucesora, sino en una película que trasciende la fórmula amparándose en la voluntad de adaptarse a un contexto diferente, a una masacre cuya crueldad numérica puede ser equiparable al holocausto, pero cuyos métodos y trasfondo obligan a una visión y enfoque diferente.

Es evidente que una introducción con imágenes de archivo y subrayado explicativo no parece lo más adecuado con el tono general del film, de hecho incluso puede llevar a engaño sobre lo que vamos a ver, sin embargo resulta tan breve como anecdótico y, a la vez necesario, para situar situar al espectador en el escenario adecuado, sobre todo porque es un capítulo reciente de la historia que por desgracia sigue siendo relativamente desconocido.

Una de las claves donde radica la mayor dureza, y ala vez mayor verismo, es en la posibilidad física del careo entre víctimas y verdugos, un ejercicio de extrema crueldad pero que permite arrojar luz sobre los acontecimientos desde todas las perspectivas posibles. Mediante un juego de fantasmagórica y tétrica teatralidad asistimos a una representación en el vacío, donde se refleja con frialdad y distancia la lógica mecánica del exterminio, una aproximación que resulta terriblemente evocadora y que obligaa un juego interactivo donde el espectador rellena mentalmente los espacios silentes dejados por el horror. (sigue en spoiler)