"Forbidden" es una modesta película de cine negro de la época clásica ambientada en el exótico Macao. William Sackheim y Gil Doud firman el guión, a partir de una historia del propio Sackheim y dirige el siempre eficaz Rudolph Maté.

Salvando las distancias, tiene claras influencias de "Gilda" (1946), de Charles Vidor (el director de fotografía es nada menos que Rudolf Maté), "The Chase" (1946), de Arthur D. Ripley y "Macao" (1952 ), de Josef von Sternberg. Aunque la relación con estas películas es clara, en la que se pueden reconocer personajes individuales de las obras mencionadas, la distancia también es grande y "Forbidden" no deja de ser una especie de versión menor rodada con pocos medios y escasa imaginación. Aunque la trama se desarrolla en Macao, de la antigua colonia portuguesa no aparecen exteriores ya que la película fue rodada en los estudios de la Universal en Hollywood y el paseo marítimo de Macao se rodó en San Diego, California. Esto hace que, pese a la buena fotografía en blanco y negro de William H. Daniels, la atmósfera no esté del todo conseguida y no permite que el espectador se sienta transportado al lejano Oriente.

Una vez dichas todas sus deficiencias hay que reconocer que "Forbidden" es un film entretenido que se sigue con agrado gracias a su trama clásica y a su reparto con unos actores no habituales en el cine negro pero que cumplen a la perfección en sus papeles. Un muy joven Tony Curtis demuestra que no sólo fue un actor de comedia y aventuras sino que también servía para papeles dramáticos y, concretamente, para el cine negro en el que tuvo cinco apariciones.

"What a Carve Up!" es una comedia de terror británica de 1961 que en Estados Unidos se estrenó con el título "No Place Like Homicide". El guión de Ray Cooney y Tony Hilton se basa libremente en la novela de 1928 "The Ghoul", de Frank King, de la cual se hizo una versión seria anterior, en 1933, titulada "The Ghould", protagonizada por Boris Karloff.

"What a Carve Up!" es un film de terror en tono de comedia con todos los ingredientes del género y que resulta demasiado tópico y poco imaginativo. Tenemos una casa gótica en la que un millonario rico ha fallecido y reúne a sus descendientes para la lectura de su testamento; un oscuro abogado que reúne a la familia; un siniestro mayordomo; puertas que se abren de manera extraña y conducen a pasadizos secretos; un órgano; una tormenta; cables de luz y teléfono cortados; cuadros con agujeros para espiar; una atractiva enfermera; unos familiares bastante raros y un misterioso asesino que los va matando poco a poco.

Todo este interesante material podría dar una buena película de terror y misterio pero el tono de humor que la preside está fuera de lugar en algunas ocasiones y si a ello añadimos que falta originalidad y sobran demasiadas situaciones ya vistas muchas veces, la conclusión no puede ser otra que no termina de convencer pese a tener algunos aciertos.

Lo más destacable es el reparto, encabezado por Sid James y Kenneth Connor, dos actores habituales de la comedia británica especialmente de la serie "Carry On". Entre los secundarios, podemos destacar a Donald Pleasence, Dennis Price, Michael Gough y Esma Cannon que cumplen a la perfección en sus peculiares personajes.

"It Ain't Hay", dirigida por Erle C. Kenton, se basa en la historia de Damon Runyon, "Princess O'Hara", que Universal llevó por primera vez al cine en 1935 con Chester Morris.

Considerada por los fans de Bud Abbott y Lou Costello como su película "perdida", en realidad nunca se perdió, pero no estuvo disponible para verla durante muchos años debido a problemas legales con el patrimonio de Damon Runyon. La película fue televisada hace décadas (presumiblemente antes de que surgieran los problemas legales), pero nunca se estrenó en video y no se incluyó en los conjuntos de DVD originales de MCA/Universal de las películas de Abbott y Costello que salieron en 2004. En 2008 se aclararon las cuestiones de derechos y se incluyó en el lanzamiento del DVD "Abbott and Costello: The Complete Universal Pictures Collection".

En su primera parte, la película se muestra bastante dispersa presentando diferentes situaciones cómicas para el lucimiento del conocido duo con sus habituales gags y juegos de palabras. La trama principal comienza cuando Bud y Lou se ven envueltos en una serie de situaciones complicadas después de la muerte de un caballo perteneciente a un amigo. Su intento por arreglar las cosas termina empeorando cuando se ven involucrados en una aventura que incluye confusiones de identidad equina, un poco de juego y una carrera en un hipódromo.

Los dos protagonistas hacen lo habitual y lo hacen bien, pero el elenco secundario no aporta gran cosa, con la excepción de Eugene Pallette. Se incluyen varias canciones y algunos números musicales entre los que destaca el realizado por The Four Step-Brothers, un grupo de baile famoso por incorporar números complejos y que intervino en varias películas.

Mi escena favorita de la película es aquella en la que Abbott le dice a Costello que abra la puerta después de las carreras y él le contesta que podría ser la Warner. A lo que Abbott responde: "No servirá de nada, tenemos contrato con la Universal". Hay que recordar que ambos cómicos había firmado un contrato en 1940 a largo plazo con la Universal que duraría hasta 1956.

"In Roslagens famn" es la primera de las tres películas suecas inspiradas en la poesía de Evert Taube (1890-1976), que fueron filmadas durante la década de 1940. Las otras fueron "Maj på Malö" (1947) y "Sjösalavår" (1949). El poeta aparece personalmente en la primera y segunda película.

La película es una mezcla de melodías de Evert Taube, ilustradas con palabras e imágenes de Roslagen, zona costera al norte de Estocolmo, y también con algunas melodías sudamericanas. La historia resulta más creíble cuando la acción se desarrolla en Roslagen, mientras que la parte que se ambienta en La Habana y Argentina parece bastante más forzada. En cualquier caso, el guión es lo más flojo del film que cuenta la historia de cómo un marinero sueco, Fritiof Andersson, regresa a su pueblo en la víspera del solsticio de verano, cansado de la vida en el mar y con la intención de casarse con su novia y asentarse en tierra. Pero su naturaleza mujeriega y aventurera le llevarán de nuevo a surcar los mares.

Como ya hemos dicho, la trama es una mera excusa para intercalar canciones de Evert Taube, interpretadas por Åke Grönberg, y ni el director ni el guionista se esforzaron demasiado en conseguir que este material tuviese un desarrollo dramático lo suficientemente elaborado.

"Lullaby of Broadway" es una comedia romántica musical de Warner Bros para lucimiento de su actriz Doris Day en su séptima película con la productora y que ese mismo año de 1951 estrenaría otras tres más. La dirección corre a cargo de David Butler, quien trabajó con Day en varias ocasiones, incluida una de sus mejores películas, "Calamity Jane" (1953).

En los años 1930, Warner Bros destacó en el género de los musicales con películas dirigidas y coreografiadas por Busby Berkeley. A diferencia de MGM, Warner Bros a partir de entonces tuvo un declive en el género, exceptuando algunos éxitos aislados como "A Star Is Born" (1954) o "The Pajama Game" (1957), este último creado para la actriz principal de Broadway, Doris Day. Aunque no hubo nada realmente inolvidable en su filmografía, sí produjeron muchas películas entretenidas, incluyendo la mayoría protagonizadas por una ex cantante de Big Band descubierta para el cine por Michael Curtiz en 1948. En 1951, la actriz ya había participado en siete películas y aunque todavía no era una estrella consolidada en Hollywood, ya se perfilaba como una apuesta segura para el estudio, que recuperaba sus costos cada vez que ella aparecía en sus producciones. Fue "Calamity Jane" dos años después la que la catapultó a la cima.

En "Lullaby of Broadway", Doris Day interpreta por vez primera a un prototipo de mujeres modernas, independientes y valientes a la par que joviales y dinámicas que tanto calaría entre el público estadounidense. Si sus cualidades como cantante siempre han sido reconocidas aquí se empiezan a notar sus cualidades como actriz que irían mejorando con el tiempo. Esta colorida película musical resulta bastante convencional y su guión no destaca precisamente por su originalidad ni por su estructura que es bastante errática. Pero la naturalidad y el buen humor de Doris Day son comunicativos y, no contenta con ser una excelente cantante, aquí se revela como una buena bailarina. Sabemos que su sueño de una carrera de bailarina terminó después de un accidente automovilístico cuando tenía 16 años; imaginamos que fácilmente podría haber sido una de las más grandes en su campo cuando la vemos evolucionar en el excelente final que da título a la película o incluso antes en otra secuencia con Gene Nelson, "Somebody Loves me ", dos números bellamente coreografiados por Eddie y Leroy Prinz.

Su compañero, Gene Nelson, demuestra su talento como bailarín pero no tanto como actor. Warner Brothers decidió elevar a Gene Nelson al estatus de coprotagonista con Doris Day después de que Nelson ganara el Globo de Oro de 1950 a la Mejor Estrella Revelación por su aparición junto a Day y Gordon MacRae en "Tea for Two".

En cuanto a los números musicales se incluyen canciones como "Just One of Those Things", de Cole Porter interpretada por Doris Day con un esmoquin impecable; "You're Getting to be a Habit with me" y la famosa "Canción de cuna de Broadway" de la película "Cazadores de oro" de 1935, compuesta por Harry Warren y Al Dubin; "Zing Went the Strings of my Heart" interpretada por el Page Cavanaugh Trio, destacando la brillantez y agilidad de Gene Nelson, quien incluso logra bailar claqué sobre un piano; el encantador dúo formado por Doris Day y Gene Nelson con "Somebody Loves Me", de George Gershwin; y "I Love The Way You Say Goodnight" de Eddie Pola, donde la pareja baila a cámara lenta, al estilo de Fred Astaire en "Easter Parade", de Charles Walters. Este listado de canciones conforma un hermoso repertorio para un musical que logra entretener pese a su modestia y a su limitada estructura de guión.