Y 7 años después de su mejor obra, Icíar Bollaín nos sorprende una vez más con un drama social que respira grandeza, desasosiego y pureza. No era fácil para Icíar hacer este tipo de relato en un contexto crítico hacia el mundo del cine haciendo 2 relatos al mismo tiempo -no habia experimentado esta manera de "cine dentro de cine" en su filmografía- pero ha logrado un buen resultado (con sus más y sus menos) continuar 2 relatos, manejar el tempo y conmovernos a través de su maravillosa visión.

Sebastián (Gael García Bernal) y Costa (Luis Tosar) con un equipo de rodaje detrás se proponen hacer una película sobre Cristóbal Colón y el descubrimiento de América. Director y productor pretenden desmitificar al personaje pero disponen de un presupuesto muy bajo y eso les lleva a elegir Bolivia como ambientación (es uno de los países más baratos y con mayor población indígena de Hispanoamérica). Rodada en Cochabamba (un lugar con una ambientación única y un espacio característico) intentan dar rienda suelta para plasmar sus ideas en una película, pero esta ciudad está sometida a unas condiciones indignas; la privatización y venta del agua a una multinacional han sembrado entre la población un malestar tal que hará estallar la Guerra Boliviana del Agua (abril año 2000). Tienen todo el equipo, una visión clara para filmar la película, un objetivo claro... pero su bajo presupuesto y las injusticias producidas en esa ciudad meterán en apuros a la industria, actores y la civilización.

Es una película de fácil descripción debido a su trama pero de una gran dificultad de desarrollo por el abordaje de temas tan importantes y relevantes dentro de nuestra sociedad y, añadido a esto, hacerlo en un país tan perjudicado como es Bolivia. En ella podréis ver la injusticia y lucha constante por la reinvindación de los derechos de los indígenas y la denuncia de las injusticias históricas cometidas durante la época colonial.

El reparto no desentona. Luis Tosar y Karra Elejalde están inmensos, pero Gael García y Arévalo no se quedan tan atrás y es que sus registros son excelentes y su manera de controlar el tono de sus diálogos dan a la película la carga emocional que requiere en cada momento. Aduviri está muy correcto y a este le respaldan en numerosas escenas una larga cantidad de extras que cargan la ambientación.

Trata una gran variedad de temas como la lucha por los derechos de los indígenas, la denuncia de las injusticias históricas cometidas durante la época colonial, el poder monetario de las grandes industrias, etc. Y, en contraparte, Icíar Bollaín nos habla de la diferencia de presupuestos entre el cine hollywodiense y el español, las limitaciones de las películas y de la propia falta ética y moral de la que carecen este tipo de producciones. Esto permite generar concienciación y reflexión en el espectador.

Se esfuerza por contar una historia compleja al entrelazar la filmación de una película dentro de la película con la realidad que la rodea. Esta estructura narrativa desafiante muestra una audacia creativa y busca involucrar al espectador de una manera más profunda. La manera de filmarla acerca mucho al espectador y es que encontramos secuencias largas donde prima el diálogo y la representación de los hechos, uso de cámara en mano y cámara fija que junto a los efectos caseros y la propia manera de rodar esta película dan un aura de realismo y inmersión gratificante.

Uno de sus mejores apartados es la fotografía y dirección. Si bien no destaca por una estética visual innovadora, la película cuenta con una fotografía y una dirección competentes. Las escenas están bien compuestas -cambios de cámara pausados y un buen montaje- y la dirección logra mantener un ritmo adecuado, lo que contribuye a una experiencia cinematográfica sólida.

A pesar de que Mientras la lluvia sea una buena película, tiene problemas visibles que bien pueden pasar desapercibidos y no afectar a la experiencia pero que restan significativamente a la propia solidez. Uno de ellos es la falta de sutileza y profundidad en el tratamiento de sus temas. El enfoque es obvio, convencional. Y el mensaje se transmite al espectador de manera demasiado didáctica y masticada, lo que afecta posteriormente a la narrativa, sus matices y al propio mensaje (lo edulcora). Intentos muy directos de generar una conexión emocional con la audiencia propiciados en momentos muy específicos poco trascendentes para la narrativa lo cual reduce el impacto de la historia y la caracterización de los personajes.

Por momentos parece que la película se va y pretende autocomplacerse en vez de explorar más allá y artificializa los problemas que atañen a la civilización y la narrativa. La voz y la perspectiva de los indígenas es muy plana, no hay detalles de sus motivos, organizaciones, safricios. Todo es un caos con imágenes ciertamente bien logradas pero que representan en gran parte una superficialidad y simpleza, como si de meros objetos de compasión y afecto emocional a los protagonistas se tratasen.

Peca de una falta de coherencia en su estructura narrativa. Es posible que algunos cambios de la ficción y la realidad que se producen de seguido puedan generar confusión en el espectador medio y dificulte la inmersión del mismo. Esto también hace que el mensaje y propósito central de la película se desvanezca por momentos y no sintamos la dureza del mensaje. Y así es que, muchos momentos dramáticos se sienten forzados y poco naturales (comentaré alguno en el spoiler)

En resumen, es una película con una premisa relevante y una ejecución interesante que a momentos se ve frenada por una representación de los hechos y trata de momentos dramáticos muy superficiales. Falta de sutileza, falta de profundidad (aunque correcta) y falta de desarrollo la convierte tristemente en una buena película que quizás tenía potencial para ser más. Pero aquí no nos andamos con dramas, es una buena película, compacta, de fácil visionado y de sensación agradable tras su visionado.

Inseparables (1988) llegaba a los cines y a la filmografía de Cronenberg tras éxitos como 'Videodrome' o 'La mosca', obras que no solo significaron una evolución y consagración de Cronenberg como un gran director, sino también un avance en el mundo del cine y los thrillers psicológicos debido a los llamativos efectos especiales, twinning (un actor interpretando 2 personajes de personalidades contrapuestas), el desarrollo del splitscreen y nuevas narrativas que explorar.

Esta película sigue la historia de 2 gemelos idénticos llamados Beverly y Elliot Mantle (interpretados magistralmente por Jeremy Irons) que trabajan como ginecólogos de gran renombre. Ambos tienen personalidades muy peculiares y comparten fetiches en las relaciones con sus pacientes. Esto les jugará una mala pasada ya que su relación se verá afectada al enamorarse de una misma mujer (Geneviève Bujold).

Cronenberg desarrolla esta película de manera pausada, al igual que sus anteriores, priorizando crear una atmósfera intrigante y oscura revelando poco a poco la naturaleza compleja y disfuncional de los personajes, su personalidad (personajes contrapuestos) derivando en temas muy interesantes como pueden ser la identidad, la obsesión, el amor, la decadencia moral, el sexo, la droga y muchos más temas derivando al mismo tiempo en una crítica hacia un oscuro mundo del cine y un oscuro mundo farmaceútico. Hasta nos compara y admira a los peces porque ellos no tienen la necesidad de tener sexo y tienen otras inquietudes.

Abarca tantos temas que hablar de cada uno sería eterno. Pero, el mérito, viene en gran parte por Jeremy Irons, un actor que logra interpretar a la perfección lo que requiere el guion y sus personajes, diferenciando de manera brillante a dos gemelos de apariencia idéntica, pero muy diferentes en su interior. La interpretación es soberbia y junto a otros personajes que sirven como exploración profunda de los gemelos, desarrollo de problemáticas entre ambos, mayor dificultad en la propia relación amistad y amor, logran sumergernos completamente en la historia. diferenciar de manera brillante a los dos gemelos, a pesar de su apariencia idéntica. Un trabajazo por parte de Jeremy, vestuario y maquillaje, y por supuesto, una exquisita dirección y fotografía que, utilizando la simetría visual y elementos visuales perturbadores, nos teletransporta al estado mental de los personajes y amplifica así el sentido de angustia y malestar en el espectador.

Cronenberg está fabuloso durante toda la película. Destacan primeros planos a los protagonistas, -expresando así sus emociones e inquietudes- planos objetivos junto a unos escenarios muy bien logrados (escenarios que de por sí están vacíos, pero se vuelven muy completos gracias a todo el detalle que pone Cronenberg en los mismos), un maravilloso uso de la iluminación en momentos clave de la narrativa y, un tempo quizás algo desmedido pero que gracias a priorizar tanto la atmósfera, nos logra mantener con altas expectativas el próximo desenlace que les espera a nuestros personajes. Si sumas todo esto a, una vez más, un uso apoteósico de los efectos especiales como bien nos tiene acostumbrado Cronenberg, solo te queda disfrutar de una experiencia que pasa por muchas etapas: dramática, espiritual, sádica y romántica.

El guion es notablemente sólido. Aborda temas muy complejos, tabúes y, a la vez, ejerce crítica sobre determinados sectores de una manera inquietante y convincente. Los valores narrativos de los personajes están simplificados pero se desarrollan de manera genuina. Cada personaje aporta tanto a la narrativa como a la psique de los protagonistas. Primero nos presentan una relación entre gemelos, luego nos muestran su respectiva relación simbiótica y, de este concepto, acaba derivando en obsesión, secretismo, psicología humana y el poder. Profundiza en complejidades sin necesidad de mostrarse técnico, lo que hace que también cualquier espectador realmente pueda disfrutar de este guion.

Inseparables es una obra de obligado visionado dentro de la filmografía de Cronenberg. Destaca por su atmósfera inquietante, actuaciones excepcionales y exploración de temas oscuros, perturbadores y cínicos. Si bien es cierto que tiene una similitud muy grande con Dr Jekyll y Mr Hyde, he de decir que aún así no te dejará indiferente. Tan solo debes estar dispuesto a sumergirte en una experiencia cinematográfica desafiante y provocativa, llena de contrastes y con mucha lentitud, pero al final, te quedarás con la sensación de que todo ha merecido la pena.

Charles Chaplin nos sigue maravillando, esta vez, con una obra clásica dentro del cine mudo (su último film mudo de hecho) realizado en 1928. Este era el momento en el que el circo era más que un simple escenario para contribuir a la ambientación, era un método más para explorar narrativas, ser crítico con la humanidad, realizar gags únicos, contar nuevas historias, dar un potente mensaje y un sinfín más de cosas.

El vagabundo Charlot (Chaplin) es acusado de portar un monedero de pertenencia ajena, es perseguido por la policía hasta acabar en un circo de manera involuntaria. El jefe del circo ve un gran potencial en Charlot dentro del sector y le ofrece trabajo. Este acepta y se traslada al circo ambulante, donde además de trabajar, conoce y se enamora de una mujer jinete. El trabajo junto a esta relación no será nada fácil, pues pronto descubre las intenciones malévolas de dicho jefe y la aparición de un apuesto trapecista que dificultará su posible relación.

La habilidad cómica de Chaplin es innegable digna de cientos de elogios, y en esta misma película, el nivel sigue estando a la altura. Los gestos, expresiones faciales y movimientos físicos característicos dan vida al vagabundo y generan momentos de humor genuinamente divertidos. desempeña un papel importante en la creación de atmósfera y en la intensificación de las emociones. Estos momentos son acompañados de una música alegre en momentos cómicos que sirve para elevar el impacto de estas mismas escenas y una armonía aterciopelada proveniente de un violín en los momentos tristes (intensifican las emociones); esta música hace que el film transmite poesía. La sincronización de la misma y las imágenes es bastante buena. Y, sobre todo, lo que destaca son los escenarios. Encontramos una atracción de un barco, un laberinto de espejos, puestos de aperitivos, salas con animales enjaulados... una infinidad de escenarios que contribuyen a que este circo sea totalmente amplio.
P.D: La música fue compuesta por el mísmisimo Chaplin.

Tiene una notable dirección artística y diseño de producción. El circo en sí mismo es recreado de manera detallada y realista, y la película captura la atmósfera mágica y caótica de este entorno. Los decorados, los trajes de los personajes y los accesorios contribuyen a crear una estética encantadora y llena de encanto vintage.

No es solo una película que domine a la perfección la comedia, (combina la idiotez y el surrealismo con acrobacias y piruetas también mostrando un arte del mismo) también es una película dramática, clara y directa con sus mensajes profundos y universales. Algunos de los temas son:

-La aceptación y el amor: Chaplin se encuentra a total merced de la chica. Este busca ser aceptado y amado, pero todo esto le lleva a la deseperación por conseguir el deseo de encajar en la vida de ella, salvar su desastrosa vida y encontrar un lugar juntos en el que ser amados y valorados como se merecen, ya que dentro del circo solo son meras marionetas de nula apreciación. También, a su vez, nos enseña a no rendirnos y enfrentarnos a todos los obstáculos, adversidades que solucionen cualquier problema.

-Crítica a la sociedad de la época y su hipocresía social: Chaplin satiriza la hipocresía de la sociedad. Expone la falsedad y el engaño presentes en la vida cotidiana, mostrando cómo los personajes se comportan de manera diferente a lo que realmente son (jefe del circo, empleados). Y también nos lo enseña desde la perspectiva del público, en la que los valores humanos dejan de importar por el mero disfrute de algunos. Y a su vez, como este tipo de shows peligrosos y antihumanos son de buen ver por la sociedad y generan riquezas mientras que los trabajadores precarios son marginados y expulsados de la sociedad.

-La importancia de ser auténtico: Nos enseña que debemos ser uno mismo dentro de una sociedad de fachada en la que la dificultad de ser único es inmensa. Nos lo ejemplifica a través del protagonista, este encuentra la felicidad y la aceptación cuando se muestra tal como es, rompiendo con las convenciones sociales y las expectativas impuestas por los demás.

Tiene muchos aspectos positivos, y la película logra tanto entretener como invitar a la reflexión. Pero esta película no es redonda, ni mucho menos la mejor obra de Chaplin. Es cierto que las intenciones guionísticas cumplen su cometido, las secuencias respiran dinamismo y los conflictos son resueltos con solvencia. Pero no logra ser todo lo sólida posible ya que los personajes carecen de profundidad y la historia no tiene un rumbo claro. Los gags no son los más originales de Chaplin, pecan de ser algo predecibles, pero siguen generando impresión y humor.
Esto nos ayuda a dimensionar la dificultad que tiene hacer una película tan sólida, en mi opinión, eso lo ha "El chico", aunque en este film esta solidez no fuera estrictamente necesaria.

En conclusión, "El circo" es una experiencia totalmente recomendable para aquellos amantes del género con una gran cantidad de aspectos positivos que nos harán experimentar todo tipo de sensaciones, desde la risa y la alegría hasta la soledad y la melancolía. Nos ayuda a apreciar aún más lo que significó Chaplin, ya no solo para el cine, también para la época y la sociedad en la que se encontraba.

Ojalá en todos los circos estuviera Chaplin.

Steven Spielberg que ya venía de consagrarse como gran director gracias a sus magníficas obras predecesoras (Tiburón, Encuentros en la tercera fase, En busca del arca perdida, Poltergeist) nos sorprende con una película totalmente distinta en su filmografía. Una película apta para todos los públicos fundamentada en el sentimentalismo a través de la visión niñez-adulta de los extraterrestres (nunca antes tratada de esta manera en el cine) y en el poder de lo desconocido frente al ser humano.

Siendo una película capacitada para ser consumida por todas las masas, la película nos muestra que tiene 2 vertientes. La primera podemos resumirla en lo puramente sentimental, es decir, la nostalgia, ternura, esperanza y cariño que nos produce la relación de los protagonistas con nuestro extraterrestre, o bien por otro lado, la impotencia, ira y tristeza que nos produce la corporación NASA, FBI o científicos cuyo deseo es sacrificar la vida de estos seres indefensos para que el ser humano prospere, haya avances y se elimine una posible amenaza para el mismo. La segunda vertiente (alejada de la visión en masa) es puramente artística en la que se tratan temas como la relación entre el ser humano y lo desconocido, la relación entre la propia naturaleza (perro-extraterrestre), la división de bandos según intenciones puras o malévolas, la confianza entre personas sin entendimiento y bastantes temas varios.

Gracias a estas vertientes y otras cuantas cosas más que detallaré a continuación, la película llega a ser totalmente sólida, disfrutable por todo el mundo y logra alcanzar todos sus propósitos: dar un mensaje y lección de vida y, además, jugar con las emociones del espectador en todo momento. Procederé a comentar lo más relevante de cada apartado del film.

-La narrativa es clara en todo momento, no busca ser original, no busca impresionarte, no quiere pecar de pretenciosa. Simplemente tiene el objetivo de gestionar tus emociones en base a las intenciones de ambos bandos de seres humanos, llegando de un punto A a un punto B con sus respectivos conflictos y sus correspondientes resoluciones a dichos conflictos. El guion es claro, es cierto que peca de simpleza y es fácil anticiparse al mismo, pero esto carece de importancia cuando las intenciones son tan claras. Bandos de personas totalmente contrapuestos, personajes con una evolución exponencial (psicológica) y un objetivo claro (salvar al extraterrestre). Tiene una lectura mucho más densa y artística, pero al ser una película para masas el sentido de la misma será percibido de esta manera.

-La dirección es francamente buena. Es notable la gran cantidad de trabajo que ha llevado realizar esta película, podemos ver incontables tomas en secuencias muy cortas con transiciones muy rápidas, diferentes tipos de angulación y planos objetivos para situarnos en la casa, en el bosque o primeros planos a los protagonistas para entender su manera de actuar y sus inquietudes. El montaje está muy bien, toda escena acaba teniendo coherencia y nos va trasladando desde un punto a otro, a un ritmo totalmente adaptado a la película.

-La música es totalmente reconocible en las películas de Steven Spielberg. En la película hay todo tipo de música que va en perfecta sintonía con dichas secuencias, música relajada cuando los protagonistas se conocen, música intensa y rápida cuando hay persecuciones, música nostálgica en acontecimientos narrativos duros, etcétera.

-Los efectos especiales están totalmente a la altura. Efectos totalmente digitalizados y efectos puramente artesanales. Todo esto contribuye a que la atmósfera sea totalmente realista y no peque de artificialidad. Momentos icónicos como la ascensión en bici, manipulación de objetos y gravedad y muchos más.

-La cinematografía es la pura definición de lo simple pero eficaz. Predomina el uso de la iluminación, el arte abstracto, el stop trick, uso de todo tipo de planos. En el spoiler comentaré algunas escenas en concreto.

La parte negativa que puede tener esta cinta es la excesividad del uso del factor sentimental en el espectador, llegando a aborrecer al mismo y convertir la narrativa en algo puramente artificial carente de credibilidad o, por otro lado, puede pecar en no excederse demasiado y contar lo mínimo posible. Otra pega pueden ser los personajes secundarios ya que carecen de trascendencia en la película (sirven como contraposición a los protagonistas pero no tienen relevancia directa) o el uso de persecuciones sacando ese tono acción-aventura que puede descolocar al espectador con respecto a lo anteriormente visto.

En general, es una película muy sólida. No quiere destacar por encima del resto, solo quiere que el espectador escuche su historia y navegue por este viaje tan variado y repleto de emociones. Con poco logra impactar, deja momentos para la historia del cine o palabras icónicas (casa). Ha dejado una huella imborrable. Puede que el paso del tiempo haya hecho que esta película a día de hoy quede algo atrás, pero lo que nunca podrá conseguir es que el espectador olvide esta maravillosa experiencia.

Adiós, muchachos puede parecer una película más sobre la Segunda Guerra Mundial, misma narrativa, mismo mensaje, misma representación de los hechos, mismo producto. Pero no, no es una película más, es una película con un carácter y una personalidad totalmente propia basada en el sentimentalismo, las emociones, muy crítica con lo sucedido y, sobre todo, con una enseñanza en su interior para no olvidar.

La historia nos traslada a un invierno del 1943. Julien Quentin (un joven católico de 13 años, gamberro y de famlia bastante acomodada) por obra de sus padres, emprende junto a sus hermanos, camino hacia un internado en Fontainebleau, Francia. En plena invasión alemana Julien intenta adaptarse a esta nueva vida haciendo migas con el resto de compañeros. Un día un joven llamado Jean Bonnet llega a este mismo internado pero, para su mala fortuna, su adaptación será muy diferente a la de Julien. Jean es un hijo de padres judíos, padres a los que lleva 3 meses sin ver y, este mismo, se encuentra en el internado oculto de los alemanes falsificando su identidad.

En un principio Jean y Julien tienen una mala relación, pero con el tiempo, la relación florecerá hasta ser mejores amigos dentro de un internado sombrío y tenebroso. Jean tiene un sueño y es dedicarse al sacerdotismo, mientras que Julien, es un maravilloso contable (titulado) ya que su padre ejercía la profesión.

Comenzaré hablando del por qué esta película es diferente, de autor. En primer lugar, por la capacidad de autoreflexión y la carga sentimental transmitida de manera directa al espectador. Es inevitable pensar en la vida de aquella época y observar el cambio, como también es inevitable pararse a recordar nuestra etapa de niñez con cierta nostalgia. Es un viaje frondoso por el que surcaremos llegando a varios páramos, desde la inocencia a la felicidad, desde la esperanza hasta el amor, y de manera desgraciada, desde la tristeza hasta la pérdida. Cada escena está impregnada de un sentido de autenticidad y realismo que nos meterá de lleno en la pantalla, bien sea por la música a piano, por el desarrollo del vínculo de amistad, por los momentos esperanzadores o por los momentos en los que logramos olvidarnos de la situación histórica en la que se encontraban. (Poner especial atención a la oda que Louis Malle le dedica a Charles Chapplin donde todos consiguen olvidarse de sus problemas y mediante unas simples risas consigue transmitir lo imposible)

En segundo lugar, por la magnífica dirección de Louis Malle. La habilidad que posee para capturar esa atmósfera plagada de caos, ira y confrontaciones, la tensión totalmente palpable entre bandos, la maldad del ser humano, la inocencia de aquellos seres puros. Aborda cuestiones totalmente profundas y reflexivas, como la culpa, la responsabilidad personal, en general todos los sentimientos negativos. Y esto, hace que como en la vida real, los protagonistas y los seres humanos evolucionen ya que nuestras propias acciones y decisiones tienen un impacto directo sobre aquellos que nos rodean. Y bueno, ni que hablar de los maravillosos planos que nos deja totalmente expresivos, o de la maravillosa fotografía o el trabajo que constituyen a los mismos o la manera de transmitir las inquietudes de los personajes a través de zooms a lo vieja escuela.

En tercer lugar, el guión. Está genuinamente bien construido, dos protagonistas con una personalidad y contexto totalmente opuesto, acercados a una realidad histórica nada superficial, con personajes secundarios que tienen implicación directa sobre nuestros protagonistas y los acontecimientos narrativos (el sacerdote, el cocinero o la profesora de piano) y con una exploración totalmente amplia sobre diversos temas de trascendencia como son la amistad, la simpleza de lo real, la lealtad, la disciplina guerrillera, las dificultad de las decisiones en aquella época y la importancia de las mismas. La amistad que tienen ambos protagonistas pasan por todas las etapas posibles, llega a ser amenazante y de peligro real pero siempre el valor del ser humano bondadoso se interpone para cambiarlo.

En resumen, "Adiós, muchachos" es una obra apasionante acerca del ser humano con un contexto dañino como la Segunda Guerra mundial que merece ser apreciada. A pesar de que la película pueda resultar algo lenta por la velocidad en la que avanza la relación de nuestros protagonistas, su poderosa historia, su magnífica dirección y sus actuaciones excepcionales se combinan para crear una experiencia cinematográfica inolvidable. Y lo más importante, esta película logrará no solo gestionar tus emociones, sino también te dejará un mensaje y una lección de vida: el espíritu humano siempre deberá estar por encima de todo.

Adiós, muchachos.