El inicio de esta trilogía tuvo lugar hace tres años con el estreno de ‘The Purge: La noche de las bestias’, película que contaba como punto de partida con una idea un tanto estúpida pero que podía dar mucho juego: dada la violencia imperante en la sociedad y la saturación de las cárceles, el Gobierno estadounidense aprueba una medida llamada “La Purga anual”, según la cual una noche al año, durante doce horas, está permitido cometer cualquier crimen de manera totalmente legal, incluido el asesinato. Sin embargo, a pesar de su poderosa premisa, la película acabó resultando una propuesta mucho más previsible y desaprovechada de lo que cabría esperar, centrándose únicamente en el asedio a una casa durante dicha noche.

Su secuela, ‘Anarchy: La noche de las bestias’, intentó solventar los errores de su antecesora. Esta vez James DeMonaco, director también de la anterior, supo entender lo que tenía entre manos e hizo borrón y cuenta nueva, contando con nuevos personajes (cinco personas que se quedan fuera de sus casas y deciden aliarse para poder sobrevivir a la purga) y llevando el campo de batalla a las calles, ofreciendo de esta manera un espectáculo mucho más satisfactorio que en la primera entrega. No obstante, seguía pareciendo que no se acababa de explotar del todo la potente premisa con la que contaban.

Este año se ha estrenado la tercera y, por lo que parece, última entrega de la trilogía: ‘Election: La noche de las bestias’, con James DeMonaco repitiendo nuevamente tras las cámaras.

La trama se sitúa dos años después a lo acontecido en la segunda entrega, con el ex-sargento de policía Leo Barnes (Frank Grillo) dirigiendo el equipo encargado de la seguridad de la senadora Charlie Roan (Elizabeth Mitchell), candidata a la Presidencia y partidaria de la supresión de “La Purga anual”, que este año tiene una novedad: no existen excepciones, es decir, que toda persona, incluidos políticos de primer nivel, puede ser eliminada. Esto hace que el aspecto político resulte clave en esta entrega, al situarnos en año electoral con candidatos susceptibles de ser asesinados y teniendo a dos bandos enfrentados: los “Nuevos Padres Fundadores”, representados por la figura del Ministro, y la senadora Charlie Roan.
Teniendo en cuenta que en Estados Unidos hay elecciones este año, no es de extrañar que se haya optado por este planteamiento, y es que si uno quiere puede encontrar paralelismos entre la política de los “Nuevos Padres Fundadores” y la llevada a cabo por el candidato republicano Donald Trump; sirva como ejemplo el lema que pasa de “Haz América grande de nuevo” a “Mantén América grande”.

Entre los aciertos de la película está el hecho de que es plenamente consciente en todo momento de sus aspiraciones y no se engaña tomándose demasiado en serio a sí misma, lo cual resulta en un entretenimiento directo y sin complejos, pero que a cambio no se molesta en ahondar en el terreno sociopolítico (tan solo se introducen pequeñas ideas como el “murder tourism” o el hecho de que los pobres sean los que más sufren las consecuencias de la purga).
Entre sus fallos se podría citar unos personajes demasiado planos, ciertos altibajos durante su metraje (si bien es cierto que el ritmo está bastante logrado) y un guión predecible y repleto de clichés.

En definitiva, ‘Election: La noche de las bestias’ se encuentra a medio camino entre la primera y la segunda entrega: no resulta tan limitada ni desaprovechada como ‘The Purge’, pero tampoco tan novedosa ni satisfactoria como ‘Anarchy’, si bien es un digno entretenimiento que tiene muy claro lo que quiere ofrecer y que no decepcionará si te gustaron las anteriores. Lástima que siga quedando la sensación de que no se ha sabido exprimir del todo la premisa con la que se contaba ni sacarle provecho al universo creado.

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Darren Aronofsky nunca ha sido un director muy convencional y su obra, dados sus impulsos creativos, entraría en la categoría conocida como cine de autor. Había mucha curiosidad por el rumbo que iba a tomar el director tras la acogida que tuvo por ‘Noé’, a lo que también contribuyó el secretismo con el que se mantuvo el rodaje de ‘Madre!‘ y las declaraciones del propio director antes del estreno en las que afirmaba que la gente había dejado de dirigirle la palabra después de haber visto la película y que su intención había sido “lanzar una granada a la cultura popular”. Pues bien, lo que ha hecho en realidad es lanzar una granada al espectador.

Lo primero que hay que dejar claro es que ‘Madre!’ no es una película fácil de ver. Esto no es algo necesariamente malo, De hecho, en determinados casos es algo de agradecer, pero sí que puede echar para atrás a potenciales espectadores que vayan dispuestos a ver un thriller o película de terror al uso. Se dice que es una película de difícil visionado por lo extremo de su propuesta, su abrumador repertorio de metáforas, algunas más sutiles y logradas que otras, y por las variadas lecturas que se pueden extraer de la historia, exigiendo al espectador que esté prestando atención en todo momento a lo que ocurre en pantalla para intentar desgranarlo, lo que puede acabar resultando agotador.

Desde el punto de vista técnico, no queda sino alabar la labor de Aronofsky, tanto por su claridad de ideas como por la forma de plasmarlas en pantalla, y es que su puesta en escena abusando de primeros planos consigue transmitir a la perfección el agobio y la indefensión a la que se ve sometida el personaje de Lawrence. No se queda atrás el trabajo de una formidable Jennifer Lawrence, sosteniendo la película prácticamente ella sola y que seguramente se encuentre ante el papel más complejo de su carrera, muy alejado a lo que nos venía acostumbrado últimamente. A su lado se encuentra un siempre eficaz Javier Bardem, que en esta ocasión vuelve a demostrar que es un seguro contar con él en cualquier producción. A ambos los acompañan actores de gran nivel, entre los que se incluyen Ed Harris, Michelle Pfeiffer y Domhnall Gleeson, todos ellos más que correctos en sus papeles.

Sin embargo, no todo funciona en la película, y el punto más débil de ella viene dado precisamente por su ambición, y es que intenta abarcar tanto y tantos géneros a la vez que en ocasiones no se tiene muy claro si lo que se está viendo es un drama familiar o una película de terror.

En definitiva, ‘Madre!’ es un bello ejercicio de estilo repleto de metáforas y variadas lecturas que no duda en provocar e irritar al espectador, al que le exige un gran nivel de atención durante todo el metraje si quiere disfrutar de todo lo que ofrece la película. Posiblemente sea la propuesta más valiente y arriesgada que se vaya a ver este año. Solo por ello, merece nuestro aplauso.


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La carrera cinematográfica de Kenneth Lonergan ha sido un tanto peculiar. Empezó por todo lo alto en el año 2000 con ‘Puedes contar conmigo‘, obteniendo buenas críticas y una nominación al Oscar por su guión, pero su siguiente película, ‘Margaret‘, se vio envuelta en una complicada postproducción y tuvieron que pasar seis años desde la finalización del rodaje hasta su estreno. Ahora vuelve con ‘Manchester by the Sea‘, melodrama familiar con toques de cine independiente nominado a seis Oscar, incluyendo mejor película y director.

La historia nos presenta a Lee Chandler, fontanero que lleva una infeliz existencia en Boston: apenas tiene trato con sus clientes, no muestra interés por ninguna mujer y se pasa las noches bebiendo a solas en un bar. Una mañana recibe una inesperada llamada del hospital informándole de que su hermano Joe ha sido ingresado, de modo que conduce rápidamente de vuelta a su pueblo natal, pero, al llegar, se encuentra con que Joe ya ha fallecido. Una vez allí, se encarga del testamento de su hermano y descubre que ha sido asignado como tutor de Patrick, su sobrino, del que deberá hacerse cargo en tan difícil situación. Sin embargo, Lee se muestra incapaz de sobrellevar dicha carga debido a cierto trágico suceso de su pasado.

La película, con una sencilla pero efectiva puesta en escena, nos muestra un desgarrador y conmovedor relato cocido a fuego lento en el que el protagonista, un hombre roto, paralizado por la culpa y abandonado a la vida, se ve obligado a regresar a su Manchester natal y hacer frente a su dramático pasado. Con semejante historia, hubiese sido fácil tirar de sentimentalismo y buscar la lágrima fácil, pero uno de los aciertos de la película es hacer precisamente justo lo contrario. La tragedia se camufla con bromas, los eventos dramáticos se muestran de manera cruda, y el dolor se observa en los pequeños detalles (sirva como ejemplo la escena de Patrick ante las fotografías de su tío).

La sensación de impotencia no saber cómo actuar en determinadas situaciones, las diferentes formas de enfrentarse a la pérdida (ya sea a base de puñetazos en un bar o de mantener en funcionamiento un barco), la certeza de que hay heridas que no se cerrarán jamás, el ligero pero siempre presente atisbo de esperanza, el sentimiento de culpa aun sin estar seguro de si realmente se pudo hacer algo para evitar el transcurso de los acontecimientos; todo está presente en esta estremecedora y conmovedora película en la que también hay lugar para la ternura y el humor.

Casi todo el peso de la cinta recae en hombros de Casey Affleck, actor que hasta ahora había mostrado su mejor cara en ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford‘, pero que aquí da un paso más reflejando el vacío existencial del protagonista a través de una contenida y excelente interpretación. Sentimos en todo momento su impotencia, dolor y lucha interior ante la situación que tiene delante, sin caer en ningún momento en excesos melodramáticos. Junto a él se encuentran un sorprendente Lucas Hedges dando vida a Patrick, el siempre solvente Kyle Chandler como Joe y una inconmensurable Michelle Williams interpretando a la ex-mujer de Lee, quien apenas necesita un par de escenas para desplegar su enorme talento.

Además de la puesta en escena y las actuaciones, la peculiar belleza del pequeño pueblo costero en el que tiene lugar la historia y la bonita banda sonora de Lesley Barber ayudan a dotar a la cinta de ese clima de melancolía y tristeza que la rodea.

En definitiva, en ‘Manchester by the Sea’ contención y sutileza se dan la mano para crear un pausado y desgarrador drama que te sumerge en la desolación de su protagonista. Una película en la que las risas duelen y las lágrimas queman. Tan cruel como honesta.

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Había muchas expectativas en torno a la adaptación de la famosa novela de Jo Nesbø. Expectativas que no hicieron sino aumentar cuando se anunció que el director de la misma iba a ser Tomas Alfredson (‘Déjame entrar’, ‘El topo’) y que Michael Fassbender sería el encargado de ponerse en la piel de Harry Hole, protagonista de la conocida saga literaria de Nesbø.
Teniendo en cuenta el material del que partía y los implicados en el proyecto, era difícil prever un resultado que, si bien no llega a resultar totalmente desastroso, sí que queda muy por debajo de lo que se esperaba del film, siendo una de las mayores decepciones del año pasado.
Los rumores de que el estudio no había quedado satisfecho con la cinta empezaron ante la escasez de información hasta poco antes de su estreno, momento en que se lanzó el trailer. El resultado finalmente ha sido tal que el propio director salió al paso de las críticas renegando de la película, aludiendo a que el tiempo de rodaje en Noruega fue demasiado corto y que, una vez en la sala de montaje, se dieron cuenta de que les quedó gran parte del guión sin rodar, entre un 10 y un 15 por ciento según sus estimaciones.

Harry Hole, detective de Oslo, recibe una misteriosa carta con un muñeco de nieve dibujado en ella. Al poco tiempo, recibe el encargo de investigar la desaparición de la madre de una niña frente a cuya casa hay un muñeco de nieve. Los casos de desapariciones se suceden y Harry entrará en una carrera contrarreloj para atrapar al asesino en serie, para lo que deberá conectar los casos actuales con otros más antiguos.
La película va de más a menos, presentándonos al principio de la misma una historia que, sin resultar rompedora, consigue ser lo suficientemente interesante para atrapar nuestra atención. El problema surge en el desarrollo de la misma, y es que la cinta discurre por unos caminos de sobra conocidos y vistos en otras ocasiones, con la consecuente pérdida de interés ante lo que ocurre en pantalla, hasta llegar a una resolución que roza lo ridículo.
La elegante puesta en escena de Alfredson, una conseguida atmósfera y un reparto que cumple de manera eficaz son algunos de los puntos a favor del film. Sin embargo, estos aciertos no logran tapar sus carencias y debilidades. Y es que su desastroso montaje, que resulta en una acusada falta de ritmo y ciertos vacíos narrativos, empaña demasiado el resultado final.

En definitiva, ‘The Snowman’ es una decepcionante adaptación de la novela de Jo Nesbø. Una oportunidad perdida para empezar una saga cinematográfica de Harry Hole y un resultado tremendamente torpe teniendo en cuenta el talento de los implicados. Se parece más a un convencional telefilm que al fascinante thriller que se podría esperar de la película.


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Sofia Coppola, hija del legendario Francis Ford Coppola, decidió seguir los pasos de su padre y convertirse en directora de cine. ‘Las vírgenes suicidas‘, ópera prima que retrataba la vida en los años 70 de una familia marcada por la tragedia, fue un auténtico éxito del cine independiente e hizo presagiar un futuro prometedor para la joven directora. Algo que ella misma se encargó de confirmar con su segunda película, ‘Lost in Translation‘, convertida hoy en día en un film de culto. La cinta, estrenada cuatro años de su primera película, se hizo con numerosos galardones en diferentes festivales, entre los que se incluyen el de Mejor película extranjera en los Premios del cine Alemán, Francés e Italiano, tres BAFTA, tres Globos de Oro y el Oscar a Mejor guión original, que también firma la propia Coppola.

La película nos introduce a dos personajes: Bob Harris, actor norteamericano venido a menos que se encuentra en Tokio para realizar un anuncio de whisky japonés, y Charlotte, una joven que acompaña a su marido en un viaje de negocios. Ambos personajes se encuentran perdidos y desubicados, tanto en la ciudad como en su vida privada.
Bob atraviesa una aguda crisis personal, con una carrera profesional en pleno declive hasta el punto de verse obligado a realizar anuncios en la otra parte del mundo y una mujer con la que parece destinado a no entenderse, estando ella más preocupada por el color de la moqueta del estudio que de los sentimientos de su marido y siendo él incapaz de arreglar las cosas. Un personaje que ha perdido la ilusión y que pasa la vida dejándose llevar.
Charlotte, por su parte, tampoco se encuentra en su mejor momento. Casada hace apenas dos años con su marido, empieza a tener dudas sobre su matrimonio, en el que se encuentra sola.
Hay determinadas películas en las que el escenario en el que se desarrolla la acción juega un papel primordial en la historia, y ésta es una de dichas ocasiones. La gigantesca capital japonesa es aquí un personaje más, acentuando la soledad que experimentan ambos personajes, perdidos en un mundo tan exótico como culturalmente distinto al que están acostumbrados.

Tildada de pretenciosa y aburrida por unos y de obra maestra por otros, es uno de esos títulos que tanto divide a los aficionados al cine. O la odias o la amas. A mí particularmente no se me ocurre cómo no poder amarla.


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