Las dos caras de enero (Anagrama, 2005) es el título de una novela de la gran escritora Patricia Highsmith, y de la película que ha supuesto el debut como director de Hossein Amini. De H. Amini conocíamos su trabajo como guionista de Drive, una película dura, estremecedora y a la vez lírica, de un ritmo arrollador: una de los filmes más interesantes de 2011. En la adaptación de la novela homónima de P. Highsmith, Hossein Amini ha optado por seguir la estética de ese cine clásico que se fue para no volver, pero del que de vez en cuando tenemos fugaces resurrecciones. Las dos caras de enero nos recuerda a algunas adaptaciones de Anthony Minghella (El paciente inglés, El talento de Mr. Ripley…) y más lejanamente la estela de un Hitchcock menor, pero siempre sugerente. En la película una pareja “americana” divina y glamurosa entra en contacto con un joven, también americano, que sobrevive como guía turístico y como pícaro de poca monta en Grecia. Nada es lo que parece en P. Highsmith, y pronto la pareja divina enseñará su verdadera cara turbia y fraudulenta (y el pícaro la suya de pazguato), enredados además en una relación triangular equívoca y fatal.
Una película con un trío de actores espléndidos: Viggo Mortensen, Óscar Isaac y Kirsten Dunst, que dan a sus personajes la necesaria ambigüedad y el glamur que el film precisa. Film notable también, con una gran fotografía y una música envolvente de Alberto Iglesias, pero sin alcanzar el encanto o la intensidad de esos “clásicos” que se fueron para no volver. Pero se le acerca.

Un cortometraje de animación que me ha gustado. Fusiona una buen historia, con una animación sencilla y plena de imaginación.

Una anciana condenada a permanecer en su silla (va perdiendo sus sentidos y su movilidad), descubre que su familia no es lo que es, sino, quizá, es una manada de buitres, y que su subalterna no es una gata sino una amable cuidadora.

Bella historia, además.

Los archivos de Pentágono (The Post) de Steven Spielberg, es la nueva película de un maestro capaz de contarnos una buena historia con personajes que fundamentalmente hablan, y con una trama sobre unos documentos secretos en las que las motivaciones y los intereses de los personajes son complejos. Pero el maestro hace fácil lo difícil, y entrando por primera vez en un género muy de su país, como es el género sobre el periodismo, nos cuenta a su manera ponderada y con fe en los valores democráticos, la historia de unos periodistas y editores heroicos que, arriesgando sus sueldos, sus negocios y su libertad, deciden publicar unos documentos secretos que revelan lo que gobiernos cobardes no son capaces de reconocer: que la guerra de Vietnam está perdida y que siguen dejando que los soldados norteamericanos y los vietnamitas mueran sin sentido. Estamos en 1971.
La revelación de estos “archivos del Pentágono” y la sentencia del Tribunal Supremo a favor de la libertad de expresión coincide con el inicio del caso Watergate, y hay un homenaje explícito a Todos los hombre del presidente de Alan Pakula, pues el final de Los archivos del Pentágono es el “comienzo” del escándalo que acabó con la dimisión de Nixon. Supone también un arco simbólico entre aquella película y esta, entre el momento estelar del periodismo de investigación, libre ante los poderes, solo sometido a la verdad, y este otro momento histórico donde la posverdad, las redes sociales y la propaganda están cuestionando y minando el papel de esos periodistas y editores. El instinto de Spielberg lo ha captado y ha salido a su rescate… o a cantar su elegía final.
La película regala la ocasión de presenciar a dos grandes actores en dos grandes actuaciones: Meryl Streep y Tom Hanks. Son ellos, sin duda, pero “hacen olvidar” que lo son, y acabamos creyendo que estamos ante la editora y el director de The Washington Post. Nos podrá gustar o no sus motivaciones, su visión del negocio, su valentía o el conservadurismo de sus personajes, pero como actores solo nos producen admiración.

¡Madre! de Darren Aranofsky (El luchador, Cisne negro…), es, aparentemente, un thriller de terror: en una tranquila casa de campo viven felizmente una pareja (Jennifer Lawrence y Javier Bardem); ella se dedica a restaurar y decorar la mansión, en tanto que él, que es poeta, pasa por un periodo de bloqueo creativo. A esa casa llegará por casualidad un individuo perdido y confuso (Ed Harris), que será acogido con entusiasmo por el marido y con recelo por la esposa. Tras este personaje oscuro llegará su mujer (Michelle Pfeiffer), no menos inquietante, y tras ellos sus hijos cainitas y otros personajes que irrumpen en la casa y en la vida de la pareja como modernas plagas bíblicas… En este proceso, la desazón de la esposa irá in crescendo, coincidiendo además con su embarazo, en tanto la parálisis creativa del poeta será sustituida por un furor creador relacionado directamente con la admiración o, más bien, adoración de todos los huéspedes incómodos que han invadido la casa. Mientras la mujer sangra y la casa se desangra literalmente, el marido poeta, en cambio, ve colmado su narcisismo gracias a esas masas de adoradores que invaden la mansión como una peste… La destrucción acecha.
Aranofsky ha querido explicar esta trama como una metáfora ecologista en su presentación en el festival de Venecia. Es una metáfora obvia sobre la situación de nuestro planeta. Pero la película va más allá, mucho más allá. Pues este film tiene algo de cosmogonía, con su ciclo de nacimiento y muerte, y con su eterno retorno de destrucción y creación. La película comienza mostrándonos el resultado de la destrucción, el apocalipsis, para inmediatamente regresar al principio de la trama, a su renacimeinto: la casa en paz, la pareja feliz, la llegada del personaje extraño e inquietante.
Esta idea se sostiene en la película con una puesta de escena subyugante, donde la casa, por ejemplo, es un personaje vivo y herido más, con la aportación de unos actores en estado de gracia, con la fotografía y la música componiendo un todo capaz de producir en el espectador una conmoción brutal… O, al menos, esa es la sensación que tuve durante toda la proyección. Una de las películas con mayor de ambición de llevar la expresión artística a sus límites que haya visto este año.

La visita (The visit) de M. Night Shyamalan supone el retorno del director a sus orígenes cinematográficos. Y este regreso es ante todo un regreso a un estilo propio, reconocible, sencillo y a la vez perturbador, donde importa la forma de narrarlo cinematográficamente, y no tanto los giros de guion o el presupuesto excesivo. Es esta una película de bajo coste, que nos cuenta una historia de cotidianidad: unos chicos visitan a sus abuelos en el pueblo, o en una granja en este caso. Nada más normal y habitual. ¿O no?
El director cuenta este viaje iniciático de dos hermanos -una adolescente y un chaval- con cámara subjetiva. Es decir, la hermana maneja una cámara y graba lo que sucede para montar un documental. La cámara o cámaras -el hermano también usará una- se convierten en uno los protagonista de la historia que se desenvuelve ante nuestros ojos asombrados cuando la cotidianidad, como una tela desgastada, nos permite ver a través de sus jirones el reverso equívoco y apolillado…
Cotidianidad, humor, una apuesta arriesgada al usar cámara subjetiva, sutileza, imperio del detalle, puro miedo, terror sugerido… El estilo Night Shyamalan. Si les gustó El sexto sentido, Señales, El bosque…, no duden en ver esta película.
Y por favor, no lean, escuchen o vean nada que pueda desvelarles el argumento. Por eso prefiero dejarlo aquí.