Fue difícil enfrentarme a la tercera parte de Toy Story. Por un lado era asumir que me estoy haciendo mayor; hace 15 años el pequeño Andy junto a Woody, el vaquero y Buzz se colaban en las pantallas de nuestros cines de una forma innovadora, se trataba de la primera película completamente realizada en ordenador y por aquél entonces yo contaba con nueve años y disfrutaba de ese filme con ojos de niño y maravillado por lo que para mí eran los nuevos dibujos animados. Por otro lado cuando uno acude a ver una secuela lo hace con la sensación de que los estudios quieren explotar a la gallina de los huevos de oro y preguntándose si no hubiera sido mejor dejar las cosas en su sitio y terminar de esa forma en lo alto (ya hablaremos de la saga Shrek).

Pues bien, Toy Story 3 es perfecta y oportuna. Nació inventando un nuevo género dentro del cine de animación y muere ahora que la animación camina por los derroteros de las tres dimensiones. Y lo hace a lo grande, siendo el colofón de una trilogía puesta en paralelo a grandes sagas de la historia del cine como El Padrino. Ahí queda.

El punto de partida es sencillo, Andy se ha hecho mayor, va a entrar en la universidad, y antes de marchar debe dejar su habitación limpia y recogida (las madres americanas son como cualquier madre como se ve) tirando aquello que no quiera, donándolo a la beneficencia, o guardándolo en el desván. A su muñeco preferido, Woody, decide llevarlo con él a la universidad, mientras que el resto van a quedar condenados al ostracismo de un oscuro desván cuando una serie de malos entendidos da con ellos en las puertas del cubo de basura.

Finalmente, todos ellos, vaquero incluído, acabarán de camino a una guardería donde prestarán sus últimos servicios como animadores infantiles. Woody intentará convencerles de que el deseo de su dueño no era el de enviarles a un vertedero y termina dejando a sus antiguos compañeros en la guardería. Guardería en la cual Lotso, un oso bipolar (cariñoso de día y despiadado de noche) junto a sus secuaces, entre los que destaca Ken (el novio de la Barbie) llevan el mando e infringen un trato abusivo con los recién llegados que pronto querrán escapar. El primero en reclamar sus derechos será el agente interestelar Buzzligthyear que será reseteado dando lugar a uno de los mejores gags de la película, el Spanish Buzz.

El final de la película, el esperado, con mucha tensión, un guión muy acertado y un tempo excepcionalmente llevado pero el esperado, lo cual no es para nada negativo teniendo en cuenta el público al que va dirigida. En definitiva, una gran película de doble lectura donde la crítica a la sociedad actual está presente en casi cada una de las escenas y donde encontramos a raudales diversión y disfrute en una película que por sí misma es una obra maestra.

Conocerás al hombre de tus sueños es, como decirlo, una película del montón, nada del otro mundo, no aporta nada al cine de Woody Allen y vuelve a demostrar que está mejor rodando en Nueva York que en Europa.

La película no es buena comenzando por el casting y su principal protagonista, Josh Brolin, un actor contrahecho, con la cabeza más grande del mercado (más incluso que Bardem) y bracicorto, que interpreta a un ‘escritor’ casado con Naomi Watts y enamorado perdidamente de Freida Pinto (Slumdog Millionaire), dos verdaderos monumentos a los que un tiparraco como este no tendría acceso ni pasando por las manos del cirujano de Belén Esteban. Se salvan de la quema los Antonios (Banderas y Hopkins) convincentes en su madurez y el dúo visionario, la citada Genma Jones y el actor con cara de cerdito (prometo editarlo cuando recuerde su nombre), todos ellos, simplemente decentes. De las chicas que decir, Freida Pinto y Naomi Watts me obnubilaron con cada aparición. No soy objetivo.

¿Por qué empiezo hablando del reparto? Porque quizás en los últimos tiempos era la faceta más destacada de las películas del cineasta de Brooklyn.

La historia es compleja en su sencillez y podríamos resumirla como la ruptura y bifurcación de un matrimonio, motivada por los problemas de la vida (hipotecas, hijos…), donde él se enamora de la vecina de al lado y ella de su jefe. Y por otro es lado la historia de los padres de ella, el deseo de sentirse eternamente joven de él (un papuchi Iglesias cualquiera), los miedos de su esposa y entre ellos el terrible pánico a la soledad. Así de sencillo y sin desvelar nada a nadie.

La esencia de las películas de Allen está ahí, el problema que quizás sea lo único. La historia es inconclusa, poco profunda, casi superficial. La soledad, el abandono, el miedo a afrontar los cambios, la creencia en nuevos ídolos, la inseguridad personal, las nuevas relaciones personales… son problemas presentes en la historia, pero en los que no se ahonda lo suficiente.

El humor, algo característico y natural en todo su cine, aparece aquí con cuentagotas, siendo una de las narraciones más serias de su filmografía. Parece que estuviese el guión afectado por la fragilidad de unos protagonistas con demasiados problemas. (si en ellos vuelve a reflejar su personalidad el señor Woody Allen, de verdad, que le encierren).

Pero resumamos, quizás para un neófito, le parecerá la película más profunda que ha visto en su vida (tuve la desgracia de sentarme tras una fila de quinceañeras adictas al cine de culto, Step up, 1, 2 y 3 o la saga crepúsculo) que a mitad de la cinta estaban avasalladas de estar viendo semejante película , y quizás tampoco sea tan poca cosa como pueda parecer por mi opinión. Es, correcta, normal, del montón. ¿Para verla? Por qué no. Pero lo que es seguro es que no es lo mejor del americano enamorado de Oviedo y los actores españoles.

Me da miedo hablar bien del cine español en estos tiempos. Hay que renegar porque todo lo que se hace es muy malo “claro, como subvencionan cualquier película”. Es cierto que en los últimos años han llegado a las salas productos infames, del estilo de Borjamari y Pocholo, pero también es cierto que otra facción del cine patrio ha optado por obras de calidad, producciones más costosas y atractivas y en definitiva por abandonar el tono zafio de las comedias y el sentimentaloide de los dramas.

En esta ocasión quiero hablar de una cinta del año 2001 que lleva por título Amor, curiosidad, prozac y dudas y que está basada en la novela homónima de Lucía Etxeberría. Está dirigida por Miguel Santesmases (en una de sus pocas obras cinematográficas) y protagonizada por el trío compuesto por Pilar Punzano, Silvia Marsó y Rosa Mariscal, lo que convierte la película en una de esas llamadas historias de mujeres. Los secundarios, aunque con nombre, Guillermo Toledo, Nancho Novo o Guillaume Depardieu no son más que meros acompañantes en esta introspección en el mundo femenino.

Cristina, Rosa y Ana (Pilar Punzano, Rosa Mariscal y Silvia Marsó) son tres hermanas, cada una con su vida encaminada en mayor o menor medida. Ana es una mujer casada y con un hijo que vive a la sombra profesional de su marido y trabaja como ama de casa. Rosa es una mujer de negocios, soltera, liberal y con dudas. Cristina es la más joven, estudiante de filología de día y trabajadora y vividora de noche. Cada una sabe muy poco de la vida de sus hermanas hasta que sus caminos y sus miedos las vuelvan a juntar. Cada una, tras su apariencia fuerte, esconde un pasado y un presente de frustración y dudas, de vulnerabilidad.

Con todo esto, con un guión potente y unos personajes excelentemente construidos se teje la historia de esta película. Una película que habla de la vida y de la familia, de los refugios que encuentra el ser humano donde evadirse de las penurias cotidianas del vivir, una película que habla de la infancia y de las relaciones interpersonales. Una película, que es más de lo que parece a primera vista y donde el trío protagonista mantiene la historia en un punto álgido constante.

Así pues, se trata de una buena película española, le pese a quien le pese. Quizás podríamos achacar que es un poco lenta, con una cámara que se mueve más bien poco, muy en la línea del cine de Gerardo Herrero, para hacernos una idea, pero el metraje es justo, ni falta ni sobra nada, lo cual, para un largometraje, es siempre un gran halago.

Quiero hablar de esta película antes de ver lo nuevo de Woody Allen (espero que sea este fin de semana) y recuperar así una de las mejores películas de la última etapa de este gran director.

Reconozco que Woody Allen nunca había sido santo de mi devoción, algo que me pasa o pasaba con los más afamados cineastas, su cine no me atraía lo suficiente y siempre encontraba en cartel otra película que terminar viendo. Sin embargo la cosa cambió con Melinda y Melinda, no es su mejor película pero me atrajo la sencillez intimista con que estaba hecha. Tras ella, su gira europea con un par de filmes de reconocimiento unánime, Match Point y Scoop y dos excursiones fallidas como El sueño de Casandra y Vicky Cristina Barcelona para terminar recuperando el norte y Nueva York con la película que nos ocupa: Si la cosa funciona.

Allen recupera su cine con esta película de gran fluidez y con actores maravillosos, gran Larry David en el papel de Boris Yelnikoff, álter ego del director, maniático y malhumorado, que tras cobijar en su casa a Melodie (no confundir con Melody, la del gorila) terminará enamorándose de ella en lo que será una relación complicada, con suegros de por medio.

Interesante comedia, ligera, simpática,de buen gusto, donde el enredo es constante y el humor y la ironía se escapan a borbotones. Grandes actores, cuidada fotografía y un gran guión son los elementos claves de este filme que uno no debería dejar escapar.