Acudí al cine movido por la curiosidad de descifrar el enigma de la decisión del ejército alemán que salvó la vida al ejército aliado en Dunkerque, pues no me gusta el género bélico pero me apasionan las tramas políticas, y creo que en Dunkerque hubo de las dos cosas. Sin embargo, salí del cine sin descifrar el enigma de aquella decisión de detener el avance del ejército alemán durante tres días, que dio una inesperada ventaja al ejército aliado para organizar la evacuación de sus tropas. Pero también salí del cine enamorado de una manera distinta de contar batallas, de un estilo novedoso de narrar episodios bélicos sin estridencias ni exageraciones, sin ruido innecesario y sin engordados heroísmos que hacían de este género cinematográfico uno de mis prescindibles. Hasta hoy. El director Christopher Nolan y su músico de referencia, Hans Zimmer, han conseguido que me comience a interesar por algunos de los clásicos de este género, en el que ya ocupa un puesto relevante la película que ambos bordan.
En Dunkerque se decidió el rumbo de la II Guerra Mundial. No fue la única vez pero sí una de las más decisivas. Dos factores permitieron al ejército británico salvar la cara: la extraña orden alemana de detener el avance de su ejército y la solidaridad del pueblo británico, que se echó al mar para salvar a los suyos de un seguro aplastamiento bajo las tropas de Hitler. Estamos ante una película que hace historia en el género bélico y esa es la sensación que tuve en todo momento mientras la contemplaba. Me decía "estoy ante algo distinto a lo ya visto". Christopher Nolan deslumbra en su primera incursión en este género. Hace cine del bueno, primando la imagen sobre los diálogos, y dejando que sean la música, los sonidos y el silencio los que dirijan prácticamente la acción y la tensión narrativa, transmitiendo así la precisa angustia colectiva que unos trescientos mil soldados aliados sufrieron en las playas de Dunkerque entre mayo y junio de 1940, a la espera de ser evacuados lo antes posible. Aún así, muchos murieron, pero la conjunción de circunstancias favorables permitió una digna sobrevivencia a los soldados británicos, franceses, belgas, holandeses y polacos que se vieron atrapados en aquella trampa mortal.
La acción se cuenta en tres tiempos (una semana, un día y una hora antes del milagro) y en tres espacios (tierra, mar y aire). No hay historias individuales relevantes sino una sola colectiva, la de las tropas aliadas angustiadas y muertas de miedo y la del pueblo británico solidario, que demostró en aquella contienda una unidad a prueba de bomba, nunca mejor dicho. Sin abuso de disparos ni explosiones, sin abuso de sangre, sin abuso de heroísmo, Nolan va desplegando sus recursos para hacer arte y espectáculo de un hecho de la vida real y demuestra que la Historia guarda suficientes episodios como para rodar buenas películas de acción, aventuras o terror sin necesidad de desbordar los límites de la verosimilitud en despliegues fantásticos que a mí, particularmente, me aburren. Su película, lógicamente, tiene un punto de vista sobre aquella guerra y es evidente cuál, pero además su estreno parece lanzar un mensaje de unidad y solidariad a ambas orillas del Canal de la Mancha, justo cuando se comienza a negociar el Brexit. Como en otras ocasiones en la Historia, parece que el director quiere decir que el destino de Gran Bretaña va unido al de Europa y viceversa.
Estamos, pues, ante una obra maestra del cine. Por su hechura, por sus intepretaciones, por sus secuencias y planos, por su música... Siempre hay cosas mejorables, también aquí, pero no fallos que te echan abajo la sesión.

Con la fotografía impecable de Emmanuel Lubezki, que hace del desierto incluso un lugar atractivo para vivir, el director Rodrigo García nos plantea una interesante reflexión sobre lo que pudo vivir Jesús de Nazaret cuando se retiró cuarenta días a rezar al desierto, lo que inició su predicación pública. Ese episodio de la vida del Nazareno se muestra en el Nuevo Testamento como el hecho decisivo, previo y necesario, a la asunción del destino que Dios le habría revelado y que Jesús asume, no sin dudas y vacilaciones, suponemos. De eso trata esta película, precisamente. Vemos al "hombre santo" -así definido por otro de los protagonistas del film- adentrarse en el desierto, buscando un sitio donde rezar, meditar y tomar decisiones. Y allí se enfrentará al ayuno, a las visiones y a las tentaciones que el diablo, encarnado en su mismo doble, le propondrá para ponerlo a prueba. Inquietante mensaje el que lanza Rodrigo García al hacer que Ewan McGregor interprete a los dos personajes al mismo tiempo: ¿no es el mal la otra cara del bien, no es el diablo nuestro propio yo perverso y rebelde? McGregor resuelve sin tensiones y con convicción uno de los papeles más interesantes de su carrera cinematográfica. En el desierto, Jesús de Nazaret se encontrará a una familia compuesta por padre, madre e hijo, cuyo destino cambiará precisamente por quedarse con ellos un tiempo. Ahí se plantean,creo yo, los dos temas principales de la película: la rebelión contra el padre y la aceptación o rebeldía frente a nuestro propio destino, que a veces se modifica de forma aleatoria e imprevista y, otras veces, de forma intencionada. ¿Era consciente Jesús que al rebelarse el chico contra su padre desencadenaría un escenario imprevisto que cambiaría el destino de todos los miembros de la familia? ¿Le sirvió esa experiencia para no rebelarse él contra el Padre y aceptar su destino? Hay varias escenas y frases que motivan una seria reflexión sobre el destino y la intervención divina en él, aunque no es necesario ser creyente para disfrutar de esta película que, ante todo, nos plantea la duda sempiterna sobre la existencia de Dios y su forma peculiar de hablar a través de nuestra conciencia.

Por fin he podido ver esta película, veinticinco años después de su estreno. Para amantes de la música clásica, especialmente de la barroca, es interesante presenciar la locura creativa de un genio que, además, se complica con la locura que le provoca el fallecimiento prematuro de su esposa. Locura controlada, no excéntrica ni demencial pero, al fin y al cabo, locura, de ésa que recluye al individuo en su mundo particular, del que sólo asoma de vez en cuando para relacionarse con los demás, obligado por las contingencias de la vida. A pesar de la calidad de la producción, multipremiada por la Academia Francesa, la película es demasiado lenta, los personajes apenas evolucionan, salvo el protagonista, y el director se recrea en los tiempos largos de la acción, acompañados adecuadamente por una banda sonora en la que predominan los adagios de compositores franceses, que no son precisamente mis músicos favoritos del barroco. Aunque no me arrepiento de no haberla visto en el cine, me abre el apetito, eso sí, para volver a ver "Amadeus" y "Farinelli"

Una de mis películas favoritas, que vi en el cine cuando se estrenó y que retrata magistralmente las dificultades que un gay tenía entonces en Cuba para vivir su sexualidad de forma abierta. Una película que abrió caminos, pues a partir de ella se fue normalizando el trato a los gays no sólo en las artes sino en la vida misma. Una magnífica interpretación de Jorge Perugorría y un tratamiento amable de la homosexualidad de su personaje, Diego, que lo retrata desde la consideración a su formación cultural e intelectual, a pesar de ser crítico con la revolución cubana. Muy lograda la contraposición con su contrario, el personaje interpretado por Vladímir Cruz, un joven estudiante revolucionario, David, que desde un asentado prejuicio inicial de la homosexualidad, evolucionará hacia su normalización por medio de la amistad con Diego. De fondo, las restricciones de la economía cubana, con importantes carencias materiales que impiden el libre desarrollo individual y la satisfacción colectiva de necesidades públicas y privadas, más allá de las básicas, en lo que también tiene su parte de responsabilidad el largo bloqueo comercial que EE UU impuso a la isla. Hay muchas frases ingeniosas a lo largo de la película, pero me quedo con ésta: "el arte no es para transmitir, el arte es para sentir y pensar, para transmitir está la radio, la prensa...", que Diego pronuncia para rechazar el arte como instrumento al servicio de la difusión de ideologías políticas.

Una de las mejores películas que he visto sobre el despertar adolescente de la homosexualidad pero, además, una de las mejores películas que he visto sobre el drama de la inmigración, y todo, encuadrado en la difícil armonía entre la amistad grupal y la amistad personal que, a veces, no se complementan e, inlcluso, se rechazan. Una obra de arte, delicada, sensual, tierna y a la vez dramática, que me recuerda los años adolescentes en los que yo tuve que silenciar aquellos primeros deseos eróticos insatisfechos y aquel primer amor inconfensable pues, a diferencia de mis amigos del instituto de secundaria, que presumían de sus chicas, yo no podía desvelar el nombre del chico que desvelaba mis sueños. Me he visto tan reflejado en algunas de las escenas que la memoria de aquel primer amor de adolescencia se ha hecho nítida y próxima, como si el tiempo, justo treinta años, no hubiera pasado. Aunque a veces parece echarse en falta alguna escena más erótica, al final uno comprende que no era de sexo de lo que quería hablar la película sino de atracción, de enamoramiento, de confusión y, sobre todo, de valor y coraje. Ésta es, sin duda, una película que merece comprarse y atesorar en una selecta videoteca, pues es de esas películas que difícilmente se olvidan y que, de vez en cuando, apetece volver a ver.