Intenso homenaje a la sangre durante todo el metraje, si te gusta disfrutar de chorretones de ella través de grandes escenas de lucha este es tu film. Artes marciales, duelos a cuchillo, persecuciones y tiroteos… violencia por todos los lados pero rodada de forma ejemplar haciendo que el espectador disfrute y mantenga un alto grado de tensión e interés durante todo el film.

La trama principal se refiere al asalto de un equipo SWAT de élite a un edificio de la ciudad de Yakarta que está controlado por un mafioso indonesio. Este mafioso se codea con los altos cargos de la mafia y tiene a gran parte de la policía a sueldo. Dentro de ese edificio controlado con cámaras de seguridad y en donde todos los residentes del mismo están a sueldo y vigilan su seguridad el equipo de asalto no lo va a tener nada fácil para conseguir su misión. Este escuadrón de asalto se adentra en el edificio para derrocar su supremacía ante la dirección de un policía, interpretado por Joe Taslim, que se mueve para conseguir sus propios intereses de ascenso dentro del cuerpo. El reparto se completa con los dos protagonistas Doni Alamsyah e Iko Uwais, este último clava una interpretación fabulosa con unas escenas de lucha que te dejan clavado en la butaca. Nuestro protagonista debe luchar por sobrevivir estando totalmente acorralado, la fuerza y espíritu de salir vivo de ese lugar y reunirse con su mujer embarazada hacen el resto.

La trama secundaria es el drama familiar de una familia y el encuentro de dos hermanos en el escenario menos esperado posible. Cuando llega la hora de la verdad y sus vidas están realmente en peligro la sangre (tan patente en este film) también es protagonista en otro sentido.

El guion es bastante vacío y simplista, no se profundiza demasiado en la vida de los personajes ni en sus aspectos psicológicos pero si lo que queréis es sangre, acción e intriga este es vuestro film.

Fabuloso drama judicial que con una intensidad dramática que aumentando durante toda la cinta. Fantástico trabajo del director Barry Levinson que nos transporta a través de su visión de la escenografía a un barrio de clase obrera ligado de forma evidente a la iglesia a la vez que a las normas de la mafia. En la iglesia es donde se forma una relación muy especial entre los muchachos (nuestros protagonistas) y la figura del cura interpretado notablemente por Robert de Niro. La relación que nos presentan de absoluta fraternidad y respeto entre el cura y los chicos del barrio es el eje resolutivo esencial de la trama. El director consigue mostrarnos un duro drama social en donde saboreamos la cruda realidad del maltrato en casa, el machismo, el ajuste de cuentas, la mafia como eje del control social de un barrio y demás miserias sociales. El gamberrismo de los jóvenes del barrio está representados por estos muchachos que a causa de una de esas acciones acaban siendo juzgados e internados posteriormente en el centro Hell’s Kitchen. El ritmo narrativo es fluido durante toda la cinta además que cuenta con escenas para recordar. Por ejemplo, el robo del carrito de perritos calientes que acabaría con la persecución y el accidente que acabaría originando toda la trágica historia de estos chicos.

El malo de la película es Kevin Bacon, un guardia del centro donde han sido encerrados los muchachos., ya que junto con sus compañeros dan vida al lado más obscuro y perverso de un ser humano. Si nos faltaban ingredientes dramáticos estos vienen acompañados por las actuaciones de los guardas en donde a través de violaciones, palizas, amenazas, humillaciones y vejaciones varias hacen la vida imposible a todos los jóvenes que se encuentran allí encerrados. Resaltar la escena de la libertad de 90 minutos simbolizada en un partido de rugby en donde los muchachos durante un breve espacio de tiempo consiguen saborear la superioridad y el sabor de hacer brindar a los guardias su propia medicina. Los chicos nunca pudieron borrar las huellas que aquel lugar había dejado en sus vidas y aunque se prometieron no volver a hablar fuera de allí de lo que había sucedido la realidad es que esa experiencia sería un lastre que tendrían que llevar encima durante toda su vida. ¿La venganza es justificada? ¿Matar está justificado en estos casos? ¿El mentir ante un tribunal en nombre de dios para lograr una justicia moral que no se puede conseguir con la verdad es lícito? El director consigue plantear al espectador una crítica social de la época y quiere que seamos capaces de juzgar a los protagonistas. Sin duda, el director busca nuestra inmersión en la historia y la consigue. La sensación de intriga constante nos sumerge en la historia con un trabajo de guion indiscutible. Estamos ante una historia que nos permite profundizar en la personalidad de cada uno.

(Continua en SPOILER)

Insípido melodrama de época con un reparto más que notable pero con un director que no sabe sacar todo el potencial existente en sus actores, la centralidad del guión posiblemente tampoco ayude. La puesta en escena nos ofrece unas expectativas emocionales alejadas del frío resultado final obtenido. El film cuenta con actrices/ actores de la talla de Susan Sarandon, la jovencísima Kirsten Dunst, Christian Bale y Winona Rider. Sin duda, por encima de todos, tenemos que destacar la estupenda interpretación de Ryder, nominada al Oscar en 1994 como mejor actriz por su actuación en esta película, sus discursos y su expresividad transmiten mucho al espectador. El desparpajo y vivacidad de la joven Kirsten Dunst no debo pasarse por alto, una pena que no podamos disfrutarla durante toda la cinta pero en lo poco que podemos nos deja momentos de notable expresividad, sensibilidad y una cálida interpretación. Debemos ser justos y destacar el espectacular despliegue y resultados en la elección del vestuario, nos presenta de forma formidable la escenografía de la época en que se ubica la trama, en plena guerra de Secesión a mitad del siglo XIX. A falta de ver el film original de Mujercitas del año 1949 (guión adaptado de la novela de Louisa May Alcott) este remake me ha resultado, a grandes trazos, poco más que interesante.

Una familia marcada por la guerra se queda a causa de esta sin la presencia y figura del padre. A raíz de la ausencia del mismo se va desmoronando la estabilidad social que poseían anteriormente. La madre tiene la difícil misión de educar y orientar las vidas de sus 4 hijas, las cuales tienen diferentes edades, visiones y objetivos del mundo y de la vida. Winona Ryder interpreta a Jo, que desea alcanzar el éxito y la independencia en la vida sin que ello vaya ligado a la dependencia del hombre, interpreta a la mujer libre e independiente que desea luchar para cumplir sus sueños. Genial Winona Ryder la mejor interpretación del film sin lugar a dudas, su forma de interpretar es ideal para el personaje que caracteriza e inyecta unas dosis de realismo y credibilidad enormes al mismo. Dinamismo, ímpetu, personalidad marcada, independencia… son solo algunas de sus características. En contraposición a su personalidad tenemos a su hermana pequeña, interpretada por Kirsten Dunst, el objetivo de la cual es encontrar un hombre adinerado que la mantenga y la sitúe dentro de la alta sociedad de la época para que no tengo nunca que pasar las necesidades que de pequeña a sufrido a causa de la ausencia de su padre. ¿El resto de personajes? Tan innecesarios como insustanciales, el director no les ofrece ninguna relevancia dentro de la historia y el público por tanto tampoco. Christian Bale tampoco se salva de la quema, algún momento puntual con algún diálogo interesante pero poco más.

(Continua en SPOILER)

Grata sorpresa el descubrimiento de esta película, el resultado final me a gustado bastante. El gran cineasta Edgar Neville dirige las dos líneas de acción argumentativas de forma magistral alternándolas en momentos idóneos. Posiblemente sea uno de los pocos films interesantes que se pueden salvar de aquella época en cuanto a la industria cinematográfica nacional.

Conchita Montes, la protagonista, realiza una notable interpretación y es la principal artífice de dotar de una alegría notable a toda la cinta. En ella se nos plantea la importancia de las pequeñas decisiones y en como ellas pueden condicionar tu futura vida y felicidad. Conchita Montes interpreta a una viuda que se muda a la capital. En el transcurso de ese viaje comparte vagón con una vidente que le comunica que escogió el camino de la infelicidad por un error cometido en el pasado. La cinta nos planta una ácida y voraz crítica social a la clase alta de la burguesía madrileña de mediados de siglo, en pleno Franquismo. Estamos ante un film adelantado a su época y es de los pocos interesantes que parece que no fueron censurados, como por ejemplo el film de “El verdugo (1963)” de Luis García Berlanga. Films actuales parece que hayan vivido de esta cinta y la tengan como una especie de precuela por el hecho de imitar posteriormente este tipo de estructuras narrativa, nos referimos a films como “Las vidas posibles de Mr. Nobody (2009)” o “Toto, El Heroe (1991)”, las dos de Jaco Van Dormae. El director consigue tratar el tema de una manera divertida y original, incluso consigue dotar de un “encanto” especial otorgando un cierto simbolismo a pequeños detalles de la pantalla…la extravagancia del reloj heredado, el cuadro de “Rigadie” y sobretodo el grupillo de hipocresía extrema formado por Escolástica & Cia. La descripción de las dos Españas esta patenta durante gran parte de la cinta como también el punto de vista de las clases altas hacia la clase más humilde y pobre. Sin duda un grupito muy caricaturescos como el hombre que prefiere las jotas en la escena del canto de los niños…la cual me resulta de una bizarrez notable. El papel de la mujer tiene un tufo realmente machista pero bastante normal si tenemos en cuenta el ámbito social e histórico en que está grabada. La protagonista tiene una personalidad plana y con no muchas ambiciones en la vida que no sea encontrar el amor.

El buen hacer con los flashbacks y saltos en el tiempo consiguen mantener la curiosidad del espectador en todo momento. Este curso resultaba totalmente innovador para la época y el director supo hacer muy buen uso del mismo. Una narración completamente novedosa.
La moraleja final nos da a entender que los sueños siguen estando a nuestro alcance mientras la vida siga y que tenemos que encontrarlos. El final feliz y agradable me resulta bastante forzado y a mi gusto empañan un poco. Un final más dramático me hubiera encajado más.

Jaco Van Dormael (Mr. Nobody, 2009) tuvo un fantástico debut como director con la dirección de este fantástico film. Con un cuidado reparto consigue transmitir durante los 90 minutos de extensión del metraje la cercanía de la historia de su protagonista y consigue que el público empatize con el mismo y con el drama familiar que nos pone delante de nuestros ojos. Sería injusto clasificar solo como un drama esta historia ya que los momentos cómicos son abundantes y realmente óptimos, estamos ante una tragicomedia narrada con un estilo narrativo muy atractivo para el espectador. La OST del film es muy pegadiza y divertida, consigue sacarte una sonrisa.

Historia narrada en primera persona por nuestro protagonista, el anciano Thomas Van Hasebroeck (más conocido por los amigos como “Van Sopa de Pollo”) que nos explica como en el momento de su nacimiento a causa de un incendio en el hospital fue intercambiado por error con la familia de su vecino Alfred (o eso por lo menos, es lo que el cree durante toda su vida). Su vida girará influenciada entorno a esta idea que no le dejará disfrutar de las cosas buenas que posee en ella. El joven Thomas siempre permanece observando y envidiando todo lo que no tiene por culpa de ese error, pero realmente no se da cuenta que quien lo tiene todo para ser feliz es él.
El hogar de Thomas compuesto por sus padres y sus dos hermanos es realmente idílico y las relaciones entre todos ellos estupendas. El padre ejerce su faceta de forma ejemplar y es una persona cómica y divertida todo lo contrario que el rígido padre de Alfred. Sus vidas cambian radicalmente cuando el padre de Thomas desaparece en su avioneta mientras está realizando un encargo y la madre de ellos viaja a buscarle junto con al hermano pequeño que tiene Síndrome de Down, interpretado por el genial actor Pascal Duquenne (El octavo día, 1996.)

El anciano Thomas va recordando toda su vida mientras planea el asesinato de Alfred. Los recuerdos se dividen en tres bloques temporales... su infancia, su madurez y su vejez actual. Estas etapas de la vida de Thomas están marcadas por objetivos idénticos… deseos de venganza hacia su vecino Alfred y la búsqueda del amor que sentía hacia su “hermana” desaparecida poco después que su padre al provocarse un incendio en el garaje de Alfred de forma accidental. Thomas no consigue olvidar ese amor y pese a que se le considera muerta conserva la esperanza (al no aparecer el cadáver) de que su “hermana” siga viva.

¿Es realmente la hermana de Thomas o por el contrario lo es de Alfred?

(Continua en SPOILER)